Top 10 des rockers qui sont meilleurs qu'Elvis

D'entrée de jeu, permettez-moi de dire que cette liste n'est pas destinée à être légère à Elvis Presley. Je m'amusais juste un peu avec le titre pour générer un peu d’intérêt et d’émotion, mais je suis un fan d’Elvis et son impact, sa popularité et son succès dans les charts ne peuvent être niés. Mais voyons les choses en face: quand entendez-vous pour la dernière fois une chanson d'Elvis? La réponse est «jamais», car Elvis n'a pas pu écrire une chanson pour lui sauver la vie. En fait, il a enregistré des succès avec des chansons écrites par certains des artistes figurant sur cette liste. Cela ne veut pas dire que composer vos propres chansons est la seule mesure du talent, de l’influence et du respect. Ses défenseurs diront qu'il était un grand arrangeur, s'appropriant les chansons des autres, sans oublier qu'il était un interprète extrêmement charismatique qui a même influencé certains de cette liste, ce avec quoi je suis d'accord. Mais pour cette liste de rock and roll des pionniersJe voulais aller au-delà de la récapitulation obligatoire de la superstarom d'Elvis et présenter dix autres artistes rockabilly et rock légendaires des années 1950 qui ont eu un impact majeur sur l'histoire du rock and roll.

Cette ère de la musique américaine a eu une influence considérable sur la scène pop en plein essor du Royaume-Uni (Cliff Richard & the Shadows, et Vince Taylor & the Playboys étaient des imitateurs précoces) qui allait bientôt exploser aux États-Unis et dans le monde, avec le Invasion britannique du début au milieu des années 1960. Beaucoup de ces artistes, des Beatles jusqu'à maintenant, ont idolâtré ces gars, imité leurs styles et repris leurs chansons. J'espère que vous apprécierez et serez d'accord avec mes sélections et, comme toujours, merci de faire part de vos remerciements dans les commentaires à tous ceux que j'ai peut-être manqués!

10

Link Wray

http://www.youtube.com/watch?v=1NAq4HyoNe4

Reconnu comme le «parrain de la puissance», Fred Lincoln Wray Jr. a introduit à lui seul le fuzz et la distorsion dans les masses, ouvrant la voie à une attaque de métal lourde et chargée de riffs à venir. Son instrument de 1958, Rumble, est sans doute l’une des chansons les plus badass de tous les temps. À sa sortie, il a été interdit sur certains marchés de la radio en raison de ses «images violentes», ce qui est tout un exploit compte tenu du fait qu'il n'y a pas de paroles! Malgré le manque de temps d'antenne, il a grimpé au numéro 16 dans les charts pop, mais, plus important encore, il a eu une grande influence sur les futurs dieux et stars de la guitare tels qu'Eric Clapton, Jimmy Page, Bob Dylan, Ray Davies, Jimi Hendrix, Jeff Beck et Neil Young, sans oublier Lennon et McCartney. Pete Townsend a directement crédité cette chanson comme étant la raison pour laquelle il a pris la guitare. L'importance de Wray transcende le succès modeste qu'il a eu après Rumble, mais il a eu quelques succès consécutifs tels que Raw-Hide, Comanche et Jack the Ripper, parmi d'autres airs moins connus mais tout aussi bruyants. Dans ce que je ressens comme une omission flagrante, il n’est pas encore membre du Temple de la renommée du rock and roll, mais il est légitimement consacré au Rockabilly Hall. Je ne trouvais pas un bon clip vintage de lui interprétant Rumble en direct, et bien que des images plus récentes de lui existent, j'ai choisi de présenter l'enregistrement original en studio ici afin de mieux apprécier la chanson dans son contexte d'époque.

Bonus: Le documentaire de 2008, It Might Get Loud, présente un grand segment franc avec Jimmy Page dans sa salle de musique personnelle, faisant tourner un disque vinyle de Rumble sur sa platine, jouant de la "guitare aérienne", et rayonnant comme un jeune homme jaillissant de son idole.

