10 thèmes sinistres de la mort dans l'art occidental

L'art est souvent thématique - les artistes ont exploré des idées communes dans différents médiums et à partir de perspectives différentes à travers les âges. Au Moyen Âge, à partir du XIVe siècle environ, l’art se tourna vers l’obscurité lorsque la peste connue sous le nom de peste noire s’abattit sur l’Europe comme l’apocalypse elle-même. Cette période a souvent été marquée par le désespoir et le désespoir et, pour la première fois, plusieurs thèmes différents autour de la mort ont été développés ou davantage explorés.

10Plague Art

Il est impossible de minimiser l’effet de la peste noire sur la société médiévale. Culminant en Europe entre 1348 et 1350 avec des foyers supplémentaires en 1361 et dans les années 1430, la peste était un bacille pouvant être contracté par la piqûre d'une puce ou d'un rat infecté ou par l'air, selon la variété. La première vague de la peste noire a tué environ 25 à 50% de la population européenne.

La peste s'est fait sentir dans toute la culture médiévale, où les gens ont trouvé un moyen d'exprimer leur désespoir collectif et leur dépression. Les artistes qui avaient auparavant peint des scènes joyeuses illustrant une dévotion pieuse ou de hautes illustrations des réalisations de l’humanité se sont tournés maintenant vers des scènes de mort et de dévastation. Les thèmes religieux sont également devenus sombres, mettant l'accent sur les tourments de l'enfer et le salaire du péché, tournant de plus en plus le dos aux récompenses du ciel ou au confort du rituel. C’est dans cet environnement macabre que plusieurs thèmes ont commencé à émerger autour de la mort dans l’art européen primitif, parmi lesquels la peste elle-même.

Giovanni Boccaccio a utilisé la peste noire comme toile de fond de son classique Decameron, une histoire d'hommes et de femmes qui fuient la ville vers une petite villa afin d'échapper à la peste. Les histoires délicieuses qu’ils racontent pendant qu’ils se cachent sont un contrepoint frappant de la dévastation qui se produit à l’extérieur. Des scènes de cortège funèbre - déjà un thème commun dans l’art - ont été peintes montrant non pas des rois ou des saints célèbres, mais des victimes anonymes de la peste alors qu’ils étaient menés au tombeau. Alors que de plus en plus de gens commençaient à voir la peste comme une sorte de condamnation divine, l'église a insisté sur l'importance du salut par le rituel religieux et la repentance en tant que moyen approprié de combattre l'épidémie, une attitude reflétée dans des œuvres telles que celle des frères Limbourg. La procession de saint Grégoire (1300) et l’illumination de James le Palmer au XIVe siècle pour la Omne Bonum, qui représente des victimes de la peste recevant les bénédictions d’un prêtre.

Les scènes peintes de manière réaliste de patients traités dans des hôpitaux et à la maison étaient très répandues, en particulier à la Renaissance. Celles-ci étaient souvent accompagnées de représentations précises des blessures et des pustules gonflées des mourants, comme dans celle de Jacopo Robusti. St. Roch à l'hôpital. (Les «saints de la peste» étaient un genre en eux-mêmes.) La scène du «lit de mort», dans laquelle un mourant est entouré de façon cérémonielle par ses proches, date de la période de la Peste Noire dans les années 1400. Il y avait aussi une tendance à dépeindre les figures sculpturales sur les tombes comme de véritables cadavres, portant souvent des signes de la peste ou même complètement squelettiques, au lieu de portraits idéalisés du défunt. La mort devenant une réalité sinistre et le ciel une abstraction lointaine, le réalisme fit un grand retour dans l'art européen.

Ce ne sont là que quelques exemples de l'influence directe de la peste noire sur l'art du moyen âge à travers les Lumières, qui nous inspire encore aujourd'hui. En 1988, la diva d’avant-garde Diamanda Galas a publié le premier disque de son Messe de la peste trilogie, Masque de la mort rouge, un regard inspiré par la peste noire sur l’épidémie de SIDA qui a sûrement été enregistrée en enfer.

Achetez cette copie incroyable de la mort de St. Gregory sur Amazon.com!

