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Top 10 des plus grands cinéastes
La cinématographie est, à bien des égards, un travail ingrat. Tout le monde sait quel est son objectif fondamental, à quel point c'est important pour le film et combien les images sont souvent les images les plus mémorables. Pourtant, beaucoup auraient du mal à nommer un seul directeur de la photographie. Dans l’histoire du film, le cinéaste a souvent un rôle négligé à jouer. Pourtant, ils ont été aussi importants et influents que les réalisateurs, les scénaristes et les acteurs. Pour les commémorer, voici une liste des dix plus grands et des plus influents cinématographes. Vous aimerez peut-être aussi notre Top 10 des chefs-d’œuvre cinématographiques.
10Kazuo Miyagawa 1908-1999
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Miyagawa est sans doute le directeur de la photographie le plus important de l’histoire japonaise, après avoir travaillé avec des auteurs japonais, dont Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu et Kenji Mizoguchi. Il est peut-être surtout connu pour ses travaux sur Rashomon, où il a été la première personne à diriger directement un appareil photo vers le soleil (en utilisant des années d’étude sur l’exposition à la lumière). Il était également connu pour l'utilisation de plusieurs configurations de caméra pour les scènes et était acclamé pour son contraste entre des plans de suivi rapides et des gros plans précis. Parmi les autres innovations du film, citons l'utilisation de miroirs pour réfléchir la lumière naturelle et l'utilisation d'une eau noire teintée comme pluie, pour la rendre plus vive à la caméra. Il était également un maître des genres, travaillant sur des comédies (The Rickshaw Man), des films de samouraïs (les films de Zatoichi), surveillait 164 caméramans et utilisait plus de 234 objectifs différents pour Tokyo Olympiad, souvent comparé à celui de Leni Riefenstahl. les plus grands documentaires olympiques.
Certains des travaux remarquables de Miyagawa sur Rashomon peuvent être vus dans le clip.
Films notables: Rashomon (1950), Ugetsu (1953), Sansho le bailli (1954), Floating Weeds (1959), Yojimbo (1961), Zatoichi (1964), Tokyo Olympiad (1965)
9 Sergei Urusevsky 1908-1974[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = GFrHPcKiXaQ & hl = en & fs = 1 &]
Bien que loin d'être aussi prolifique que d'autres sur cette liste, Urusevsky a acquis un statut presque mythique parmi les directeurs de la photographie en raison de son travail avec le réalisateur russe Mikhail Kalatozov sur des films tels que Cuba et The Cranes are Flying. Sa combinaison presque incroyable de mise au point profonde, de prises de vues acrobatiques, de perspective subjective et d’autres ruses cinématographiques remarquables était si en avance sur son temps qu’on ne la verrait plus dans l’Ouest plus de dix ans plus tard. Malheureusement, ses collaborations avec Kaltozov ont été en grande partie enfouies par la machine de propagande soviétique et n'ont été restaurées que récemment grâce à des admirateurs reconnus tels que Martin Scorsese et Francis Ford Coppola. Urusevsky défendit son spectaculaire travail de caméra, qui détournait souvent l'attention du centre de la scène, et remarquait que "cela ne m'a jamais intéressé, en tant que caméraman, de simplement enregistrer ce qui se passe devant la caméra."
Le clip ci-dessus, très célèbre, est peut-être la scène la plus célèbre du répertoire d'Urusevsky. Un plan de suivi balistique de l'ouverture de Je suis Cuba montre son travail photographique époustouflant et original.
Films notables: Le quarante et unième (1956), Les grues volent (1957), La lettre non envoyée (1959), Je suis Cuba (1964)
Vittorio Storaro né en 1940
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Vittorio Storaro (né le 24 juin 1940 à Rome) est un cinéaste italien primé à trois reprises. Il est surtout connu pour son travail sur Apocalypse Now (son premier Oscar), où Francis Ford Coppola lui a laissé le loisir de photographier le célèbre aspect visuel du film. Il remporte ensuite les Oscars des Reds et du Dernier empereur, dirigés par Bernardo Bertolucci, son collaborateur le plus fréquent. Storaro est largement considéré comme un chef-opérateur avec une philosophie sophistiquée largement inspirée de la théorie des couleurs de Johann Wolfgang von Goethe, qui se concentre en partie sur les effets psychologiques des différentes couleurs et sur la manière dont celles-ci influencent nos perceptions de situations différentes. Avec son fils Fabrizio Storaro, il a créé le système de formatage Univisium afin d'unifier tous les futurs films de cinéma et de télévision en un format respectif de 2.00: 1.
