10 origines des personnages de dessins animés populaires

L'histoire m'a toujours fasciné et j'aime découvrir l'ascendance et les arbres généalogiques. À partir de ma liste précédente, 10 Beatles Songs and the Origins, cette suite révèle les histoires cachées derrière plusieurs personnages de dessins animés populaires. Cette publication a été créée sur une période de six mois, à l'aide de vidéos, d'entretiens, de livres et de nombreuses autres sources. Cette liste est non seulement propre à Listverse mais également unique dans le monde entier, car aucun livre, page Web ou site Web n’avait encore fourni de source exclusive et exclusive de cette information - jusqu’à présent. Merci beaucoup pour la lecture.

Betty Boop

Produit: 9 août 1930 - 7 juillet 1939.
Inspiration: Helen Kane (chanteuse)

Helen Kane est devenue "The Boop Boop a Doop Girl" en 1928 lorsqu'elle a chanté les paroles de scat "boop-boop-a-doop" dans la chanson "That's My Weakness Now". Cette chanson a été un succès du jour au lendemain, promouvant une la musique. L'année suivante, elle a fait son entrée dans les films, apparaissant avec Ned Sparks et Richard Dix dans le désormais public domain Farce comique de 1929 Nothing But the Truth - où le public avait pour la première fois un aperçu de la star timide, aux voix grincheuses, complétée d'un nœud en poil et voix de chant presque enfantine. “Do Something” était son deuxième numéro (ensuite coupé et maintenant perdu) du film et il est devenu un hit à l'échelle nationale. Kane correspondait à l’image de «flapper Girl» de l’époque, c’est-à-dire un chapeau à la coupe et un chapeau cloche façon Louise Brooks avec une jupe courte et des talons hauts. Les Flappers étaient bien les femmes libérées de leur époque et avaient la réputation d'être audacieuses, déterminées et sans peur de dire ce qu'elles en pensaient.

En août 1929, un animateur de longue date était sur le point de se lancer dans le cinéma. Max Fleischer avait déjà eu un petit succès avec Ko-Ko le clown et avait également réalisé des films éducatifs avant la création de Fleischer Studios en 1929. Il utilisa sa propre invention, la machine à rotoscope, pour créer la série Talkartoon de 42 dessins animés, commençant par Noah's Lark en octobre 1929. Hot Dog, le troisième de la série, présentait davantage de comédie sous la forme de Bimbo imprudent et enclin aux accidents le chien. Le succès de ce personnage signifiait que les animateurs concevaient rapidement de petites amies potentielles. Selon les animateurs, le croquis initial de Betty était un caniche anthropomorphe français de taille plutôt grande, avec de longues oreilles tombantes et un nœud à cheveux. Les oreilles se sont progressivement transformées en boucles d'oreilles, et le visage est devenu plus humain, jusqu'à ce que le dessin final révèle une forme complètement humaine (et elle est restée la petite amie de Bimbo, le chien).

Le premier Betty Boop est apparu dans la sixième tranche de la série Talkartoon de Fleischer, le 9 août 1930, dans un dessin animé appelé Dizzy Dishes. Betty était présentée comme une chanteuse et une chanteuse, avec de longues jambes, un visage plutôt carré et, de façon caractéristique, une voix lente et grinçante, enfantine. Les deux personnages ont rapidement connu un succès retentissant, et Betty, flamboyante et ouverte au franc-parler, a rapidement commencé à surpasser Bimbo et à jouer dans ses propres dessins animés. Elle a joué dans 111 dessins animés entre 1930 et 1939, y compris Minnie the Moocher (1932) avec des chansons de Cab Calloway et Poor Cinderella - sa seule apparition en couleur - parue le 3 août 1934. Elle est devenue une star autoproclamée et est toujours très populaire. aujourd'hui, plus de 80 ans plus tard. Cependant, dès le début, il était clair que Betty n'était pas seulement modelée sur Helen Kane (les manières, les chansons, la voix), mais était une copie directe. Mae Questel, qui a été le premier à parler à Betty et à la voix de Who Framed Roger Rabbit (1988), a été choisi par le producteur de dessins animés Max Fleischer parce qu'il voulait «un son de Helen Kane identique à celui de Betty Boop». le nom de Betty 'Boop' pourrait impliquer immédiatement une connexion entre elle et le «Boop Boop a Doop Girl» quelques années auparavant.