9

Duane Eddy

Alors que Link Wray semblait plaire davantage aux fans délinquants, Duane Eddie était là pour les jeunes hommes de race blanche de la banlieue, plus racés et plus nets que jamais. Le style de guitare unique d'Eddy consistant à pincer et à plier les cordes graves vers le haut pour former des mélodies à une note, rehaussées par des effets de trémolo et d'écho, lui a valu le surnom de "King of Twang". œuvres de nombreux artistes ultérieurs, tels que George Harrison, John Fogerty et Bruce Springsteen, pour ne citer que quelques-uns. Apache, le hit britannique instrumental de 1960 des Shadows semble être un descendant direct du twang d’Eddy. Son son distinctif a été accentué par l'accompagnement fréquent de travaux acharnés au saxophone par le regretté grand homme de session Steve Douglas et, plus tard, par Jim Horn. Son premier album, Have 'Twangy' Guitar - Will Travel (1958) a gravi les palmarès pendant plus d'un an, faisant de lui l'une des premières stars du rock à avoir connu le succès sur le marché du disque vinyle. Cet album comportait cinq tubes, dont sa chanson la plus connue, Rebel Rouser, et était également l'un des premiers disques rock à être sorti en stéréo. Au total, Eddy a figuré dans le top 40 des 40 singles et a vendu plus de 100 millions de disques, faisant de lui l’instrumentiste rock le plus titré de tous les temps.

Bonus: En 1960, Duane Eddy fut le premier musicien rock à faire fabriquer sa propre guitare modèle avec son endossement: la Guild Duane Eddy DE-400 et la série limitée DE-500. Pendant ses heures de gloire, Eddy jouait réellement un corps creux modèle 5720 de Gretsch Chet Atkins de 1957. En 1997, Gretsch produisit une version «DE» du 6120.

8

Jerry Lee Lewis

http://www.youtube.com/watch?v=8yRdDnrB5kM

Dites ce que vous voudrez des choix de style de vie de Jerry Lee Lewis, mais veuillez noter que mon admiration pour ces gars-là est axée sur leurs contributions durables à l'histoire du rock, et pas nécessairement leur vie personnelle. Je ne pense certainement pas que ce soit «cool» que Lewis ait épousé Myra, sa cousine âgée de 13 ans, quand il avait 23 ans, pas plus que la plupart des fans de la journée, car cela a suscité beaucoup de controverse et a pratiquement arrêté sa carrière. . Cela dit, à son apogée, il était véritablement «The Killer», son jeu de piano frénétique et dynamique et son style vocal tapageur illuminaient la scène.Son éducation religieuse stricte a été une source de conflit pour lui - sa mère l'a inscrit à une école biblique mais il a été mis à la porte pour avoir hué un hymne - et il a toujours considéré que son appel du rock and roll était la musique du diable. Il a grandi en écoutant de la musique gospel et a commencé à jouer du piano à 8 ans.

Jimmy Rodgers, Hank Williams et Moon Mullican ont également été les premières influences. Lewis possédait une connaissance quasi encyclopédique du honky tonk, du western swing et du hillbilly blues, et il fondit ces styles dans son propre son distinctif. Signé par Sam Phillips auprès de Sun Records, son premier single était une reprise du groupe Crazy Arms de Ray Price, vedette du pays, en 1956, mais il percut en 1957 avec Whole Lotta Shakin 'Going On, qui se classa 3e au palmarès rock, et Great Balls of Fire frappe le numéro 2 (les deux sont allés au numéro 1 sur les cartes de pays). Sa carrière était fulgurante, mais lors d'une tournée en Angleterre, la presse britannique découvrit son mariage avec Myra et le mangea vivant. La tournée a été annulée et à son retour aux États-Unis, il a découvert que ses chansons étaient interdites de diffusion et il a eu la chance d’atteindre des concerts payants dans de petits clubs et plongées. Il lui fallut plus de dix ans pour se remettre sur pied et finalement faire quelques succès nationaux pour Smash Records et faire une tournée dans les années 2000. Mais l'héritage rock and roll du tueur perdurera et il est à juste titre membre des Rock and Roll Halls of Fame.

7

Petit richard

Richard Wayne Penniman, alias Little Richard, a dit un jour que «le boogie-woogie et le rhythm & blues mixaient, c'est du rock and roll». Je dirais que c'est une description assez précise, et Little Richard, boogied comme un fou. Grandir dans la pauvreté dans le grand sud, Penniman était l'un des douze enfants d'une famille musicale et religieuse soudée qui se produisait souvent dans les églises locales. Les artistes évangéliques des années 30 et 40, ainsi que ses débuts dans le blues du saut, l'ont fortement influencé, de même que le méconnu Eskew Reader Jr. (aka Equerita), dont le style pourrait être dit par Penniman. Peu importe; sa personnalité outrageusement flamboyante, ses voix explosives et son piano impitoyable ont définitivement mis les bouchées doubles. Il a créé une série de succès désormais classiques qui ont inondé les charts en 1956-1957, notamment Long Tall Sally, Rip It Up et Lucille, qui ont tous figuré au premier rang des charts R & B.

