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10 personnages fous du monde sauvage de la musique
Dans le passé, nous avons lu d’étranges histoires sur des gestionnaires de musique remarquables et des influences influentes à succès unique, mais aujourd’hui, nous examinons toute une série d’opportunités et de mélodieux mélodieux. Bien qu'aucun des artistes figurant sur cette liste ne soit exactement un nom connu, ils ont tous fait du monde de la musique un endroit vraiment sauvage et merveilleux.
10 Gary Lewis Et Les Playboys
Tout le monde connaît le comédien Jerry Lewis, philanthrope, restaurateur raté et clown de l’Holocauste. Moins de gens connaissent le fils de Jerry, Gary, un jeune homme qui a tourné le dos à la comédie en échange d'une batterie et d'une paire de bottes Beatle. Né en 1946, la carrière musicale de Gary a pris son envol en 1964 après que le Fab Four ait pris d'assaut les États-Unis. Comme tous les jeunes hommes américains qui savaient ou ne savaient pas jouer d'un instrument, Gary a créé son propre groupe, un knock-off des Beatles connu sous le nom de Gary and the Playboys.
Cependant, contrairement à la plupart des groupes d'adolescents, le groupe de Gary a rencontré de nombreux succès à Disneyland, un exploit d'autant plus impressionnant lorsque vous réalisez que Gary a gardé l'histoire de sa famille secrète. Même son père ne savait pas qu'il jouait des concerts au meilleur endroit sur Terre. La carrière musicale de Gary était un tel secret que sa mère, Patti, avait promis de payer pour une session d'enregistrement tant que Jerry ne le découvrirait pas.
Bien sûr, vous ne pouvez garder qu'un secret du comédien préféré des États-Unis (à l'époque) aussi longtemps, en particulier lorsque votre groupe produit une chanson à succès. Intitulée «The Diamond Ring», la ballade pop de Gary a été classée dans le top dix du Billboard et, en 1965, Caisse Le magazine a déclaré que Gary était le "Chanteur masculin de l'année". Avec "The Diamond Ring" diffusé sur les radios du pays, Gary a été contraint d'avouer sa vie secrète à son père. Selon l'acteur et écrivain Eddie Dezeen, Jerry était ravi du succès de son fils ... tant qu'il ne "poussait pas ses cheveux comme ces fichus Beatles!"
Pendant l’apogée des Playboys, Gary et son groupe sont apparus le Le spectacle Ed Sullivan deux fois, a fait une tournée avec Dick Clark, a remporté huit singles d'or et vendu 45 millions d'albums, ce qui n'est pas trop mal. Malheureusement, la carrière musicale de Gary a cessé temporairement après avoir été recruté, envoyé au Vietnam et renvoyé avec un problème d'héroïne. Heureusement, Gary a réussi à renverser le singe proverbial et à revenir à sa musique, bien qu'il n'ait pas été aussi populaire dans un monde post-Woodstock.
Il convient également de noter que le succès de Gary est un peu controversé. Selon le producteur des Playboys, Snuff Garrett, les albums de Gary étaient en fait le travail de musiciens de studio et le groupe était synchronisé au cours de leur premier concert. Ed Sullivan apparence. Inutile de dire que Gary nie avec véhémence ces affirmations. Alors, qui dit la vérité? Bien, donnons à Gary le bénéfice du doute. Après tout, l’homme joue toujours à ce jour, alors si vous voulez acheter des billets, voici son emploi du temps.
9 Favio Chavez et l'orchestre recyclé
La vie est dure dans la ville de Cateura. Ce village paraguayen se trouve à la périphérie d'Asuncion, la capitale du pays, et de nombreux habitants vivent de ma vie en travaillant dans l'immense décharge de la ville. Tous les jours, gancheros («Recycleurs») marchent dans les ordures, ramassent des débris et essaient de trouver des objets qu’ils peuvent recycler. Pendant qu’ils fouillent dans les ordures paraguayennes, leurs enfants jouent au milieu des montagnes de crasse. Du moins, c'est ce qu'ils ont fait jusqu'à l'arrivée de Favio Chavez.