À tel point qu'en mai 1932, Helen Kane tenta de poursuivre en justice Fleischer Studios et Paramount Pictures pour 250 000 dollars pour avoir tenté de se faire passer pour elle. Lorsque l'affaire fut finalement entamée en avril 1934, Fleischer convainquit les six filles qui avaient alors exprimé leur voix à Betty de nier que sa voix était une tentative d'imiter celle d'Helen Kane. Un autre témoignage a déclaré que «Boop Boop a Doop» n’était pas synonyme et que la phrase «Boop Oop a Doop» était bien antérieure à la popularité d’Helen Kane. Paramount Pictures a même produit un clip d'un autre chanteur, Baby Esther, qui aurait utilisé la même phrase dans une chanson en 1928. D'autres témoins ont été appelés pour dire que le personnage était en fait tiré de nombreuses influences, notamment Clara Bow, une immense star. à Hollywood après avoir récemment pris sa retraite en 1933 après son dernier film, Hoop-la. En effet, dans Poor Cinderella publiée quatre mois plus tard (après que Betty Boop's Rise to Fame et Procès de Betty Boop aient tenté de vendre une version différente de l'histoire de Betty), nous voyons Betty avec Clara Bows, cheveux roux flamboyants et non plus noirs - comme si les producteurs essayaient de se démarquer d'Helen Kane. En fin de compte, Kane n'a pas réussi à obtenir de l'argent du personnage de Betty Boop - un personnage qui durerait plus longtemps que la carrière d'Helen Kane, un personnage qui était évidemment basé sur elle, et pourtant elle est morte sans jamais recevoir un sou à partir de cela. Ce qui a commencé par être une blague légère, flatter Kane, a fini par la remplacer et la remplacer. Quant à Fleischer, en 1933, il acquit les droits de production des dessins animés de Popeye the Sailor; un chiffre qui prendrait en charge le calendrier de sortie de Paramount pour les 25 prochaines années.

Pig Porky

Produit: 9 mars 1935 - 10 mars 1956.
Inspiration: Joe Cobb (acteur) dans le rôle de Joe dans la série télévisée «Notre gang» (1922-1929)

Our Gang (rebaptisé plus tard The Little Rascals) a débuté par une série de comédies muettes réalisées au studio Hal Roach de Culver City du début des années 1920 jusqu'en 1944. La série mettait en vedette un certain nombre d'enfants acteurs qui se mêlaient régulièrement de tout. Essayez de vous en sortir à nouveau. L'émission a rassemblé de nombreux membres de la distribution pendant son long métrage, notamment le personnage «Alfalfa» interprété par Carl Switzer. Joe Cobb est apparu pour la première fois dans le groupe sous le nom de «Joe» dans le court métrage The Champeen, sorti le 28 janvier 1923, avant de jouer dans 86 épisodes de la série; notamment The Big Show (1923), Saturday's Less (le dernier film muet de la série) et le premier court-métrage parlant Small Talk (sorti en 1929). Joe a incarné le stéréotype du «gros enfant», toujours souriant et pourtant infortuné, qui met souvent en scène des gags et des missions pour les autres. La dernière apparition de Joe eut lieu dans Lazy Days, publié le 15 août 1929, avant d'être remplacé par son propre frère à l'écran, «Chubby» (joué par Normal Chaney), que Joe lui-même avait présenté au gang dans l'épisode précédent, Railroadin '( 1929).