De nombreux autres hits se sont classés dans le top dix, notamment sa chanson la plus connue, Tutti Frutti. Il a également interprété la chanson titre du film rock & roll classique culte de 1956, The Girl Can't Help It. James Brown et Otis Redding font partie des personnes qui ont déclaré être directement influencés par Little Richard, tout comme des personnalités du rock telles que Bob Dylan, Mick Jagger, John et Tom Fogerty et The Beatles, qui ont déjà interprété plusieurs de ses morceaux. Paul McCartney a déclaré que, jeune fan, il avait toujours voulu chanter comme Little Richard.

À la fin de 1957, au plus fort de sa popularité, Little Richard quitta brusquement le rock and roll pour enregistrer de la musique gospel et s'inscrivit dans un collège biblique pour devenir ministre évangéliste. Il est revenu au rock and roll tout au long des années, jouissant d'une popularité soutenue, mais il n'a jamais égalé son succès précédent. Néanmoins, Little Richard est une figure clé du début du rock and roll et fait partie du premier groupe d'artistes interprétés au Temple de la renommée du rock and roll.

6

Buddy Holly

http://www.youtube.com/watch?v=mt02zuoxGj4

Presque tout le monde connaît l'histoire de l'accident d'avion tragique survenu le 3 février 1959, qui a coûté la vie à Buddy Holly, son compagnon bien-aimé, accompagné de ses collègues musiciens Ritchie Valens, JP Richardson (alias The Big Bopper) et le pilote Roger Peterson. voyageaient entre les concerts d'une tournée de concerts d'hiver. Cependant, au cours d’une carrière de près de 18 mois, Buddy Holly a laissé un héritage durable de classiques du rock et a eu une influence majeure sur pratiquement tous les débutants du rock and roller. Né et élevé à Lubbock, au Texas, dans une famille de musiciens, Charles Hardin Holley (devenu plus tard Holly) a très tôt pris la guitare, le violon et le piano et a chanté dans les chorales de l'église et de l'école.

Adolescent, il a formé le groupe Buddy & Bob Western et Bop avec des amis du lycée, se produisant localement et a été présenté régulièrement à une émission de radio locale. La station a également promu des émissions country et rockabilly dans la région, faisant souvent appel aux groupes Western et Bop en première partie. L'un de ces spectacles mettait en vedette un jeune Elvis Presley, ce qui a poussé Holly à s'éloigner du son country et à basculer dans le rock and roll. Signé chez Brunswick Records, filiale de Decca, avec son nouveau groupe, les Crickets, son single 1957 That'll Be the Day est numéro un. Plus de hits suivis, y compris de nombreuses sorties à titre posthume. Il était un innovateur en studio, utilisant des techniques de double suivi et jouant avec l'orchestration. Holly (comme Elvis) a contribué à combler le fossé entre le public noir et blanc américain. Il était l’un des premiers (peut-être la d’abord, les interprètes blancs du théâtre historique Apollo de Harlem, et ont fini par séduire la foule. Lennon et McCartney ont cité Holly comme une influence majeure, et les gars de Liverpool auraient eu l’idée de donner leur nom aux Beatles en tant que dérivé des Crickets. Une reprise de Holly's Not Fade Away était le premier single américain des Rolling Stones, et de nombreux autres groupes l’interprètent régulièrement.

Bonus: Le hit de 1971 de Charlie McLean, America Pie, comporte un crochet lyrique «Le jour où la musique est morte», qui évoque la tragédie qui a coûté la vie à Holly, Valens et Richardson ce jour-là.Il est notoirement réticent à discuter de la signification des paroles intéressantes de cette chanson, mais a reconnu que la mort de Holly était un événement dans sa propre vie qui l'avait profondément touché.