Le clip est une scène de The Sheltering Sky, mettant en vedette la plus belle cinématographie du désert jamais filmée. Pour une vue de meilleure qualité (et une version plus longue) de cette scène, allez ici. Vous ne serez absolument pas déçu.
Films notables: The Conformist (1970), Last Tango in Paris (1972), Apocalypse Now (1979), Reds (1981), The Last Emperor (1987), The Sheltering Sky (1990)
7 Sven Nykvist 1922-2006[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = c1Xrg9uw_8g & hl = en & fs = 1 &]
En tant que directeur de la photographie de choix d'Ingmar Bergman, Nykvist s'est vu confier la tâche peu enviable de transformer en réalité les images surprenantes, souvent surréalistes, de l'auteur suédois devant la caméra. Malgré cela, Nykvist s'est distingué par sa subtilité et sa simplicité, privilégiant l'éclairage naturaliste pour compléter le style de narration lent et rythmé de Bergman. Il était sans prétention et souvent caché derrière son directeur, mais Nykvist était toujours reconnu pour son travail avec deux Oscars pour Cries and Whispers et Fanny et Alexander. Nykvist a également travaillé avec des réalisateurs tels que Roman Polanski, Woody Allen et Andrei Tarkovsky. Premier cinéaste européen à rejoindre l'American Society of Cinematographers, il a reçu le Lifetime Achievement Award de l'ASC en 1996.
Ci-dessus, une belle scène de Persona. Remarquez la disparition remarquable de la lumière.
Films notables: The Virgin Spring (1960), Persona (1966), Cries and Whispers (1973), Fanny et Alexander (1982), The Sacrifice (1986), L'insoutenable légèreté de l'être (1988)
6Gregg Toland 1904-1948
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Gregg Toland a passé peu de temps avec nous, mais il est à souligner que son talent est si révéré aujourd'hui. Toland a été nominé cinq fois pour l'Oscar de la meilleure cinématographie au cours d'une période d'or de sept ans qui a duré de 1936 à 1942, mais c'est sa collaboration avec Orson Welles sur Citizen Kane qui a le plus de succès. Bien qu'il n'ait pas créé de cinématographie avec mise au point en profondeur, il l'a perfectionné dans Citizen Kane, permettant ainsi aux personnages de l'arrière-plan et de l'arrière-plan de faire la mise au point en même temps. En fait, une grande partie du génie visuel et cinématographique du film - angles faibles, contraste élevé, ombres noires - bien que souvent attribuée à Welles, était en grande partie due à Toland. Welles a reconnu plus tard que Toland le conseillait pour le placement de la caméra et les effets de lumière en secret afin que le jeune réalisateur ne soit pas gêné devant l'équipage très expérimenté. Il était tellement redevable au travail de Toland que Welles a insisté pour que leurs noms apparaissent ensemble sur le générique de fin. Par la suite, Toland travailla sur La Chanson du Sud de Disney, qui combinait action réelle et animation.
Ci-dessus est un exemple de concentration profonde dans Citizen Kane.
Films notables: Wuthering Heights (1939), Les raisins de la colère (1940), The Long Voyage Home (1940), Citizen Kane (1941), How Green Was My Valley (1941), Chant du Sud (1946)
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Surnommé "Le Prince des ténèbres" pour son penchant pour l'utilisation de riches noirs et d'intérieurs sombres, notamment dans les films "Le Parrain" pour lesquels il est plus connu, Gordon Willis est célèbre pour sa cinématographie innovante qui lui a valu deux nominations aux Oscars et beaucoup de respect. . Son travail sur The Godfather Films est légendaire. Parmi ses innovations, il a notamment innové en utilisant des reflets ambrés chauds et flous pour représenter les scènes nostalgiques du passé dans The Godfather, partie II, et en recréant de manière unique la photographie des années 1920 pour Zyig de Woody Allen.
Ci-dessus, un clip montrant Gordon Willis (et d’autres) discutant de la cinématographie de The Godfather.
Films notables: Le Parrain (1972), Le Parrain Partie II (1974), Tous les hommes du président (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), Le Parrain Partie III (1990)
4Christopher Doyle né en 1952
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Bien que né en Australie, Doyle a laissé sa marque en photographiant des films asiatiques, en particulier l'œuvre du réalisateur hongkongais Wong Kar-Wai. Son travail avec le réalisateur, en particulier les films Chungking Express, In the Mood for Love et 2046, est loué pour ses éclaboussures de couleurs vives et sa saturation élevée. Il est considéré comme l'un des architectes les plus importants du cinéma asiatique New Wave. Il est également l’un des rares cinéastes «superstar», dont la réputation est souvent supérieure à celle des réalisateurs avec lesquels il travaille.
