Top 10 des plus grands violonistes de tous les temps

À la demande de BKhon - j'espère qu'il ne travaillait pas sur la même liste. Cela faisait un moment que je réfléchissais à ce sujet, et je pense aussi à celui des pianistes classiques. Cette liste présente les dix plus grands altistes de toute l'histoire de la musique classique occidentale. Notez les mentions notables en bas et veillez à ajouter les vôtres aux commentaires.

10

David Oistrakh

Il a vécu de 1908 à 1974 et, puisqu'il est né la même année que le décès de # 2, il a été qualifié de réincarnation. Il était russe et est devenu mondialement connu pour ses enregistrements et ses récitals du concerto de Tchaïkovski, ainsi que pour les standards de Beethoven, Brahms et Mendelssohn. Il était ami avec plusieurs compositeurs russes renommés, notamment Prokofiev, Chostakovitch, Khatchatourian et Glazounov, qui ont tous écrit des œuvres qui lui étaient dédiées et qu'il a créé.

Le concerto de Tchaïkovski était son œuvre préférée, et certains disent qu'il en a fait les meilleurs enregistrements, ce qui est une énorme plume dans la casquette d'un violoniste. Il a décrit son dernier mouvement comme l'équivalent d'un violon consistant à parcourir un kilomètre et demi.

9

Fritz Kreisler

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L'un des premiers véritables maîtres de l'ère du pré-enregistrement à faire sa marque dans le studio de son. Kreisler a vécu de 1875 à 1962 et était réputé pour la qualité de son ton très poli et charmant, ni séducteur ni énergique, mais techniquement parfait, comme s'il demandait à l'auditoire la permission de se montrer de temps en temps. Il est généralement contrasté avec le n ° 5, dont les capacités techniques étaient tout aussi parfaites, mais dont le ton était beaucoup plus agressif, même dans les passages lents.

Kreisler a été l'un des rares musiciens classiques à mourir à l'époque, après avoir été heurté par des voitures à deux reprises, une en 1941, qui lui a fracturé le crâne et l'a plongé dans le coma pendant une semaine, puis quelques mois avant sa mort, une accident qui le rendit aveugle et sourd. Il était connu pour son extrême politesse et sa gentillesse envers tous ceux qu’il rencontrait, et cela a été noté comme une qualité constante de son jeu. Il a écrit ce qui est, aujourd'hui, la cadence la plus populaire du Concerto pour violon en ré de Beethoven.

8

Mischa Elman

Ses admirateurs et les virtuoses le considèrent aujourd'hui comme l'un des plus grands de l'âge de l'enregistrement, avec le numéro 5. Il possédait une technique irréprochable et une qualité de son que le n ° 5 qualifiait de «photographie de ma peinture». L'émotion qu'il pouvait exprimer via son instrument était riche, passionnante et pourtant très raffinée, même s'il manquait peut-être un peu de intensité et verve # 5 exprimées.

Il vécut de 1891 à 1967 et le # 2 le recommanda pour l'académie impériale de musique d'Odessa en Ukraine. Il pouvait déjà jouer, à 11 ans, certaines des pièces les plus difficiles jamais écrites, dont le 2e concerto de Wieniawski. Il était assez petit, à environ 5 pieds 3 pouces, et, avec ses doigts larges, cela l'empêchait de frapper les très hautes notes. Il a pratiqué pendant des années jusqu’à perfectionner sa technique et se pliait un peu pendant les représentations pour pouvoir jouer correctement. Cela a fonctionné pour lui, et il avait l'habitude de dire qu'il se fichait de son apparence physique pendant qu'il jouait.

Il est également le géniteur de la célèbre blague. Quand il rentrait chez lui un soir à New York après un récital mal accueilli, il a été arrêté par un passant qui voulait assister à sa représentation, mais il était en retard. Le passant a demandé: «Comment pouvez-vous vous rendre à Carnegie Hall?» Elman grimaça et dit: «Pratique, pratique, pratique!» En marchant.

7

Giuseppe Tartini

Tartini a vécu de 1692 à 1770 et ses origines au violon sont amusantes. Ses parents voulaient qu'il soit un frère, car c'était l'une des rares carrières qui garantirait qu'il ne meure pas de faim. Tous les monastères ont enseigné la musique de base dans le cadre de leur scolarité. Il a commencé l'escrime à l'université de Padoue, où il a étudié le droit. Après le décès de son père, il a épousé Elisabetta Premazone, ce que son père n'aurait pas aimé, car elle était d'une classe inférieure. Mais elle était une maîtresse du cardinal Giorgio Cornaro (il y avait plus d'un cardinal dans l'oiseau que dans lui), qui a rapidement accusé Tartini de s'en aller avec elle. Il a donc pris la fuite plutôt que d'être pris et excommunié ou tué.

Il s'est rendu au monastère Saint François d'Assise et a commencé à étudier le violon. Il avait beaucoup de talent pour ça, et on raconte que lorsqu'il se considérait comme un maître, il assistait à une performance de Francesco Veracini, dont le jeu avait poussé Tartini à s'enfuir à Ancône et à s'entraîner beaucoup plus. En 1821, il était le principal rival du n ° 3 en matière de performances, célèbre dans toute l’Europe pour ses trilles et ses trémolos impeccables.