5

Gene Vincent

Né Vincent Eugene Craddock, l'héritage de Gene Vincent sera toujours défini par une chanson monumentale, Be-Bop-A-Lula de 1956, considérée comme l'une des chansons les plus emblématiques de l'histoire du rockabilly. Mais, sans le grave accident de moto de Vincent en 1955, juste avant d'entamer un relais militaire de six ans, nous aurions été privés de ce morceau classique. C’est lors d’une convalescence dans un hôpital de la US Navy que Vincent, guitariste depuis l’adolescence, a rencontré son collègue Donald Graves, qui a co-écrit la chanson avec lui. Vincent a fini par acheter les droits de la chanson à Graves pour moins de 50 $. Sa carrière militaire étant terminée à la suite de la blessure (sa jambe a été sévèrement endommagée, à peine sauvée de l'amputation, et lui a laissé une boiterie et une douleur chronique), Vincent s'est lancé dans la musique, jouant de la musique country pour une station de radio locale à sa ville natale de Norfolk en Virginie. L'animateur de la station, Tex Davis, est devenu son manager et a mis en place un groupe de remplacement, appelé l'unité Gene Vincent and His Blue Caps. Une démo a été envoyée à Capitol Records, ce qui a conduit à sa signature et à une session d’enregistrement de quatre chansons, qui a produit le single Woman Love avec Be-Bop-A-Lula sur la face B. Après que les groupes de radio aient jugé le Woman Love «trop suggestif», ils ont commencé à jouer du côté opposé, qui a occupé le palmarès pop pendant 20 semaines, atteignant même la 7e place. Vincent et ses chapeaux bleus ont également eu une performance saisissante de cette chanson dans le film mentionné précédemment The Girl Can't Help It.

En passant, on ne peut parler des Blue Caps sans mentionner le brillant Cliff Gallup à la guitare. Son passage avec le groupe était court; Il a joué environ 35 chansons dans le catalogue des débuts des Blue Caps, mais c’était suffisant pour en faire l’un des meilleurs guitaristes du rock and roll ancien. Jeff Beck, en particulier, cite l'influence majeure de Gallup. En 1993, il sort un album de reprises de Vincent en hommage à Gallup. Malheureusement, je n'ai pas trouvé de clips Blue Caps live mettant en vedette Gallup. Ce bel album de Be-Bop-A-Lula, datant de 1958, devra donc être rempli. Nous voyons ici son remplaçant, Johnny Meeks à la guitare, pas trop minable, lui-même membre du Rockabilly HoF, mais ce n’est pas un Gallup. Écoutez la version studio de cette chanson à titre de comparaison, mais si vous êtes un fan de guitare ou un passionné de guitare, je vous exhorte à vous rendre service et à regarder également certains des premiers enregistrements des Blue Caps. Race With the Devil, qui a giflé John et Bluejean Bop sont bons, mais je recommande le Cruisin 'de 1956 si vous voulez entendre un exemple fabuleux des courses rapides de Gallup. Cela tient encore aujourd'hui, mais pour la période, il est tout simplement incroyable.

Vincent est entré au Temple de la renommée du rock en 1998. Il s'agissait de l'entrée inaugurale du Rockabilly Hall (certificat numéro 0001), présentée en 1997. Malheureusement, les dernières années de Vincent ont été en proie à la douleur chronique et à l'alcoolisme. Il mourut d'un ulcère à l'estomac en 1971 l'âge de 36 ans.

Bonus: «Rocky» de George Harrison, la célèbre stratocaster psychédélique de Magical Mystery Tour peinte à la main, inclut le mot «Bebopalula» dans l’œuvre, en hommage à Vincent. Vous pouvez voir une image de George jouant ici.

4

Eddie Cochran

Influencé par les grands guitaristes tels que Joe Maphis et Chet Atkins, la carrière d'enregistrement d'Eddie Cochran débute dans la musique country, en faisant équipe avec le chanteur Hank Cochran (aucun lien de parenté) dans le rôle de The Cochran Brothers. Après avoir vu Elvis se produire lors d'un concert en 1956, Eddie passa à un style plus rock et The Cochran Brothers se sépara rapidement, ses préférences rockabilly devenant sa véritable vocation. Sa percée a eu lieu en 1956, lorsqu'il interprétait la chanson 20 Girl Rock dans The Film Can't Help It, ironiquement dans une scène de conduite de l'intrigue se moquant de la façon dont un "gars avec une voix non formée peut devenir l'une des stars du disque à la campagne".