9Death Comme un faucheur d'âmes

Toutes les cultures de tous les temps et de tous les lieux ont personnifié la mort sous une forme ou une autre. Pour nous, gens modernes, l'une des personnifications les plus immédiatement reconnaissables est la Faucheuse. De nos jours, on le trouve surtout sur des pochettes d'albums de heavy metal ou des bijoux goth, mais pour le monde médiéval, il était une authentique figure de la terreur.

L’idée de la mort comme une faucheuse tenant une faux qu’il utilise pour récolter des âmes est une invention du 15ème siècle qui s’appuie sur de nombreuses sources antérieures. Parmi les inspirations de la mythologie grecque, citons le titan nommé Kronos (que les Romains auraient pu confondre avec Chronos, le dieu du temps) et le batelier du Styx dans le monde souterrain nommé Charon. Avant que sa forme moderne ne soit complètement développée en Europe, la mort était généralement décrite comme un cadavre tenant un verrou d'arbalète, une fléchette, un arc ou une autre arme. C'est pendant la peste que l'Europe a commencé à dépeindre la mort comme un squelette brandissant une faux et portant une robe noire (ou parfois blanche). Il était généralement présenté comme un guide qui se présentait à l'heure indiquée par le sujet, bien que, dans les récits ultérieurs, il prenne la vie à sa place et que les victimes puissent tricher ou négocier avec lui.

La mort en tant que faucheuse est présente dans toutes les formes d'art en Europe. Il est apparu dans des pièces de théâtre, des chansons, de la poésie, de la littérature romantique et des fous. Il arpente les peintures les plus sombres de Breugel et est souvent la figure de l'art de la danse macabre. En sculpture, la statue d'un évêque du XVIIe siècle dans la cathédrale de Trèves en Allemagne, accompagnée de la grande faucheuse, en est un excellent exemple. Alors que la Bible ne décrivait jamais la mort comme une faucheuse, de nombreux artistes à partir du 15ème siècle utilisèrent le motif dans l'art biblique. Gravure de Gustave Doré Mort sur un cheval pâle (1865) est un exemple particulièrement dramatique.

8La danse de la mort

Pendant les années de peste, une croyance s'est développée selon laquelle les morts pourraient sortir de leurs cimetières et entraîner les passants malchanceux dans une danse macabre de la mort.Ces croyances folkloriques, alimentées par la poésie de l'époque sur l'inévitabilité de la mort et par une pièce de théâtre traditionnelle mise en scène en Allemagne, ont rapidement trouvé leur place dans l'art européen en tant qu'allégorie de la société sur la mortalité, qui a acquis une grande popularité. Le message est clair dans le danse macabre- personne n'échappe à la mort, il est donc sage de préparer votre âme à son heure du jugement.

le danse macabre dépeint la hiérarchie des classes, du pape au roturier, engagées dans la routine quotidienne alors qu’elles étaient forcées dans les bras de la mort. L'un de nos premiers exemples picturaux est issu d'une série de peintures réalisées en 1424-1425 et anciennement exposées au Cimetière des Innocents à Paris. Les originaux ont été détruits en 1669, mais l’imprimeur parisien Guy Marchant a conservé son essence dans une série de gravures sur bois accompagnées des vers qui les accompagnaient.

Le motif a atteint son expression ultime dans les gravures sur bois et les vers de Hans Holbein le Jeune La danse de la mort. Il a été publié pour la première fois en 1538 sous forme de livre avec 41 gravures sur bois, tandis que des ajouts ultérieurs en 1545 et 1562 portaient ce nombre à 51. Le texte complet, ainsi que toutes les gravures sur bois, sont disponibles en ligne ici. Un autre exemple fantastique, celui de la peinture, est celui de Bernt Notke danse macabre. Il a été détruit lors des bombardements de la Seconde Guerre mondiale, un événement considéré comme une grande perte pour l’art.

7Dance des squelettes

Un autre thème lié à la danse de la mort est la danse des squelettes, que nous connaissons principalement grâce à une gravure sur bois de l'humaniste et cartographe allemand Michael Wolgemut, parue dans Liber Chronicum ("Le Monde Chronique"), un livre écrit par Hartmann Schedel et publié en 1493. La danse des squelettes est différente de la danse de la mort en ce qu'elle est strictement basée sur le folklore, sans message social ou moral. Les squelettes sont généralement représentés sortant de tombes ouvertes, gambadant, jouant souvent de la musique et dansant. La gravure sur bois de Wolgemut est un bel exemple du genre, qui a été utilisé pour illustrer et émouvoir plutôt que pour éduquer ou prêcher au spectateur.

