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10 œuvres d'art largement interprétées
Dans le monde de l'art, rien ne blesse une carrière ou ne brise l'ego comme une œuvre d'art mal interprétée. C’est pourquoi il est tellement dommage que, quelques centaines d’années après leur conception et leur création, certaines des œuvres artistiques les plus renommées au monde soient encore souvent mal interprétées ou mal comprises.
Cette liste présente dix des œuvres les plus fréquemment mal interprétées de l'histoire de l'art. Dans certains cas, les téléspectateurs ne pouvaient pas s'empêcher d'être distraits par un aspect spécifique. D'autres fois, les gens ont simplement supposé qu'une œuvre d'art avait un sens plus profond qu'elle. Et parfois, une œuvre d'art résolument osée semble apprivoiser ceux qui ne connaissent pas l'époque du tableau.
10 La balançoire
Jean-Honoré Fragonard
Cette célèbre peinture rococo, également connue sous le nom de Les heureux accidents de la balançoire, est certainement une image turbulente et joviale. Il a même réussi à apparaître brièvement dans Disney Congelé lors d'une scène particulièrement heureuse. Cependant, Fragonard avait dans l'esprit de son travail une signification plus mûre que celle de Disney. C'est vrai: cette belle œuvre d'art concerne le sexe.
La peinture représente une jeune femme balançant négligemment dans un jardin romantique, profitant de la compagnie de son jeune amant tandis que son mari cocu se tient au loin, complètement inconscient de la présence de l'autre homme. S'il ne suffit pas que le jeune homme regarde droit dans sa robe, l'image est encombrée de rosiers qui, dans l'art rococo, étaient un symbole classique de la sexualité féminine. En outre, le jeune amoureux a enfoncé sa casquette dans les buissons. Cela peut sembler étrange, mais à l'époque, un bonnet d'homme était souvent utilisé pour dissimuler une érection. Le chapeau dans la brousse est donc un jeu de mots lowbrow assez flagrant. Un autre indice est la chaussure de la femme, qui a été abandonnée dans son mouvement de balancement. Cela ne prend pas un érudit de connaître le lien traditionnel, longtemps abandonné, entre les pieds ou les chevilles exposés et les désirs sexuels.
Tandis que La balançoire est indéniablement une belle image, nous souhaitons tous que quelqu'un nous ait appris l'histoire de celle-ci avant de commencer à la diffuser dans des films pour enfants.
9 Le viol des filles de Leucippe
Peter Paul Rubens
Ce prochain a en fait l’habitude d’être doublement interprété. Tout d'abord, la peinture a attiré l'attention du public lorsque l'artiste Thomas Kucerovsky a publié une bande dessinée intitulée «Wrong Century» sur son site web privé. La bande dessinée met en vedette une femme plus grande admirant le travail de Rubens, épris de la nudité sans vergogne et de la beauté complète des deux femmes présentées dans le tableau. Le titre fait évidemment référence au désir profond du téléspectateur d’exister à une époque qui appréciait les grandes femmes comme elle.
Après avoir fait le tour sur des sites comme Twitter et Tumblr, le comic a rapidement été critiqué. Le tableau de Rubens, comme le suggère son titre, n’est certainement pas l’image corporelle positive que Kucerovsky l’a faite paraître. En fait, l’œuvre représente Phoebe et Hilaeira, filles de la figure grecque Leucippe de Messenia, en train d’être violemment enlevées par Castor et Pollux pour devenir plus tard leurs épouses réticentes.
La deuxième idée fausse, cependant, est un peu plus édifiante. Pour des raisons évidentes, il est communément admis que le titre fait référence au viol tel qu'il est connu à présent. Heureusement pour Phoebe et Hilaeira, le mot dans ce contexte est lié à l'origine latine, rapère, ce qui signifiait arracher ou kidnapper. C'est mieux, non?