Au début des années 1930, Leon Schlesinger - qui avait fondé sa société de production Pacific Title and Art en 1919, avait signé un contrat pour la production de la série Looney Tunes pour Warner Bros. Il produisait régulièrement des premiers épisodes de Looney Tunes mettant en vedette «Bosko, un jeune Negro Boy "de leur lot Sunset Boulevard au coin de Van Ness et Fernwood. Après 30 épisodes de la série, le moment était venu pour un changement, et la version de dessin animé d'un jeune garçon noir au dialecte du nègre du sud était passée de mode aux auditoires de théâtre qui souhaitaient un personnage moins politiquement politiquement évité. En 1933, Hugh Harman et Rudolf Ising quittent le studio et emmènent avec eux leur création Bosko, laissant le studio très dépressif à la dépression avec seulement le fade "Buddy" (que l'animateur Bob Clampett décrit comme "Bosko en blanc") pour les maintenir à flot. . Schlesinger a demandé à l'animateur Robert 'Bob' Clampett et à la directrice du studio Friz Freleng de concevoir une nouvelle série de personnages afin de combler le vide et leur a suggéré de réaliser une version de bande dessinée des films Our Gang. Dans le court métrage qui en résulte, je n’ai pas de chapeau (paru le 2 mars 1935) et qui comprenait la distribution: Beans the cat, Oliver Owl, une vache maternelle nommée Mrs. Cud et un Porky Pig complètement inconnu dans le film "Joe" rôle - dont l’apparence est si brillante qu’il remplace instantanément Buddy en tant que star principale du studio. Tex Avery n'a pas tardé à capitaliser sur le succès croissant de Porki lorsqu'il a été nommé producteur de série en 1936 et a rapidement réutilisé une grande partie de la distribution de J'ai pas un chapeau dans les chercheurs d'or de 49.

Le nom de Porky vient de Friz Freleng, à qui deux amis d'enfance et frères surnommés "Porky" et "Piggy" ont été rappelés et ont décidé d'assembler les deux noms. Joe Dougherty, le premier acteur vocal du studio à composer Porky. Joe a eu un bégaiement très prononcé et a forcé le réalisateur Freleng à prendre, prise après prise, un bégaiement incontrôlable. Le studio réalisa finalement le coût de production élevé des nombreuses heures de déchets, et remplaça Dougherty par Mel Blanc en 1937. À cette époque, le bégaiement était devenu tellement associé au personnage que Blanc fut invité à l'utiliser pour créer une comédie plus précise. effet plutôt qu'une harmonie générale. Porky est connu pour trébucher souvent sur de petits mots jusqu'à ce que le personnage trouve un substitut plus facilement prononçable, même si ce mot est beaucoup plus long et plus compliqué que l'original. La personnalité de Porky a également évolué, passant d’un personnage principal plutôt sobre à un cerveau acéré et réfléchi, comme on le verra plus tard avec Bugs Bunny, puis Daffy Duck, avant de devenir plus sérieuse et fâchée contre Sylvester dans les années 1950.

L'héritage de Porky se poursuit également avec sa ligne de signature «Th-th-that all folks!», Entendue à la fin des épisodes de Looney Tunes. Cette ligne était à l'origine parlée par un bouffon de la cour depuis le début des années 1930. Elle était également parlée à la fois par Bosko et Buddy, et même par Beans le chat avant que Porky n'arrive et se l'approprie. Fait intéressant, c’est le bégaiement qui a semblé rendre la ligne plus mémorable. Même la série soeur de Warner Bros. Merrie Melodies (qui avait toujours utilisé «So Long, Folks!» Pour fermer ses courts métrages) a changé pour la série plus accrocheuse Porky en 1936, après que des sondages d’opinion aient révélé que la plupart des gens y étaient associés. 1936 est également l'année de la première apparition en couleur de Porky grâce au tout nouveau procédé Technicolor à trois bandes et à l'introduction des désormais légendaires séquences de titres d'ouverture et de clôture.

Bugs Bunny

Produit: 30 août 1938 - 16 juin 1964.
Inspiration: Clark Gable (acteur) dans Ça s'est passé une nuit (1934)