La danse du squelette était un thème de courte durée dans l'art primitif, avec peu d'exemples survivants. Plus récemment, il a surgi dans la musique quand Camille Saint-Saens a fondé son 1874 danse macabre sur les thèmes de la danse de la mort et de la danse squelette. Dans le film, Walt Disney et Silly Symphonies ont repris le thème en 1929 dans le court métrage immortel et souvent imité «La danse des squelettes», dans lequel quatre squelettes dansent autour d’un cimetière et terrorisent les habitants.

6Anamorphose et symboles cachés de la mort

L'anamorphose, qui signifie «l'image dans l'image», est une technique parfois utilisée dans le domaine de l'art pour créer des images cachées qui ne peuvent être correctement vues que sous certains angles ou dans les bonnes conditions. Il a été vu pour la première fois en Europe en 1485, lorsque Léonard de Vinci l'a utilisé pour représenter un œil humain. Plusieurs artistes ont incorporé l'anamorphose dans les thèmes de la mort, l'exemple le plus célèbre étant celui de Hans Holbein le Jeune. Les ambassadeurs (1533).

Le tableau est un double portrait de Jean de Dinteville, ambassadeur de France à la cour d'Henry VIII, et de son ami d'enfance, Georges de Selve, évêque de Lavaur, qui a également été ambassadeur à plusieurs reprises. Il a été peint dans les premières années de la Réforme et regorge de symbolisme politique et théologique sur ces thèmes, mais l’élément le plus troublant est une étrange forme ovale allongée au bas de la peinture, qui se résout en un crâne l'oeil à une position près de la main de l'évêque. L'un des objectifs de ce crâne caché était de rappeler aux puissants acteurs impliqués dans les troubles de cette époque d'être humbles et conscients de leur mortalité.

L'anamorphose et d'autres formes d'images cachées ont été utilisées tout au long de l'histoire de l'art depuis Da Vinci. Un exemple plus tard est celui de Charles Allan Gilbert Tout est vanité (1892), dans lequel une dame de l'ère victorienne s'admire dans un miroir qui, avec un changement de vision, se transforme en crâne. Vous pouvez trouver un exemple contemporain d'anamorphose sur le thème de la mort dans l'œuvre de l'artiste hongrois Istvan Orosz, qui crée des illustrations avec une sensation de gravure sur bois médiévale qui cache toujours un crâne.

5Death And The Maiden

Le thème de la mort et de la jeune fille peut être retracé jusqu'à la Grèce antique et l'histoire de Perséphone, kidnappé par Hadès et amené aux enfers après avoir cueilli la fleur de narcisse. L'un de ses thèmes est familier - la mort triomphe de tout, même de la fière beauté des femmes - mais au 15ème siècle, le thème a commencé à acquérir des caractéristiques uniques et est devenu ouvertement sexuel. Les femmes embrassées dans les bras de cadavres ou de squelettes étaient maintenant engagées dans un rapport intime avec la mort.

Entre Niklaus Manuel Deutsch's Danses de la mort et La mort et la jeune fille (1517), nous pouvons réellement voir la transition. Dans le premier cas, la mort danse avec une élégante dame en plaçant fermement ses deux mains osseuses sur ses seins. Dans ce dernier cas, la Mort ne danse plus, il l'embrasse complètement, l'embrassant avec force alors que ses mains vont vers ses organes génitaux. La jeune fille essaie de résister mais impuissante à le faire.

Cette imagerie fortement érotique, parfois utilisée par des artistes pour justifier des peintures de nus à l'église, a été utilisée encore et encore tout au long du 15ème siècle et au-delà. Un tableau d'une série de 1518 à 1520 de Hans Baldburg Grien représente une figure nue en forme de Madone saisie par un cadavre desséché, tandis que le sperme et les fœtus, symboles du renouveau de la vie, tournent autour d'eux. Ce symbolisme serait à nouveau utilisé par Edvard Munch dans son Mort et vie (1894).

L'un des exemples modernes les plus puissants est un dessin de l'artiste allemand d'avant-garde Joseph Beuys.Créé en 1959, il représente la mort et la jeune fille sur une enveloppe portant le cachet d'une organisation de survivants de l'Holocauste. Dans ce dessin, la mort et la jeune fille sont sans substance et desséchées, témoignant de la nature éphémère de la vie et du faible coût de la mort dans ce cataclysme.