En 2006, Chavez était un technicien en environnement aidant gancheros apprendre à classer les articles recyclables. Il dirigea également un orchestre de jeunes dans sa ville natale et un jour, il apporta la symphonie à Cateura afin qu'ils puissent se produire pour ses collègues. Non seulement le gancheros impressionnés, ils voulaient que Favio crée un orchestre pour leurs propres enfants. Favio accepta, mais il réussit assez vite: il n'y avait pas assez d'instruments pour faire le tour.
Au début, Favio a prêté ses propres instruments, mais au fur et à mesure que plus d’enfants s’intéressaient, il s’est vite épuisé. La solution évidente aurait été d'acheter plus d'instruments, non? En fait, cela aurait posé un problème plutôt délicat. Les instruments réels sont assez chers et valent leur pesant d'or à la moyenne ganchero. S'il donnait un violon à un enfant en difficulté, cela pourrait causer un drame familial, alors Favio décida de faire preuve de créativité.
Après avoir fait équipe avec un menuisier du nom de Nicolas Gomez, Favio a commencé à confectionner des instruments avec de la ferraille traînant autour de la décharge. Il a fallu un peu d’expérimentation pour déterminer quelle poubelle fonctionnait le mieux, mais après de nombreux essais et erreurs, ils ont trouvé la combinaison parfaite de matériaux. Par exemple, Chavez et Gomez ont créé des violoncelles avec des barils de pétrole et des violons avec des fourchettes et des plateaux de four.
Non seulement les instruments sonnaient-ils bien, mais les enfants se sont mis à jouer assez rapidement pour jouer rapidement. Utilisant leurs instruments improvisés, le soi-disant orchestre recyclé a joué dans le monde entier. Les enfants ont diverti des auditoires dans des pays du Canada à la Palestine au Japon. Favio et son équipe talentueuse ont également fait l'objet d'un documentaire de 2015 intitulé Harmonique des décharges.
En plus d’enseigner la musique, Favio est devenu un John Keating sud-américain. Il est convaincu qu'apprendre à jouer d'un instrument peut enseigner la détermination aux enfants, et que choisir un violon peut les aider à rêver grand et à poursuivre leurs objectifs, en particulier ceux qui les mènent hors de Cateura. Plus important encore, l’Orchestre Recyclé peut leur donner stabilité et espoir dans un monde rempli de déchets.
8 Jane Froman
Le chanteur bégayant
Comme tant d’étoiles d’antan, Susan Hayward a été largement oubliée par le public. Bien que la plupart des gens n’aient pas reconnu Mme Hayward aujourd’hui, elle a été nominée pour cinq Oscars, dont un Oscar de la meilleure actrice pour son interprétation dans Avec une chanson dans mon coeur, biopic de 1952 sur Jane Froman, l’un des artistes les plus populaires de la Seconde Guerre mondiale.
Bien entendu, la vie de Jane Froman était un peu différente de l'histoire inspirante que le public des années 1940 a vue à l'écran. Premièrement, la plupart des fans de Froman n’avaient jamais entendu sa vraie voix, du moins pas sa voix parlée. Jane avait un problème majeur de bégaiement. Ainsi, lorsque NBC lui a demandé de chanter en ondes, les responsables de la radio ont proposé un moyen délicat de dissimuler son trouble de la parole.
Une fois que Jane a fini de divertir le public avec sa voix d'opéra, une actrice s'approche du microphone et discute avec l'hôte ou cherche des sponsors, tout en se faisant passer pour Jane Froman. Les fans de radio ne connaissaient jamais la différence. Ainsi, lorsque Susan Hayward a joué Jane dans le film de 1952, personne n’a été contrarié lorsque les cinéastes ont abandonné la sous-parcelle de bégaiement de la vie réelle.