Cochran a écrit plusieurs hits, son plus grand étant Summertime Blues, qui sera plus tard couvert de manière mémorable par Blue Cheer et le Who. Son utilisation des techniques de superposition en studio sur des chansons comme Summertime Blues, ainsi que C'Mon Everybody, était novatrice à l'époque. Malheureusement, sa carrière a été interrompue lorsqu'en 1960, à l'âge de 21 ans, il a été tué dans un accident de la circulation alors qu'il était en tournée au Royaume-Uni avec son ami Gene Vincent. Dans la voiture avec Cochran se trouvaient également Sharon Sheeley, petite amie d'Eddie, indemne, et Vincent, qui s'était fracturé la jambe (la même que celle qui avait déjà été endommagée lors de son premier accident de moto) et d'autres blessures. Comme Buddy Holly, la mort prématurée d'Eddie Cochran à un si jeune âge lui a valu un statut iconique immortel. Il est inscrit dans les Rock and Roll Hall et les Rockabilly Halls of Fame.

Bonus: Le 20 Flight Rock de Cochran était la chanson préférée du jeune Paul McCartney. À sa rencontre avec John Lennon en 1957, il impressionna tellement John en lui apprenant les accords et connaissant tous les mots par cœur. John lui demanda de rejoindre son groupe de skiffle, The Carrières.

3

Bo Diddley

http://www.youtube.com/watch?v=sgBbmuD_LQw

Ellas Otha Bates est né à McComb, dans le Mississippi, en 1928. Adolescent, il a été adopté et élevé par le cousin de sa mère, ce qui a entraîné un changement de nom pour Ellas McDaniel. Les histoires varient quant à la façon dont il a acquis le surnom de Bo Diddley, et Bo lui-même ne semble pas s'en souvenir. Classiquement formé au violon, Bo a changé de cap après avoir assisté à une représentation du bluesman John Lee Hooker.Aussi connu sous le nom de “The Originator”, en raison de son rôle dans l'évolution du blues en rock and roll, le style caractéristique de Bo s'appuyait sur un rythme puissant, comme “jouer à la guitare sur une guitare”, a-t-il déclaré. Il utilisa beaucoup la réverbération, le trémolo et la distorsion, ce qui était novateur à l'époque. Bo conçut ses propres guitares et, à partir de 1959 environ, on le voyait rarement, voire jamais, sans sa marque de fabrique «Gretsch» corsée sur mesure, qu'il nommait affectueusement «Big B». Il a ensuite confié à un constructeur de guitares australien le remplacement d'une unité carrée, baptisée «The Mean Machine». Bo est également reconnu comme l'un des premiers artistes rock masculins à inclure des musiciennes dans son groupe, notamment The Duchess (Norma-Jean Wofford), et plus tard Lady Bo (Peggy Jones).

Son premier single date de 1955, avec la sortie en double de sa chanson éponyme Bo Diddley sur le côté A, renversée avec I'm a Man, tous deux au premier rang des charts R & B, bien que la plupart des gens connaissent probablement mieux les Yardbirds. couverture exceptionnelle de Je suis un homme publié dix ans plus tard. Beaucoup d'autres chansons ont suivi, et s'il n'y avait plus de grands succès, les classiques tels que Roadrunner et Who Do You Love sont devenus des standards du rock and roll. L'influence de Bo s'étend à de nombreux groupes et musiciens renommés, notamment les Stones, les Who, les Animals, les Clapton, les Hendrix, les Billy Gibbons, les George Thorogood et même les AC / DC. Bo Diddley est membre des Rock and Roll Hall et du Rockabilly Halls of Fame. Il est décédé paisiblement chez lui le 2 juin 2008 à l'âge de 79 ans.

Bonus: Lorsque Bo et son groupe sont apparus à The Ed Sullivan Show en 1955, Sullivan leur a demandé de jouer la chanson du Tennessee Ernie Ford, Sixteen Tons, mais ils ont plutôt joué à Bo Diddley. Sullivan en colère, qui, selon Bo, l'a appelé «le premier garçon de couleur à l'avoir jamais doublé» et a déclaré qu'il «ne durerait pas six mois». Le sourire narquois de Bo vers un Sullivan hors caméra juste avant qu'il ne commence à jouer n'a pas de prix.