Leon Schlesinger, qui connaissait un succès financier croissant avec Porky pig, était intéressé par l'introduction de nouveaux personnages dans leurs séries Looney Tunes et Merrie Melodies, à commencer par Daffy Duck et Elmer «Egg Head» Fudd en 1937. À peu près au même moment, Friz Freleng partit rejoindre MGM (bien qu'il revienne deux ans plus tard) et son remplaçant en tant que directeur est tombé à Cal Dalton, un homme inexpérimenté. Le croquis original de Cals pour Happy Wabbit (plus tard Bugs) montre un personnage beaucoup moins défini avec un nez saillant plus long et une queue de boule de coton moelleuse, et très différent de la figure que nous voyons aujourd'hui. La première apparition de Happy dans Hare Hunt de Porky, publiée le 30 avril 1938, a permis à Porky, un homme bien établi, de rencontrer un lapin fou de balle, dans un scénario presque identique à celui de Dork Hunt, le dessin de 1937 de Porky, dans lequel Daffy Duck a été introduit.Le film a été co-réalisé par Ben 'Bugs' Hardaway, qui développera le personnage avec Bob Clampett et Tex Avery au cours des prochaines années afin de perfectionner le look et la personnalité du personnage. Sa voix haute et son rire martelé ont été sauvegardés pour le personnage suivant des studios Woody Woodpecker, qui est apparu en 1940, donnant aux producteurs une ardoise vierge sur laquelle ils pourraient travailler. Avery a préféré s'éloigner de la personnalité hyper-maniaque de Daffy pour adopter un personnage plus détendu et plus réfléchi, avec une allure stylée et capable de tout emporter, comme Clark Gable dans It Happened One Night.

Un lièvre sauvage, réalisé par Tex Avery et sorti le 27 juillet 1940, est le fruit de tout le travail accompli: présentation du personnage de Bob Clampett presque complètement redessiné, le tout récemment renommé Bugs Bunny; avec Elmer Fudd entièrement redessiné et entièrement formé. La caricature est aussi la première dans laquelle Mel Blanc utilise ce qui allait devenir la voix standard de Bugs, ainsi que la première fois que Bugs utilise son slogan «What's up, Doc?", Une ligne écrite par le réalisateur Tex Avery pour sa première Bugs Bunny court. Avery a déclaré qu'il avait repris l'expression au cours de sa jeunesse au Texas, où le terme était devenu incroyablement commun. Selon Chuck Jones, Friz Freleng et Bob Clampett, la position debout nonchalante de Bugs Bunny pour mâcher des carottes a pour origine une scène dans It Happened One Night alors que Clark Gable se penchait sur une clôture tout en mâchant rapidement des carottes crues et en discutant avec la bouche pleine. La personnalité de Bugs qui parle vite, qui sait "tout savoir" vient également du même film dans lequel Gable tente de faire rapidement son chemin dans le cœur de Claudette Colbert. Le nom "Bugs" a été choisi comme une référence à la nature folle et obsédante des lapins. Sa voix "est un mélange égal d'accent du Bronx et de Brooklyn" selon Mel Blanc, qui a développé la voix en harmonie avec le personnage de Gable (né à New York). Le lieu de naissance des insectes est noté comme suit: Brooklyn, New York dans un labyrinthe sous Ebbets Field, domicile des Brooklyn Dodgers - né le 27 juillet 1940.

Tex Avery et Chuck Jones développeront ensuite le personnage pendant de nombreuses années, tandis que Bugs gagnerait et perdrait du poids, de la taille et de la définition au fil des années. Sa personnalité - une fois également inspirée de Groucho Marx (Bugs est connu pour utiliser la phrase «Bien sûr que vous comprenez que cela signifie guerre!» »Du film de Marx Bros., Duck Soup (1933), est souvent vue comme imitant Groucho), Plus tard, atténué pour devenir moins "ennuyeux lapin" et plus d'un personnage axé sur les idées, envoyant d'autres personnages "fous" plutôt que le lapin lui-même. Il a joué dans 167 courts métrages d’animation théâtraux pour les séries Looney Tunes et Merrie Melodies jusqu’en juin 1964, date à laquelle le personnage a pris sa retraite, avant de réapparaître dans les années 1980 et 1990 dans plusieurs émissions spéciales uniques, une première dans Who Framed Roger Rabbit (1988). ) et opposé à Michael Jordan dans Space Jam (1996).