Jane a été élue la chanteuse la plus populaire de New York, a rejoint les Ziegfeld Follies et a même essayé d’agir, bien que son trouble de la parole l’ait tué assez rapidement. L’histoire de Jane prend une tournure incroyable après la Seconde Guerre mondiale: selon Nate DiMeo de Le palais de la mémoireFroman a été la première star à offrir ses talents à l'effort de guerre. Elle remplissait les ondes avec des ballades patriotiques et divertissait les garçons chez elle et à l'étranger.
Quand elle a pris l'avion pour l'Europe en 1943, son avion s'est écrasé dans un fleuve portugais, faisant 24 victimes sur les 39 qui se trouvaient à bord. Heureusement pour Jane, le pilote a fabriqué un radeau impromptu avec des pièces d'avion écrasées et a aidé le chanteur à se rendre à terre. Pendant qu'elle survivait, son bras droit était écrasé, sa jambe gauche était coupée en morceaux et les médecins voulaient l'amputer de sa jambe droite. Refusant de perdre un membre, Froman a refusé l'opération, mais elle a lutté contre les infections et la douleur pour le restant de ses jours.
Impressionné par son courage, le président Roosevelt a veillé à ce que Jane ait accès à la pénicilline (dont la plupart étaient réservées aux soldats). Avant son décès en 1980, elle avait subi 37 interventions chirurgicales au total. Elle portait également un corset permanent et finissait par se retrouver accro à ses médicaments, mais Jane ne laissait jamais la douleur lui faire défaut. Après l'accident, elle a donné 95 spectacles pour les troupes américaines. En fait, lors de ses premières performances, elle est venue sur scène avec une paire de béquilles.
À la fin de la guerre, elle a chanté le biopic de Susan Hayward, joué dans une émission télévisée de CBS et obtenu un disque en or pour sa chanson à succès «I Believe». Chaque fois qu'elle se présentait devant un public, elle portait toujours des robes conçues pour cacher ses blessures de combat.
7 Glen Weyant
Jouer le mur frontière
Si vous deviez dresser une liste des endroits les moins musicaux de la planète, vous pourriez suggérer un camp de réfugiés palestiniens, le centre-ville de Mogadiscio ou une cellule de prison nord-coréenne. Ces endroits ne font pas chanter le coeur avec joie. Juste à côté de la forêt de suicides au Japon et des ruines de Tchernobyl, se trouve la frontière américano-mexicaine, une bande déserte de désert en proie à la violence des cartels et recouverte de cadavres non identifiés de personnes en quête d'une vie meilleure.
Le mur frontalier américano-mexicain, une série de clôtures séparant les deux pays nord-américains, symbolise toute cette souffrance. Cet endroit est aussi bouleversant qu’il ne l’est, mais une fois par mois, près de la ville de Sasabe, en Arizona, un homme du nom de Glen Weyant s’approche du mur, déballe son sac d’équipement musical et crée une symphonie incroyablement folle… en utilisant le mur comme son instrument principal.
Selon ViceLe mur de Weyant est "une structure métallique massive faite de poutres en acier de 20 pieds de haut, distantes de quelques centimètres, rouillant la couleur du sang séché." Mais ce qui semble imposant pour la plupart d'entre nous apparaît presque lyrique à M. Weyant. Il frotte les poutres avec une brosse métallique, passe à travers les interstices et bat la terre mexicaine avec un maillet en caoutchouc, et "joue" la clôture avec un assortiment d'archets de violon et de violoncelle. Parfois, il improvise avec des bâtons à proximité. D'autres fois, il fera des expériences sur la tour de guet voisine ou sur des bouteilles d'eau laissées par des immigrants assoiffés. Et s'il se sent vraiment bizarre, il passera peut-être à l'appel d'un élan ou même à porter un masque de chèvre.
Glenn enregistre chaque note avec des microphones à contact, des dispositifs qui amplifient le son de ses créations cacophoniques. Comme il joue à côté d'une caméra, lorsqu'il termine sa symphonie insensée, Weyant dépose une demande en vertu de la loi sur la liberté de l'information, demandant au gouvernement de lui remettre les enregistrements audio et vidéo de ses compositions loufoques.