Un thème similaire lié à la mort qui a surgi dans l'art de cette période est appelé «les trois âges de l'homme», bien qu'il représente généralement des femmes. Une figure apparaît successivement en tant qu'enfant ou nouveau-né, jeune adulte et enfin femme d'âge moyen, où la mort risque d'entraîner le sujet hors des sentiers battus. Grein's est un bon exemple Les trois âges de l'homme et de la mort (1510).

4Triumph De La Mort (Le triomphe de la mort)

Bien plus troublant que la danse de la mort, le motif du «triomphe de la mort» était un autre thème courant chez les artistes médiévaux. Comme pour la danse, le message sous-jacent était que la mortalité était inévitable, mais contrairement à la «danse», le thème du «triomphe» dépeint la mort comme un instrument du chaos et de la destruction, un dictateur brutal dont les serviteurs balayent tout, détruisant tout sur son passage. C'était surtout associé aux temps de guerre et à la peste. Ce thème remonte au moins aux années 1400, car l'idée était déjà répandue lorsqu'un artiste inconnu a peint une fresque à la cour du palais Sclafaniin, à Palerme, dans le sud de l'Italie. Le triomphe de la mort (1445) montre un squelette tenant un arc, montant un cheval squelettique et tirant des flèches sur ses cibles, des villageois médiévaux de tous les horizons s'acquittant de leurs tâches quotidiennes.

Le chef-d’œuvre incontesté de ce thème est Le triomphe de la mort (1562) de Pieter Bruegel the Older. Dans la peinture, un village médiéval jadis paisible est réduit à l'état de terre apocalyptique par une armée de faucheurs et de cadavres. C'est comme si Bruegel avait effacé toutes ses peintures de scènes médiévales dans une seule toile. Des centaines de représentations et de symboles de la vie quotidienne parcourent littéralement le tableau, chacun représentant un petit jeu de morale dont la thèse est la mort. Même un roi n'a pas de répit. Un cadavre affiche son sablier, il ne reste plus beaucoup de temps et le roi succombe alors qu'un autre cadavre blindé se sert de sa fortune. Tout est perdu. Tout est futile. La mort triomphe toujours à la fin.

Le triomphe de la mort est largement considéré comme l'un des tableaux les plus importants de son époque. UNE le journal Wall Street L'article notait que «la brutalité de ces images a donné à la photo de Bruegel une pertinence lamentable et continue. Il semble anticiper sur les descriptions de la guerre de Trente Ans au 17ème siècle… Ce qui est le plus troublant du point de vue du 21ème siècle est ce qui apparaît à droite de la photo comme étant des conteneurs rectangulaires dans lesquels des humains sont contraints d'entrer et sont envoyés à la mort. La similitude de ces dispositifs avec la technologie d'extermination de masse nazie a frappé de nombreux téléspectateurs. »Tant qu'il y aura la guerre, la famine, la peste et la mort elle-même, le chef-d'œuvre de Bruegel continuera d'être un tableau qui nous dérangera même lorsqu'il résonnera.

3Les morts reconnaissants

Le motif des «morts reconnaissants» est rare dans l'art pictural, plus communément associé au folklore et à la littérature. Les légendes sur les morts reconnaissants tournent autour de deux thèmes de base. Dans le premier cas, une personne rend un service ou rend service à une personne décédée, par exemple en s’occupant de dettes impayées ou en payant pour un service funéraire, et est récompensée d’une manière ou d’une autre par son esprit. Dans le second cas, une personne ayant un besoin urgent d'aide entre dans un cimetière et demande de l'aide. Les morts se lèvent alors de leurs tombes pour aider les vivants.

Le premier remonte à l'Ancien Testament avec le Livre de Tobit apocryphe. Il a ensuite été repris dans la littérature, notamment dans les romans médiévaux. Ce dernier peut être vu dans une fresque appelée La légende des morts reconnaissants, peint en Suisse par un artiste inconnu au début du XVIe siècle et restauré en 1740. Il représente un homme poursuivi par une bande de voleurs dans un cimetière non consacré, où il se met à genoux pour prier. Avant que les voleurs meurtriers puissent l'atteindre, les tombes autour de lui éclatent avec les cadavres des morts qui se précipitent pour défendre l'homme avec des bâtons et des faux, reconnaissant des prières qui leur permettront de reposer en paix.