Tom et Jerry

Première production: 10 février 1940 - 1er août 1958.
Inspiration: Première Guerre Mondiale / Seconde Guerre Mondiale

William Hanna et Joseph Barbera faisaient partie de l'unité de production cinématographique de Rudolf Ising dans les studios de dessins animés MGM à la fin des années 1930. MGM espérait devenir des rivaux des sociétés bien établies Leon Schlesinger Productions (sous Warner Brothers) et Max Fleischer Studios (avec Paramount Pictures) et tirer parti de l’intérêt récemment redécouvert pour les courts métrages d’animation. Bien qu’ils aient acquis Friz Freleng de Schlesinger Productions, leur premier projet intitulé The Captain and the Kids s’est très mal déroulé et le studio a été contraint de rationaliser son département afin de réduire les coûts. Joseph Barbera, un scénariste et compositeur de personnages, a été associé à William Hanna, un directeur de production, dans l'espoir que travailler si étroitement ensemble se révélerait plus rentable. Lors de leur première réunion de production, Barbera leur a suggéré d'essayer un scénario avec le chat et la souris. Ils ont ensuite esquissé les personnages dont ils auraient besoin pour produire Puss Gets The Boot, publié le 10 février 1940.

Dans des interviews, Joe Barbera a ensuite déclaré: «Nous savions que nous avions besoin de deux personnages. Nous pensions avoir besoin de conflits, de poursuites et d'actions. Et un chat après une souris semblait être une bonne idée de base. »L’histoire originale tournait autour d’un chat domestique à poil court, bleu et blanc, nommé Jasper, qui tentait d’attraper une souris domestique nommée Jinx tout en évitant la femme de chambre afro-américaine Mammy (qui deviendrait plus tard le propriétaire de Tom). Jasper était alors perçu comme un quadrupède et possédait une intelligence de chat normale, contrastant avec Jinx qui était bipède et qui avait une intelligence plus humaine. À eux deux, ils casseraient des objets et endommageraient les meubles de la maison jusqu'à ce que le chat soit littéralement jeté à la poubelle, laissant Jerry libre de continuer à sa guise. Pourtant, ce match apparemment insouciant avait un côté obscur dans la mesure où il était censé également renforcer le moral des civils pendant la Seconde Guerre mondiale. Le 10 février 1940 coïncidait également avec le début de la bataille d'Angleterre, lorsque des chasseurs allemands attaquèrent un convoi au large des côtes de Douvres. L'Amérique n'était pas officiellement en guerre à ce stade, bien que le soutien aux «Tommys» britanniques ait été fort parmi les Américains. D'une manière ou d'une autre, l'histoire du chat et de la souris avait frappé une corde.

Ignorant cela, Hanna et Barbera continuent à réaliser de nouveaux courts métrages tels que Gallopin 'Gals (1940) et Officer Pooch (1941) et oublient presque leurs personnages de chat et de souris. Jusqu'à ce que Puss Gets The Boot perde de justesse un Oscar à The Milky Way (1940) - une autre production de Rudolph Ising - pour le meilleur court métrage: Cartoons of 1941. Les sceptiques de MGM sont immédiatement réduits au silence, et Fred Quimby, directeur de la production de Le studio d’animation MGM a rapidement retiré la paire de leurs projets actuels et a remis le chat et la souris en production.Les premières choses à changer étaient les noms des personnages. Dans le livre «Tom et Jerry: Le guide définitif de leurs aventures animées», Patrick Brion se souvient d'un concours en studio visant à nommer la paire en tirant les suggestions d'un chapeau. L'animateur John Carr a gagné 50 $ pour sa suggestion de les nommer Tom et Jerry. La suggestion de Carr découlait de deux idées: premièrement, un chat devrait être nommé Tom en raison de son association avec le tomcat en tant que race de chat. Deuxièmement, parce que les singeries guerrières entre les deux personnages lui rappelaient les combats des Tommies et des Jerries au cours de la Première Guerre mondiale - une situation qui s’était récemment répétée.