Alors, qu'est-ce qui motive cet homme à se diriger vers ce mur et à frapper sur les poutres? Soit dit en passant, il est parfaitement légal de le faire.) Glenn considère la clôture comme un «symbole de la peur et de la haine» et souhaite «la transformer en autre chose… un instrument permettant aux gens des deux côtés de s'ouvrir dialogue et communication. »Glenn souhaite que les musiciens des deux côtés de la frontière se rencontrent et travaillent leur magie sur le mur de la frontière. En transformant la clôture en un instrument gigantesque, Glenn pense pouvoir «démolir son concept, l'enlever en tant que mur». Une fois qu'il aura été détruit, cette grande et grande clôture séparant les pays deviendra un pont encore plus grand, musicalement.
6 Nudie Cohn
L'homme qui a fait le cow-boy en strass
Contrairement à la plupart des membres de cette liste, Nudie Cohn n'était pas musicienne. Il n'a jamais joué sur scène ou monté un album, et malgré tout, il n'a même jamais appris à jouer d'un instrument. Mais, s’il n’était ni chanteur ni guitariste, Cohn était l’une des personnalités les plus influentes de la scène country. Contrairement à son nom inhabituel, Nudie était célèbre pour la confection de vêtements, des modèles aux motifs complexes et étincelants de strass de grande taille.
Né en Ukraine au tournant du siècle, le vrai nom de Nudie était Nuta Kotlyarenko. À l'âge de 11 ans, ses parents l'envoyèrent aux États-Unis, espérant qu'il pourrait éviter l'antisémitisme qui balayait leur patrie. Lorsque Nuta est arrivé à Ellis Island, un agent de l'immigration a échangé son nom de famille pour le nommer à Cohn. Il a écrit «Nudie» à la place de «Nuta». J'avais appris dans le vieux pays à coudre et à mettre des vêtements.
Dans les années 1940, Nudie ouvrit un magasin à Hollywood qui attirait de très grands noms tels que Roy Rogers et Dale Evans, le couple de cowboys qui changent de position. Nudie a frappé fort après avoir conçu une tenue pour la chanteuse de honky-tonk, Lefty Frizzell. Au verso, Nudie écrivait les initiales de Lefty avec des strass bleus et le reste de la communauté rurale était émerveillé.
Bientôt, les stars appelaient Cohn pour demander leurs propres «combinaisons Nudie» spécialisées. Au fil des années, il a conçu des tenues plus flamboyantes que d’autres, pour George Jones, Marty Robbins, Johnny Cash et Hank Williams. Il a même attiré l'attention de chanteurs pop comme Cher et de rockers comme John Lennon. Et il va sans dire que l'un des clients les plus célèbres de Nudie était le «Rhinestone Cowboy» lui-même, Glen Campbell.
Ces costumes de Nudie étaient ornés de roues de wagon, d'éclairs et d'OVNIS (celui-ci appartenait à Keith Richards). Bien sûr, chaque costume est venu avec suffisamment de bling pour aveugler quiconque se tenant trop près. Peut-être que les tenues les plus célèbres de Nudie ont été conçues pour Gram Parsons et Elvis Presley. La tenue de Gram était ornée de plantes de marijuana, de fleurs de pavot, de pilules, d'une femme nue et d'une grosse croix rouge. Quant à Elvis, Nudie a créé l’emblématique smoking de 10 000 $ en lame d’argent que le roi arborait en couverture de 50 000 000 fans d'Elvis ne peuvent pas se tromper.
En plus des vêtements, Nudie aimait bien sortir des Cadillac et des Pontiac. Ces automobiles insensées sont équipées de cornes Longhorn sur le capot, de pistolets Colt pour les poignées de porte et de selles au lieu de sièges pour enfants. Tout ce que Nudie touchait était sauvage, criard et complètement exagéré. C'est pourquoi, tant que la musique country existe, nous nous souviendrons toujours de ses costumes extravagants.