8 Déjeuner sur l'herbe
Edouard Manet
Si vous avez déjà suivi un cours d'art au lycée, vous avez probablement déjà rencontré cette image. La nudité féminine était de plus en plus courante dans l'art classique, bien qu'elle n'ait jamais été particulièrement acceptée, mais nous avons été dans une certaine mesure insensibilisés par les nus célèbres. Cependant, même à une époque où les artistes osés osaient peindre les femmes dans toute leur splendeur, l'œuvre de Manet se démarquait du lot.
La pièce impressionniste représente un pique-nique avec une femme nue regardant le spectateur pendant que deux hommes de la bourgeoisie discutent à côté d'elle et qu'une femme entièrement vêtue est à l'arrière-plan. L'image était unique en ce sens que, jusqu'à cette époque, les nus peints avaient tendance à représenter des déesses telles que Vénus ou Aphrodite. Le sujet de Manet est une femme ordinaire - une prostituée, en fait - et il a cherché à dépeindre les femmes non pas comme des figures immortelles, mais comme des êtres mortels et tangibles. Le tableau pourrait également faire allusion au problème de la prostitution endémique auquel la France était confrontée à l'époque.
Lorsque la pièce a été présentée au jury du Salon de Paris de 1863, elle a immédiatement suscité des éclats de rire et des critiques. La peinture a été rejetée et Manet lui-même a eu le sentiment que son travail avait été complètement mal interprété et mal compris. Pauvre homme; nous savons ce que ça fait.
7 Olympie
Edouard Manet
Très semblable à Déjeuner sur l'herbe, De Manet Olympie représente également une prostituée nue et, pour cela, elle a immédiatement fait l’objet de critiques et de pure répulsion de la part de la communauté artistique. La femme regarde le spectateur, d'une manière à la fois sexuelle et humanisante.
Les critiques ont critiqué le concept et choisi d'ignorer complètement les thèmes très réels exposés par Manet en peignant des scènes parisiennes réalistes. En fait, ils étaient tellement absorbés par les intentions de Manet qu'ils ont fait très peu de commentaires sur la présence du serviteur à la peau sombre, qui, de nos jours, est censé créer une division entre la lumière et l'obscurité. Manet ne pouvait tout simplement pas faire une pause, mais cela ne l'a jamais empêché d'exprimer son dégoût pour la société moderne.
6 La persistance de la Mémoire
Salvador Dali
La persistance de la Mémoire, connue familièrement sous le nom de «Melting Clocks», est une peinture surréaliste que nous connaissons et aimons tous. Sa popularité est si répandue qu'il a fait des apparitions dans Les Simpsonset récemment, des entreprises ont même commencé à commercialiser des garde-temps sur le thème Dali!
Indépendamment de sa popularité, le travail de Salvador Dali était encore mal interprété par de nombreux critiques d’art lorsque la peinture désormais célèbre fut révélée en 1932. Nombreux étaient ceux qui pensaient que les montres de poche douces ressemblaient à des œufs, qui reflétaient la fluidité et la malléabilité de notre concept de temps et espace. Cette interprétation a conduit à la conviction que Dali possédait une compréhension de la théorie de la relativité de niveau Einstein.
Cependant, lorsqu'on lui a demandé pourquoi il avait choisi de peindre ses célèbres horloges, l'artiste a répondu qu'il était inspiré par l'image du camembert fondant au soleil. Ce n'est pas vraiment ce à quoi nous nous attendions, mais c'est tout de même le style de Dali.
5 Terrasse du café la nuit
Vincent Van Gogh
Celui-ci est plus une théorie, mais il a des arguments assez convaincants. Terrasse du café la nuit est l'une de ces peintures de van Gogh que vous avez probablement déjà vues accrochées dans le bureau d'un médecin ou surplombées par un puzzle de 2,99 $. Cependant, il est supposé que la pièce est en fait une récréation visuelle de Da Vinci Le dernier souper.