Son œuvre la plus célèbre utilise abondamment des trilles: la Sonate Trill du diable pour violon solo (joué ci-dessus par le remarquable extra Itzhak Perlman), dans laquelle l'artiste doit jouer des trilles à double arrêt rapides et épuisants. Beaucoup de professionnels aujourd'hui ne peuvent pas le supporter. Certains disent que Tartini a entendu le diable jouer dans un rêve et que sa composition du lendemain matin était terrible par rapport à ce dont il se souvenait.

6

Ole Bull

Il n’est pas un Indien d’Amérique, comme son nom le suggère en anglais. Il était norvégien et a vécu de 1810 à 1880, période au cours de laquelle il a parcouru l'Europe en se concertant avec des personnalités telles que Franz Liszt, Clara (et Robert) Schumann, Felix Mendelssohn et d'autres.

À l’époque, le public n’avait la télévision pour les distraire que vers 7 heures du soir. Ils se sont donc présentés à midi, avec leur déjeuner et leur dîner, et les récitants ont dû les impressionner jusqu’à 6 heures. Bien sûr, personne ne peut s’y attendre, c’est pourquoi plusieurs artistes de renom collaborent lorsqu’ils se croisent mutuellement.

Robert Schumann considérait que sa technique était d'une clarté et d'une précision hors du commun, à tel point que, quelle que soit la vitesse de la musique, Bull ne manquait jamais une note et que vous pouviez bien l'entendre. Clara l'aimait plus que tout autre violoniste qu'elle ait entendu en personne. Ce n’est pas un virtuose facile à battre, mais comme c’est si souvent le cas lorsqu’on classe de grands interprètes avant l’âge de l’enregistrement, le classement commence à se fendre. C'est le cas, enregistrez une ou deux entrées avec cette liste.

5

Jascha Heifetz

De loin le plus grand interprète de l'ère de l'enregistrement moderne. Né en 1901, décédé en 1987, il est l’un des rares, si ce n’est le seul, à pouvoir marquer le meilleur moment à la fin du Concerto pour violon de Tchaïkovski et lui donner un vibrato environ un cinquième de seconde. son temps de jeu.

Il est devenu légendaire avec son enregistrement de Zigeunerweisen, écrit par un autre artiste figurant sur cette liste, qui présente presque toutes les techniques qu'un violoniste par excellence devrait posséder. C'est devenu la signature de Heifetz. Après un segment lent, la partie rapide incorpore à la fois des passages pizzicato poilus et des passages arqués. Heifetz était plus que égal à la tâche. Ses admirateurs ont tous exprimé leur émerveillement devant la qualité de son remarquable, quelle que soit la difficulté du morceau de musique qu’il interprétait.

4

Arcangelo Corelli

Il est né en 1653 et sa place sur cette liste peut vous amener à demander: "Comment savez-vous à quel point il a bien joué?" Et bien, même aujourd'hui, presque tous les violonistes peuvent retracer leur formation à Corelli. Les techniques utilisées par les interprètes, les doigtés, la forme cintrée et la posture sont toutes dues à Corelli. Il était célèbre dans toute l'Europe occidentale à son époque en tant qu'interprète de tout premier ordre.

Il n'aimait pas l'idée de jouer des notes très hautes. Pour ne pas dire qu'il ne pouvait pas, mais il pensait que ça sonnait toujours, même si tout le monde jouait bien. Sa propre musique ne dépasse presque jamais D sur la corde la plus haute. L'histoire raconte que Handel a écrit un A au-dessus de cela dans l'un de ses oratorios, ce que Corelli, un visiteur, a refusé de jouer. Il a pensé que cela semblait terrible. Handel, un organiste, a commencé à le jouer sur son propre violon, et Corelli a été offensé. «Je n'ai pas dit, Herr Handel, que je ne pouvais pas y jouer. J'ai dit que cela ne devrait pas être joué. »Haendel lui-même a fait remarquer à la« voracité »avec laquelle Corelli pouvait parcourir les gammes plus rapidement que quiconque avait entendu parler, et faire les sauts parfaits, d'octaves aux 12ème, 15ème et plus.

3

Antonio Vivaldi

Corelli, âgé de 25 ans, est devenu son principal rival virtuose au cours des dernières années de Corelli. La musique de Vivaldi s'est estompée dans l'obscurité après sa mort, jusqu'à ce que Fritz Kreisler et Alfred Casella la ressuscitent au XXe siècle. Il est aujourd'hui l'un des trois compositeurs baroques les plus populaires, avec Bach et Handel. Il semble avoir souffert d'asthme, ce qui l'a empêché d'apprendre les instruments à vent, mais pas le violon, et à vingt ans, il était devenu célèbre dans une grande partie de l'Italie et de la France en tant que virtuose d'un talent technique presque sans égal.