Fait intéressant, Manuel Cuevas, gendre de Nudie, a conçu les costumes de fanfare des Beatles pour Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.
5 Ambre Galloway Gallego
L'étoile musicale de la langue des signes
Il est prudent de dire que la plupart des gens associent la musique à l'audition. Nos oreilles sont en quelque sorte essentielles à toute l'expérience musicale, ou du moins c'est ce que pensent les non-sourds. En vérité, les malentendants écoutent une bonne chanson comme tout le monde, et grâce à la loi sur les Américains handicapés, les salles de concert américaines doivent fournir des interprètes sur demande. Amber Galloway Gallego, une femme qui pousse la langue des signes à un niveau supérieur, est l'une des meilleures interprètes du secteur.
Né au Texas, Gallego a grandi et a été inspiré par l’étude de la langue des signes américaine à l’université. Après avoir obtenu son diplôme, Gallego s'est consacrée à rendre la musique agréable pour les malentendants. Selon le Texan, la plupart des interprètes musicaux en sont pleins. Ils peuvent signer tous les mots, mais ils n'expriment pas ce que l'artiste veut dire. Ils manquent de véritables émotions ou passions, ils ne peuvent donc pas transmettre le sens réel du chanteur.
Ce n'est pas le cas avec Amber Gallego, pas de loin. Chaque fois que Gallego interprète pour une foule, elle incorpore une foule de signes «non manuels». Elle utilise le langage corporel et les expressions faciales et fonde sa performance sur le ton et le message de chaque chanson. Comme Gallego le dit, quand elle sera sur la scène, le public va "voir l'esprit de l'artiste".
Gallego a signé pour de nombreuses célébrités. Travaillant à des concerts comme Lollapalooza et SXSW, elle a interprété pour Snoop Dog, Eminem, les Rolling Stones, les Black Keys, le Cher et Madonna. C'est une gamme assez impressionnante.
Bien sûr, le travail de Gallego n'est pas vraiment facile. Habituellement, les interprètes omettent de lui envoyer la liste des chansons qu’ils vont chanter. Elle doit donc mémoriser la quasi-totalité de leur œuvre. En plus de mémoriser les paroles, elle lit les biographies des animateurs pour avoir une idée de chacun d'eux et regarde des vidéos de leurs performances pour les ressentir en tant qu'artistes afin de pouvoir «canaliser» correctement la personnalité de la chanteuse auprès de son public.
Selon son lieu de travail, Gallego doit parfois apprendre des mots d'argot régionaux à intégrer à sa routine, mais le plus grand défi consiste peut-être à interpréter les mots créés par l'artiste ou à comprendre comment transmettre des idées métaphoriques. Par exemple, si un chanteur devait mentionner son… «anaconda», elle donnerait le signe littéral pour «serpent», mais elle doit également bouger le bras de manière à indiquer, eh bien, vous savez. Malgré tout son travail acharné, Gallego ne gagne que 500 USD par émission, mais ce n’est pas une question d’argent pour elle. Il s'agit de partager de la musique avec le monde, geste d'une main à la fois.
4 Brian Gorman et Marcus Stoesz
La vie réelle Ecole du rock
Si vous êtes fan de musique rock, de films ou de divertissement classique, alors vous avez probablement entendu parler de Ecole du rock. La comédie légère de Richard Linklater suit un schlubby slacker (joué par Jack Black), qui enseigne à une classe élémentaire comment se faire remarquer. Bien sûr, Ecole du rock Ce n’est qu’un film, une pure fiction imaginée par le scénariste Mike White, mais Rock Band Land est vraiment un endroit vraiment réel.