2

Carl Perkins

http://www.youtube.com/watch?v=79CJON8fv6c

Carl Lee Perkins a grandi dans une plantation de coton près de la petite ville de Tiptonville, dans le Tennessee, et a été exposé à la musique du gospel du sud, apprenant à jouer de la guitare avec une main de terrain âgée. Lorsqu'il était adolescent dans les années 40, il avait formé un groupe avec ses deux frères. Le Perkins Brothers Band est rapidement devenu l’un des numéros les plus populaires du circuit de bars honky-tonk local. Un grand fan de Bill Monroe, après avoir entendu Elvis à la radio couvrir l'une de ses chansons, il a été inspiré par un voyage à Sun Records, à Memphis, pour auditionner pour Sam Phillips. Là, il a composé une chanson, une chanson country écrite à l’âge de 14 ans, intitulée Movie Magg, qui a eu un impact minimal. À peu près à la même époque, Elvis quitta Sun pour RCA et Phillips encouragea Perkins à adopter un style plus rock, ce qui lui permit d’enregistrer sa chanson désormais classique, Blue Suede Shoes. C'était en 1956 et cette chanson a mis Perkins sur la carte, en devenant numéro un sur la carte des pays et numéro 2 sur les charts pop et R & B, et est devenu le premier record de vente de Sun. Perkins et son groupe étaient prêts à capitaliser sur cette attention nationale, avec des concerts alignés sur les émissions de télévision Ed Sullivan et Perry Como, mais sur le chemin de New York pour les apparitions, ils ont été impliqués dans un grave accident de la circulation lorsque le conducteur du la voiture dans laquelle ils se trouvaient tous s'endormit au volant. Le chauffeur a été tué et Perkins a eu un crâne fissuré et un bras cassé. Le frère de son frère Jay était brisé et, même s'il n'était pas paralysé, il ne s'était jamais complètement rétabli.

Dans le clip de 1957 que j'ai choisi ici, vous pouvez voir Jay de retour sur scène en train de jouer une deuxième guitare, mais toujours dans une minerve, et il mourrait des suites de sa blessure un an plus tard. Si ce malheur n’était pas assez grave pour les frères Perkins, quelques mois seulement après l’accident, alors qu’ils étaient toujours hospitalisés, ils ont vu Elvis enregistrer sa propre version de Blue Suede Shoes et l’interpréter lors de l’émission télévisée de Dorsey Brothers. La chanson est devenue le troisième et le plus gros succès d'Elvis à ce jour, se classant au numéro 20, et l'élan de Perkins a été stoppé à froid. Cependant, il reprend l'écriture et l'enregistrement chez Sun, publiant plusieurs autres chansons désormais classiques, rockabilly, et en tournée dans les années soixante, puis plus tard en tant que membre du groupe de Johnny Cash, écrivant même un hit pour lui. Bien que Perkins n’ait plus jamais obtenu le même succès sur les charts que sur ce premier million de vendeurs, sa place dans l’histoire de la musique est solide.

Bonus: Les quatre Beatles étaient de grands fans de Perkins et ils ont enregistré plus de reprises de ses chansons que tout autre artiste. George, en particulier, cite le style de Perkins comme une influence majeure, et Paul a déjà déclaré: «S'il n'y avait pas de Carl Perkins, il n'y aurait pas de Beatles». Perkins 'Honey Don't deviendra plus tard un véhicule vocal Ringo souvent joué pour eux, et les garçons avaient même demandé la présence de Carl lors de leur session d'enregistrement de 1964 pour cette chanson, ce qui leur permit de nouer une longue amitié.

1

Chuck Berry

http://www.youtube.com/watch?v=gsp4VCbVvn4

À mon avis, Chuck Berry est le musicien rock le plus influent de tous les temps. C'était le propre héros de Berry, Muddy Waters, qui l'avait convaincu d'approcher Leonard Chess of Chess Records pour une audition, ce qui avait conduit à son enregistrement de Maybellene, en 1955. Cette chanson était le numéro 1 des charts Billboard R & B, vendu à plus d'un million d'exemplaires. et il était en route.Sa discographie complète inclut des classiques tels que Roll Over Beethoven, Rocky Roll Music, Carol, Sweet Little Sixteen, Little Queenie et, bien sûr, le standard de toutes les autres chansons rock: Johnny B. Goode. Au fil des ans, de nombreux artistes remarquables ont couvert le travail de Berry que je ne vais même pas essayer de les énumérer tous. Ted Nugent a un jour plaisanté: "Si vous ne connaissez pas tous les coups de langue de Chuck Berry, vous ne pouvez pas jouer de la guitare rock". Regardez ce clip de Roll Over Beethoven et vous verrez où des artistes comme Pete Townsend et Angus Young ont obtenu quelques-uns de leurs mouvements sur scène, car la mise en scène et les postures solo de Berry étaient le prototype des futures générations de rockers. Comme beaucoup d’autres sur cette liste, il a été suivi à l’étranger, contribuant à la formulation de nombreux actes d’invasion britanniques qui allaient bientôt avoir lieu.