Ci-dessus est un extrait du film Hero, où l'attention de Doyle sur les couleurs vives était cruciale pour l'histoire.
Films notables: Chungking Express (1994), Dans l'humeur de l'amour (2000), The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002), 2046 (2002), Paranoid Park (2007)
3 Conrad L. Hall 1926-2003[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = DWTNBRs7Ccs & hl = en & fs = 1 &]
Commençant par des films tels que Cool Hand Luke, Butch Cassidy et Sundance Kid, Hall a contribué à la libération des méthodes de tournage en proposant, comme le dit Sight and Sound, de "faire des vertus d'erreurs". Des taches telles que le soleil frappant l'objectif, de la saleté se déposant sur la lentille ou d'autres distractions apparentes qui auraient nécessité des prises de vue par le passé, mais l'approche de Hall illustre la nouvelle vague du cinéma américain et aide à définir un modèle pour des films indépendants et granuleux. Mais Hall a également prouvé qu'il pouvait gérer des images plus "parfaites", photographiant des films comme American Beauty plus tard dans sa carrière. Il a remporté son premier Oscar en 1969 pour Butch Cassidy et le Sundance Kid, puis devrait attendre 30 ans pour le prochain, American Beauty. Son troisième Oscar lui a été attribué à titre posthume pour Road to Perdition. De plus, il a été nommé sept autres fois au cours de sa vie.
Ci-dessus, une scène amusante de Butch Cassidy et du Sundance Kid, pour laquelle Hall a remporté un Oscar.
Films notables: Cool Hand Luke (1967), Dans le sang froid (1967), Butch Cassidy et le Sundance Kid (1969), Le Jour du Criquet (1975), American Beauty (1999), Road to Perdition (2002)
2James Wong Howe 1899-1976
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James Wong Howe avait plus de 130 films à son actif, allant de l'ère silencieuse à la couleur. Au cours des années 1930 et 1940, il était considéré comme l'un des cinéastes les plus recherchés à Hollywood. Il a été nominé pour dix Oscars pour la cinématographie, gagnant deux fois. En plus d'être l'un des premiers cinéastes à utiliser la photographie en profondeur, Howe a été le pionnier des techniques permettant d'augmenter le regard sur le film en noir et blanc, des techniques de dolly anciennes, des techniques d'appareil photo portatives et des prises de vue avec des sources de lumière inhabituelles, comme à la lueur d'une bougie dans The Molly Maguires.
Le clip est une magnifique photographie noir et blanc de Hud, pour laquelle Howe a remporté un Oscar.
Films notables: L'homme mince (1934), Alger (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Le tatouage de rose (1955), La douce odeur du succès (1957), Le vieil homme et la mer (1958), Hud (1963), Drôle Lady (1975)
1 Charles Rosher 1885-1974[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = CvUvr715rjg & hl = en & fs = 1 &]
Charles Rosher a été deux fois directeur de la photographie récompensé par un Academy Award, il a travaillé du début des films muets aux années 1950. Né à Londres, il a été le premier directeur de la photographie à recevoir un Oscar, aux côtés du co-lauréat de 1929, Karl Struss. Rosher étudie la photographie dans sa jeunesse, mais acquiert rapidement une réputation de caméraman dans l'actualité avant de s'installer aux États-Unis en 1909. Il trouve ensuite du travail pour David Horsley dans sa société de production au New Jersey. Comme les premiers films étaient en grande partie limités à la lumière du jour, Horsley a déménagé sa société de production à Hollywood en 1911, emmenant Rosher avec lui et y a ouvert le premier studio de cinéma. Cela a fait de Rosher le premier caméraman à temps plein à Hollywood. En 1913, il se rend au Mexique pour filmer des séquences d'actualités sur la rébellion de Pancho Villa. En 1918, il fut l'un des fondateurs de l'American Society of Cinematographers et fut le premier vice-président du groupe. Dans les années 1920, il était l'un des cinéastes les plus recherchés à Hollywood et l'un des favoris personnels de stars telles que Mary Pickford. Son travail avec Karl Struss sur le film Sunrise de F. W. Murnau, daté de 1927, est considéré comme une étape importante dans le domaine de la cinématographie. En outre, Rosher a également reçu deux médailles Eastman (du nom de George Eastman), la médaille d'or du magazine Photoplay et la seule bourse jamais attribuée par la Society of Motion Picture Engineers.
Ci-dessus, un exemple du travail révolutionnaire de Rosher sur Sunrise.
Films notables: Lever de soleil (1927), Les affaires de Cellini (1934), Le Petit Seigneur Fauntleroy (1936), Le Yearling (1946), Annie Get Your Gun (1950), Bateau de démonstration (1951)
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