Fondé par les musiciens Brian Gorman et Marcus Stoesz, Rock Band Land est une école de San Francisco où les enfants âgés de 4 à 12 ans apprennent à libérer leur esprit intérieur, Johnny Rotten. Gorman a été inspiré pour ouvrir cette école préscolaire punk après être tombé malade avec des chansons pour enfants "saccharine". Vous voyez, quand Gorman ne jouait pas de la batterie avec son propre groupe, il enseignait et travaillait avec des enfants, ce qui voulait dire qu'il avait été exposé à beaucoup de musique «condescendante, insultante, grossière».
Soucieux de bouleverser le paysage musical préscolaire, Gorman et Stoesz ont lancé Rock Band Land dans l'espoir d'apprendre aux enfants à écrire des chansons géniales et à travailler en équipe. Les sessions commencent lundi avec les enfants qui se promènent dans la «salle de rock out» pour prendre leurs instruments et commencent à chanter, s’accompagnant dans des sessions de rock improvisées. Lorsque les enfants trouvent une mélodie ou un rythme assez cool (et qu'ils peuvent répéter facilement), Stoesz intègre leur travail dans une chanson réelle.
Une fois que les enfants ont fini de jouer, Gorman les aide à écrire les paroles. Tout le monde est encouragé à faire part de ses idées, tant qu’elles sont originales et que, même si les chansons peuvent faire peur, elles doivent avoir une fin positive. Le plus important est peut-être que personne ne soit autorisé à dire «non». Si quelqu'un n'aime pas une suggestion d'histoire (toutes les chansons de Rock Band Land racontent une histoire), ils sont tenus de créer une solution, un moyen de faire fonctionner l'idée pour tout le monde. Selon Rosie Cima de Priceonomics, «Si Gorman peut dire à l'un des enfants qu'il est mal à l'aise avec un vampire dans une histoire, par exemple, il l'aidera à l'adapter. […] 'Ce vampire ne boit pas de sang! Qu'est-ce que ce vampire boit à la place?
Une fois les paroles et la musique terminées (et associées à un titre accrocheur tel que «The Cockroach's Revenge»), les enfants passent le reste de la semaine à répéter et à enregistrer. Lorsque vendredi arrive enfin, les enfants montent sur scène pour jouer devant leurs futurs parents. Rock Band Land, c'est bien plus que jouer de superbes airs et libérer les gens avec de la musique. C'est une question de créativité, de collaboration… et de s'en tenir à l'homme.
3 Papo La Bala
Le rockeur qui s'est injecté le VIH
Cela ne provoquera probablement pas autant de choc, mais le Cuba communiste n'était pas vraiment le meilleur endroit pour faire du rock punk. Adolescents rebelles, connu sous le nom los frikis (“The freaks”) ont utilisé leurs radios pour capter les ondes américaines et se faire entendre par des groupes comme AC / DC et Metallica. Cependant, obtenir le Led out est venu avec un prix assez raide.
Les enfants portant des cheveux longs, des jeans déchirés et des t-shirts portant le logo d'un groupe de rock ont été régulièrement agressés par la police. Lorsque des adolescents débraillés se présentaient à l'école, ils étaient souvent cernés et rasés de force. Quiconque était surpris en train d'écouter de la musique rock était jeté derrière les barreaux ou envoyé travailler dans les champs de canne à sucre.
Le mur de Berlin venait de s'effondrer, l'URSS était en train de s'effondrer et Fidel Castro était en train de paniquer. Dans l’espoir de garder son régime intact, le réalisateur barbu s’en est pris à quiconque sortait des sentiers battus, réprimant sévèrement le rock et criant avec colère: «Socialisme ou mort!
Il s'appelait Papo la Bala («Papo the Bullet»). Aujourd'hui, il est connu sous le nom de «Kurt Cobain des Frikis». Cette rock star cubaine a grandi dans la pauvreté et, à l'âge de 14 ans, Papo vivait dans les rues. Son cher vieux père était un ivrogne, sa mère a pris son envol alors qu'il n'était qu'un enfant et il vivait dans l'une des dictatures les plus difficiles du monde. C'était la recette parfaite pour préparer le rocker punk par excellence.