Van Gogh, le fils d'un pasteur, était un homme profondément religieux. Il n'est donc pas exagéré de penser qu'il pourrait insérer des images religieuses dans son art. La peinture représente une vue simple de la rue d’un café sur laquelle sont assis 12 personnages, dont un ombreux disparaît. La figure centrale debout est vêtue de blanc tandis que les autres sont vêtues de rouge ou de noir. On pense que la figure blanche représente Jésus et la silhouette ombreuse Judas. La théorie a été soutenue par divers spécialistes et n'a pas encore été réfutée. Cela semble plausible, vous ne pensez pas?
4 Portrait de theo van gogh
Vincent Van Gogh
Il semble tout à fait normal que l'un des artistes les plus incompris de l'histoire obtienne deux places sur cette liste. Portrait de Theo van Gogh, un petit tableau représentant un homme à l'air en détresse, a longtemps été considéré comme un autoportrait de Vincent van Gogh lui-même.
Cependant, lors d’une découverte qui a choqué les historiens de l’art du monde entier, il a été révélé plus de cent vingt ans après sa création que le tableau n’était pas une image de Vincent, mais bien un portrait du frère de l’artiste, Théo, qui ressemblait de façon frappante à Vincent Cela montre simplement que même les historiens professionnels peuvent se tromper, parfois.
3 Nighthawks
Edward Hopper
L'œuvre la plus célèbre de Hopper, Nighthawks représente plusieurs personnages seuls assis dans un diner ou un bar à lait la nuit. Une rue déserte se trouve juste à l'extérieur et une forte impression de solitude se dégage de la pièce. L'absence de sortie visible du bâtiment renforce ce sentiment d'isolement, ce qui rationalise l'esthétique de l'image et crée un sentiment d'emprisonnement et d'impuissance.
Cependant, ce qui n'est certainement pas suggéré par l'absence de porte, c'est un post de Tumblr datant de 2013, qui se lit comme suit:
24 février 1942: Edward Hopper achève son tableau le plus connu, les Nighthawks. Interrogé par un journaliste du Chicago Tribute sur la signification philosophique du dîner, Hopper n’a pas de sortie clairement visible, Hopper a répondu: «S-t. F-k. Je l'ai encore fait. Divinise le. F-k. Pas encore. Je l'ai encore fait. S-t. ”Et claqua son chapeau sur sa jambe.
Bien que partagé et aimé des centaines de milliers de fois depuis sa création, le message reste totalement dépourvu de source et, aussi drôle que cela puisse paraître, n’est tout simplement pas vrai. Nous devons tous avoir confiance dans le fait que Hopper était un professionnel et savait exactement ce qu'il faisait.
2 Nature forgeant un bébé
De Le Roman De La Rose
On en sait peu sur cette peinture, qui provient d'un manuscrit d'un poème du XIIIe siècle de Guillaume de Lorris et Jean de Meun, qui a souvent conduit à une mise en contexte de l'image.
Franchement, nous ne pouvons vraiment pas reprocher à quiconque d’avoir mal interprété celui-ci. La peinture montre clairement une femme frappant un enfant avec un marteau, avec plusieurs bébés gris et morts semblant allongés sur le côté. Cependant, comme le titre l'indique, la femme n'est pas un tueur de bébé. Elle est en fait une représentation de Mère Nature, servant son devoir en créant des enfants avec un marteau et une enclume. Étrange, nous savons.
1 Iris noir
Georgia O'Keeffe
O'Keeffe est probablement l'artiste la plus mal interprétée de cette liste, uniquement à cause de la réaction du public à ses grandes peintures de fleurs. Iris noir, comme toutes les autres fleurs créées par O'Keeffe, était réputée être une représentation des organes génitaux féminins.
Ce n’est pas une hypothèse loufoque, étant donné que l’art associe des femmes à des fleurs et à d’autres images douces, mais O'Keeffe a réfuté avec véhémence toutes les affirmations selon lesquelles ses œuvres étaient censées être sexuelles. Elle a même cherché à dissiper les rumeurs en augmentant le niveau de détail de son travail, mais cela n'a fait qu'ajouter aux flammes. Malheureusement pour l'artiste décédée, O'Keeffe n'abandonnera probablement jamais cette idée fausse entourant ses œuvres poignantes.