Même sans cette virtuosité, il aurait figuré sur cette liste pour avoir introduit l'idée de «peinture par le son» ou de représentation d'images par la musique. Ce qu'il a fait à merveille avec ses «Quatre saisons», qui sont quatre concertos destinés à représenter, en quatre mouvements chacun, les apparences de la nature tout au long de l'année. Avec le violon solo, qu'il a joué dans leurs premières, il représente des oiseaux chantant, des éclairs et des orages, des lacs gelés, etc. Les exigences techniques de ces pièces sont assez élevées.

2

Pablo de Sarasate

George Bernard Shaw a dit un jour à Sarasate qu'il «laissait la critique derrière lui.» Il a vécu de 1844 à 1908 et nous devrions nous considérer extrêmement chanceux de pouvoir enregistrer certains de ses enregistrements au cylindre de cire, datant d'environ 1904, et notamment , Zigeunerweisen (enregistrement ci-dessus). À l'époque, les capacités d'enregistrement étaient terribles pour des sons autres que des sons de percussion, comme un piano ou une batterie, à moins que le son soit directement dirigé dans le mégaphone. Un violon ne peut ni très bien faire, et il est difficile d'entendre tous les passages de la pièce, mais ils sont là, et il ne manque pas une seule note.

Sa technique est en réalité un peu plus limpide que celle de Heifetz, sans même une note floue ou grattée, mais avec toute l’émotion et la rapidité à la hauteur et brillante. Tout virtuose du violon est inévitablement comparé à la prochaine entrée, et presque toujours un peu défavorablement, mais Sarasate est l’une des rares exceptions que les gens peuvent réellement entendre jouer.

1

Niccolo Paganini

Ils disent qu'il a vendu son âme au diable pour pouvoir jouer si bien. Certains aiment dire que le diable était certain d'avoir assisté à chacun de ses récitals. Sur une liste de virtuosité du violon, personne n'est autorisé à dominer Paganini. Robert Schumann a dit un jour: «Qui est le plus responsable de la fondation du christianisme? Paganini doit se tenir sur le même échelon de l'échelle du violon.

Il vécut de 1782 à 1840 et parcourut l'Europe, laissant le public abasourdi après chaque récital. Il a pratiqué 10 heures par jour, de son propre aveu, et, associé à son talent, il n’avait pas d’autre choix que de maîtriser le violon aussi couramment qu’il était en italien.
Bien sûr, il s'est enrichi grâce à ses performances, mais il n'a pas fabriqué de violon spécial. Dans le domaine des violons, les extrêmement riches peuvent acquérir un instrument fabriqué par les deux luthiers les plus célèbres de l’histoire: Antonio Stradivari et Giuseppe Guarneri.

Paganini possédait plusieurs excellents instruments, mais son préféré, et celui sur lequel il a joué pendant la plus grande partie de sa carrière, avait été fabriqué par Guarneri, en 1743.Paganini l'a surnommé son «violon canon», et son surnom est resté. Il est Cannone Guarnerius, et est logé dans la mairie de Gênes, en Italie, la ville natale de Paganini, et est de temps en temps sorti pour être joué par les meilleurs du monde.

Il Cannone a un pont extrêmement peu profond sous les cordes, ce qui permet au joueur de jouer 4 notes à la fois facilement, mais au prix d’une demande extrême en matière de précision technique. Paganini n'a jamais manqué une note. Il a écrit ce qui reste de loin les morceaux de violon les plus difficiles du répertoire mondial. Son tout premier numéro d'opus est composé de ses 24 Caprices for solo, dont le 24, en la mineur, est le plus connu, ayant été transcrit pour d'autres instruments et mis en variations par de nombreux grands compositeurs.

Selon Mendelssohn, qui est allé à plusieurs de ses récitals, Paganini pourrait jouer ce caprice sur une corde. Un violon a quatre cordes et l'interprète est supposé utiliser l'une d'elles pour faciliter les gammes, les sauts d'octave, etc. Sinon, de très longs doigts ainsi qu'une dextérité et une précision extraordinaires sont nécessaires. Paganini sortait, prenait ses arcs, puis demandait à une dame au premier rang de choisir une ficelle. Il jouerait ensuite le 24e Caprice, qui était très populaire, sur cette corde. Il pourrait aussi jouer son Moto Perpetuo, ou Perpetual Motion, sur une corde.

Son influence sur la technique du violon moderne est plus profonde que toute autre influence de la musique, sauf peut-être Liszt au piano.

Il était tellement stupéfait par sa magie à couper le souffle qu’à sa mort, les médecins lui ont disséqué les mains et les poignets pour voir s’il était né un monstre: ils s’attendaient à trouver plus de cartilage que d’habitude, mais en ont trouvé moins, parce tellement il l'avait usé, tout comme les genoux d'un marathonien. Ses doigts étaient assez longs, mais il n'y avait eu aucune astuce ou astuce. Il était simplement bien pratiqué.

Mentions honorables: Eugene Ysaye, Isaac Stern et Itzhak Perlman, Francesco Maria Veracini; Joseph Joachim; Nathan Milstein, Yehudi Menuhin, Anna-Sophie Mutter, Wolfgang A. Mozart (oui, il était si bon).