Portant le drapeau américain comme un bandana étoilé, Papo a mené la guerre contre l'État avec le pouvoir de la musique. Il ne se contentait pas de combattre le gouvernement de Castro avec ses six cordes seulement. Papo the Bullet voulait faire un point plus gros et plus meurtrier. C'est pourquoi il a rencontré quelques amis rockers qui avaient contracté le VIH et qui s'injectaient leur sang infecté. Si c’était «le socialisme ou la mort», alors Papo choisissait ce dernier parce que, comme il l’avait expliqué à un ami, «lorsque vous n’avez plus de portes à ouvrir, la mort est une porte».
Comme vous pouvez le deviner, les derniers jours de Papo n'étaient pas agréables, mais malgré la maladie qui a mis fin à ses jours, Papo n'a pas regretté sa décision. Même s’il s’est converti au christianisme - ce qui était peut-être l’ultime acte de rébellion de Cuba athée -, il n’a jamais perdu son personnage punk-rock, défiant Castro jusqu’au bout.
Malheureusement, Papo a lancé par inadvertance un mouvement. Des centaines d'adolescents qui ne comprenaient pas vraiment le sida suivirent son exemple, estimant que le gouvernement finirait par trouver un traitement curatif, et tout irait bien. Malheureusement, ils ont eu tort.
2 Jason Everman
La star du rock qui est devenu un soldat
La plupart des musiciens ne rêvent que de jouer dans un groupe de rock mondialement connu. Jason Everman a joué à deux et a été expulsé des deux. Cependant, après que sa carrière musicale se soit effondrée et brûlée, Everman ne s'est ni déprimé ni perdu dans le monde mélancolique du «et si». Au lieu de cela, il est devenu l'un des types les plus difficiles de la planète Terre.
Curieusement, la carrière musicale d'Everman a été lancée après une visite au cabinet d'un thérapeute. La mère de Jason était un toxicomane dépressif et, en raison de sa vie difficile à la maison, Everman a commencé à passer à l'acte. Après avoir fait exploser une toilette avec un pétard M-80, sa grand-mère inquiète l'envoya chercher de l'aide professionnelle. En fin de compte, le thérapeute avait deux ou trois guitares vintage dans le bureau et, après en avoir pris une, Jason ne pouvait plus le baisser.
Quelques années plus tard, un ami batteur de Jason's, du nom de Chad Channing, a dit à Everman que son groupe cherchait un nouveau guitariste et lui avait offert la place. Everman a dit oui et bientôt, il a tourné avec un petit groupe de rock appelé Nirvana. Au début, les choses se sont relativement bien passées et Jason a même payé les 600 $ dus au groupe pour avoir coupé leur premier album. Eau de Javel. Mais alors que le groupe traversait les États-Unis, le reste du groupe était un peu vexé par le nouveau guitariste. Il se glissait souvent dans d'étranges funks et coupait tout le monde, ce qui rendait douloureusement pénible toutes ces heures sur la route.
Bientôt, le groupe en a eu marre de «l'humeur déchaînée» (les mots de Kurt Cobain) et l'a viré du groupe, juste avant que le groupe ne devienne célèbre. Cela importait peu à Jason car juste après avoir quitté Nirvana, il avait été embauché pour jouer de la basse pour Soundgarden. Même s’il était un musicien de talent, les musiciens de Soundgarden n’aimaient pas non plus son attitude introvertie et énervée, et Everman perdait son deuxième grand concert, encore une fois avant que le groupe ne devienne une célébrité internationale.
Hors de son travail, Everman a décidé de mélanger les choses en rejoignant l'armée. Comme Jason l'a mis dans un New York Times En entrant dans les forces armées, c’était «la chose la plus déconcertante que vous puissiez faire», mais il voulait quand même tenter le coup. Il voulait également garder son statut de rock star secret, mais ses frères d'armes semblaient toujours révéler son histoire musicale. Heureusement, mis à part le sergent occasionnel sournois, son passé ne s'est jamais vraiment immiscé dans sa nouvelle vie.