Le message des histoires mortes reconnaissantes est très différent de la plupart des thèmes de l'art européen liés à la mort, peut-être parce que les souvenirs de la peste se retiraient et que plus de gens se permettaient d'être positifs quant à l'avenir. Ils ont rappelé aux vivants de penser à leurs proches, de les garder dans leurs prières et de se souvenir de ceux qui étaient partis.

La mort est également un motif courant dans la culture pop. Achetez cette incroyable affiche de Death of Superman sur Amazon.com!

2Skulls In Art

Peut-être aucune autre icône n’a eu sur le symbolisme et l’art un impact aussi universel que le crâne humain. Ses caractéristiques symétriques attirent l'œil, même si son association évidente avec la mort fascine et repousse en même temps. Pratiquement toutes les cultures en ont fait usage, le plus souvent comme symbole de la mortalité mais parfois comme affirmation de la vie, comme l'utilisation par le Mexique de crânes et de squelettes pendant Dia de los Muertos (“Jour des Morts”).

Le crâne est souvent intégré à des peintures de natures mortes avec d’autres objets connexes. Parfois, il était utilisé quelque part dans une peinture comme indication de la mort ou peint sur le dos de portraits pour servir le même but. Un crâne peut également être utilisé pour remplacer le sujet réel dans un portrait si cette personne était morte. dans le Triptyque de la famille Braque (1452) du peintre hollandais Rogier van der Weyden, un crâne est décrit non seulement comme une mémento mori mais une représentation du patron, dont les réalisations sont symbolisées par la brique et le blason de la famille également montré.Le crâne était une caractéristique commune des bijoux même au Moyen Âge, car les hommes et les femmes de la classe supérieure portaient des médaillons portant des visages gravés sur un côté et des crânes sur l'autre rappelant la mort et l'obligation de mener une vie morale.

En raison de leur attrait esthétique, les crânes ont souvent été utilisés à des fins non symboliques et purement décoratives. Cézanne Les trois crânes (1900), l'une de ses peintures sur le sujet, associe des éléments de l'impressionnisme et de l'expressionnisme, créant ainsi des interactions complexes de lumière et de forme ayant un sens technique et émotionnel, mais sans mettre l'accent sur le sens symbolique qui caractérisait les anciennes représentations occidentales de crânes. Au 18e et au début du 19e siècle, le crâne était devenu un symbole des pirates, puis des râteaux, des puits et des hors-la-loi. Cette utilisation se poursuit encore aujourd'hui, comme en témoignent la mode et les bijoux de motards, de punk rockers et d'autres sous-cultures anti-autoritaires.

1anatomie comme art

En 1697, l'anatomiste néerlandais Frederik Ruysch impressionna tellement Pierre le Grand que le tsar de Russie acheta toute la collection de ses œuvres au musée d'anatomie de Ruysch. Les présentations anatomiques de cadavres et de squelettes d'animaux et d'hommes conservés n'étaient pas nouvelles et le genre de légendes de vengeance souvent placées sur des plaques pour décrire les scènes, mais ce qui rendait le travail de Ruysch unique, c'était qu'il faisait de son mieux pour représenter la scène. beauté d'anatomie et de mort.

La Renaissance battant son plein et le souvenir de la peste en train de disparaître, l’épanouissement de la science moderne a entraîné de nouvelles attitudes à l’égard de la mort et de la mort. La mort pourrait être à nouveau perçue comme un cycle, une contrepartie de la vie tout aussi importante et poignante. Ruysch a cherché à capturer ces idéaux dans son travail, qui combinait des techniques d'embaumement avec des concepts sculpturaux et picturaux pour créer des œuvres incorporant des enfants momifiés, des fœtus et des squelettes préservés, des natures mortes et des embellissements artistiques créés avec d'autres détails anatomiques, y compris des arbres et des arbustes formés. des artères humaines et des roches formées à partir de calculs rénaux.

Ruysch a poursuivi son travail au cours du 17ème siècle. Malheureusement, aucun de ses dioramas ne survit aujourd'hui, même si quelques bébés décorés conservés dans des bocaux existent toujours. Nous les connaissons grâce au travail de graveurs, notamment Cornelius Huyberts, qui les a publiés dans la Thésaurus Anatomicus.