Les Rolling Stones étaient de grands fans et, en particulier, Keith Richards cite Berry comme une influence primordiale. Les Stones couvrent une chanson de Berry sur chacun de leurs premiers albums, et leur tout premier single est une interprétation de Come On de Berry. Les Beatles l'ont également beaucoup couvert, et les Yardbirds and Animals ont également eu du succès avec des airs écrits dans Berry. Malheureusement, la carrière de Berry a ensuite connu des moments difficiles sur des affaires personnelles plutôt sordides, mais comme je l'ai mentionné dans une entrée précédente, je me suis concentré sur leur musique et leurs contributions à l'histoire du rock and roll. Et donc, à cet égard, j’estime que Chuck Berry est en tête de la liste de loin.

Bonus: Surfin USA, le hit de Beach Boys 1963, est une arnaque flagrante du film Sweet Little Sixteen de Berry, avec une mélodie presque identique et un thème lyrique «ville par ville» (sans oublier de lever le riff d'ouverture de Movin 'n Groovin' de Duane Eddy ). Lors de la publication initiale par les Beach Boys, Brian Wilson figurait sur la liste des compositeurs uniques. Toutefois, après avoir été menacé d'un procès, Berry obtint l'unique crédit d'écriture et les royalties de Surfin USA.

Prime

Graisses Domino

http://www.youtube.com/watch?v=uORo2CMUUsk

Une fois de plus, je me suis retrouvé dans une situation difficile où je voulais vraiment inclure un artiste particulier, mais je ne pouvais pas décider qui sortir du top 10 pour faire de la place. Ainsi, au lieu de me lasser à jamais, j'inclus ici le bonus Antoine «Fats» Domino de la Nouvelle-Orléans. De toute évidence pas aussi sauvage ou flamboyant que les autres pianistes boogying sur cette liste, c'est peut-être sa nature terre-à-terre et sa personnalité sans prétention qui en ont fait une figure si durable pour les fans de musique. Son premier single, The Fat Man de 1949, est considéré par beaucoup comme le premier disque «rock and roll» jamais enregistré. Il a réalisé plus de 65 millions d'albums et pas moins de trente-sept singles Top 40 (onze). dans le top 10, et neuf R & B (numéro 1), il a eu plus de tubes que la légende du rock des années 50 sauf Elvis. Il était une figure importante dans la transition du rhythm and blues au rock and roll, comme en témoigne son premier hit crossover dans le top 10 du pop en 1956, Ain't That a Shame. Parmi ses autres succès notables figurent Blue Monday, Walkin ', I'm in Love Again et, bien sûr, son interprétation inoubliable de Blueberry Hill. Outre ses propres disques, Domino peut également être entendu en train de se réunir pour des notables tels que Big Joe Turner et Lloyd Price.

Il a inspiré et influencé de nombreux futurs pianistes de rock, notamment Paul McCartney, Billy Joel et Elton John. Parmi la première promotion des intronisés au Rock and Roll Hall of Fame, Billy Joel a parlé au nom de Domino et a remercié Domino pour «avoir prouvé que le piano était un instrument rock and roll». Même si on pensait au départ qu’il avait péri dans les inondations de l’ouragan Katrina en 2005, Domino est toujours en vie et vit bien dans sa maison bien-aimée de la Nouvelle-Orléans, reconstruite en partie avec le produit de la vente d’un album de charité Goin 'Home: un hommage aux matières grasses Domino, qui a présenté des reprises de nombreux interprètes notables.

Bonus: Selon le livre de Bob Spitz de 2005, The Beatles: The Biography, la première chanson que John Lennon ait appris à jouer de la guitare était Fats 'Ain't That a Shame, enseignée à lui et à une amie par la mère de John au cours des étapes deviendraient les Carrières. Des années plus tard, Lady Madonna des Beatles était un hommage au style de Domino, que Domino lui-même couvrait en 1968, qui était son dernier single.