Finalement, Everman est devenu un garde forestier et a été envoyé pour au moins une mission en Amérique latine. Voulant aller encore plus loin, il a rejoint les forces spéciales et, après le 11 septembre, il a été envoyé en Afghanistan et en Irak, où il a participé à des raids secrets, évitant de peu les kamikazes et galopant aux côtés des guerriers pachtounes.
Après avoir pris sa retraite de l'armée, Everman a obtenu un diplôme en philosophie de la Columbia University. Aujourd'hui, il passe son temps à écrire. Quant à ses occasions musicales manquées, il ne l’est pas dérangé. Comme le dit un article du Daily Beast: «Il n'a pas rejoint les départements de philosophie et de philosophie de Columbia parce qu'il essayait de rattraper une occasion manquée d'être une rock star. Il a rejoint l'armée parce que Nirvana et Soundgarden ne lui suffisaient pas. "
1 Frank Sidebottom
L'homme à l'intérieur d'un masque
Le vrai nom de Frank Sidebottom était Chris Sievey. Il était un musicien de Timperley, dans le Grand Manchester, et chaque fois qu’il mettait la tête géante en papier mâché, il ne répondait qu'à Frank Sidebottom. C'est vrai, nous avons dit «tête géante en papier mâché». Elle était complète avec deux énormes yeux bleu mystérieux et une bouche au rouge à lèvres qui ne bougeait jamais. Qu'est-ce qui ferait qu'un homme porte une tête faite à la maison tout en se produisant devant un public, même minuscule? Créativité, excentricité et désespoir.
L'histoire de Frank (ou de Chris) commence en 1970, quand le jeune homme de 15 ans fait de l'auto-stop à Londres et crée le groupe The Freshies. Malheureusement, personne n'a été intéressé par la signature de son groupe, et le groupe a fini par se séparer. Sans se décourager, Chris a continué d'essayer de réussir dans le monde de la musique. C'est alors qu'il a inventé Frank, un personnage d'enfant avec une grosse tête qui klaxonne, un personnage connu pour son innocence et son «sens ordinaire», des qualités qui contrastaient fortement avec le penchant de Chris pour le vin, les femmes et le gaspillage.
Chaque fois que Chris glissait sur la fausse tête, il disparaissait complètement dans son personnage en papier mâché. Il bougea différemment, parlait différemment et ne répondait qu'aux appels de «Frank». Selon son coéquipier Jon Ronson (de Les hommes qui regardent les chèvres et Le test psychopathe gloire), Chris garderait Frank à la tête pendant des heures, même lorsqu’il se rendait d’un concert à l’autre. Parfois, Chris envoyait même des lettres à Frank… et ensuite Frank répondait.
Naturellement, toute cette folie a été reportée sur la scène. À chaque fois que Frank et son groupe Oh Blimey Big Band se présentaient dans un club, leurs spectacles étaient pour le moins inhabituels. Frank et son équipe ne répètent jamais avant un spectacle. Chaque fois qu'ils montaient sur scène, le groupe suivait simplement l'exemple de Frank, qu'il s'agisse de reprises bizarres de «We Are the Champions» ou de parodies chantées comme «Born in Timperley» («Né aux États-Unis»). Et le public (enfin, les quelques personnes qui se sont présentées) a adoré. En plus de se produire dans des clubs, Frank a également participé à des émissions télévisées en fin de soirée et tôt le matin. En 1992, il est même apparu dans sa propre émission de télévision, Spectacle fantastique de Frank Sidebottom.
Au fil du temps, Chris finit par mettre la tête de côté et se lança dans le jeu d’animation, travaillant sur des émissions comme Pingu et Bob le bricoleur. Alors que son alter ego a fait un retour en force au milieu des années 2000, Chris et Frank sont décédés en 2010. Cependant, la réputation de Frank perdure à ce jour sous la forme d'un documentaire, d'un film biographique fictif mettant en vedette Michael Fassbender, et d'une statue de bronze dans sa ville natale de Timperley.