The Midnight Snack est leur prochain court métrage le 19 juillet 1941, date à laquelle Winston Churchill lance sa campagne «V for Victory». Les personnages apparaîtront ensuite dans quatre ou cinq courts métrages par an, soit un total de 114 films au moment de la fermeture du studio de dessin animé MGM en 1957, les derniers dessins animés étant sortis en 1958. Cela a permis à Hanna et Barbera de lancer leur propre animation studio (maintenant principalement destiné aux courts métrages à petit budget) appelé Hanna-Barbera Productions Inc. en 1957, bien qu'il faille attendre quelque temps avant que le studio ne gagne de l'argent. MGM a conservé la licence Tom and Jerry et a décidé, au début des années 1960, de faire revivre la série au studio Rembrandt Films, basé à Prague, avec l'animateur Gene Deitch et produit par le propriétaire de l'entreprise, William L. Snyder. La Tchécoslovaquie était un choix très controversé étant donné qu'elle se cachait derrière le rideau de fer, que la guerre froide était à son comble et que la crise des missiles cubains s'était produite pendant la production. Samuel Goldwyn et Louis B. Mayer étaient tous deux d'Europe de l'Est, originaires respectivement de Varsovie et de Minsk.

Corne de brume Livourne

Produit: 31 août 1946 - 29 juin 1963.
Inspiration: Kenny Delmar (Acteur) dans le rôle du sénateur Beauregard Claghorn

Kenny Delmar est apparu pour la première fois en tant que Sénateur Beauregard Claghorn dans le segment «Allen's Alley» de The Fred Allen Show de NBC Radio le 5 octobre 1945, où il a dépeint un homme d’affaires du Sud de Charleston, en Caroline du Sud, scandaleux et scandaleux. Claghorn était obsédé par toutes les choses du Sud et plaisantait souvent en affirmant que le Sud était meilleur que le Nord pour diverses raisons. Ses slogans sont rapidement devenus célèbres, tels que «C'est une blague, mon fils!» Et «Fais attention, mon garçon!» Et le sénateur insérait souvent «Ah dis» et «C'est…» au milieu et à la fin des phrases. . Claghorn a rapidement été parodié dans d'autres émissions, notamment en devenant un long métrage de l'émission de télévision Jack Benny. Après la fermeture du Fred Allen Show en 1945, Delmar a continué à incarner Claghorn dans deux films à succès, un film intitulé It's a Joke. Fils! (1947) co-vedette avec Una Merkel dans le rôle de Mme Claghorn, et enfin dans un épisode de la série Four Star Revue en 1953. Kenny Delmar s'est lentement perdu dans l'obscurité après sa période du Sénateur Claghorn et son film de 1947 est maintenant dans le domaine public.

En 1944, Leon Schlesinger vend son studio à Warner Bros. Robert McKimson, qui deviendra l'animateur en chef à la fin des années 30 (un rôle qu'il trouva assez écrasant), avait d'abord refusé un poste de réalisateur de Schlesinger en 1937, estimant que ce poste serait loin trop difficile. Le travail est allé à Chuck Jones à la place. Il changea d'avis en 1945 après le départ de Warner Bros. de Frank Tashlin (directeur) et de Bob Clampett (animateur), forçant la dernière équipe à se fusionner et à lutter. À ce moment-là, le studio avait en grande partie quitté Porky, Daffy et Bugs, et un nouveau personnage, «Tweety», était tout ce qu'il y avait à leur disposition. Alors qu'ils continuaient à développer un chat nommé Willoughby - qui devint plus tard Sylvester - le méchant de Tweety, ils avaient également besoin d'un nouvel ensemble de personnages pour prendre le relais. Robert McKimson a réalisé quelques croquis pour son premier projet de metteur en scène, qui tournait autour d’un coq de ferme à la bouche forte. La conception initiale du personnage a été raffinée par Cal Dalton et le très populaire Mel Blanc est venu faire la voix.

Selon McKimson, la voix du coq blabbermouth provenait de deux sources: d'un personnage de shérif malentendant dans une émission de radio intitulée Blue Monday Jamboree des années 1930, et principalement du personnage de Clmarorn du Fred Allen Show de Delmar - complet avec même poitrine gonflée, sa promenade et ses slogans. Le nom du personnage se décline également en deux parties. Premièrement, Claghorn a été changé en Foghorn pour souligner le fait que le personnage parle très directement et très fort (comme Claghorn). Deuxièmement, il a ajouté «Leghorn», une race de poulet.

Walky Talky Hawky est apparu le 31 août 1946 - le premier de 28 dessins humoristiques mettant en vedette le personnage de Foghorn Leghorn jusqu'à la retraite de Livourne. Banty Raids marquait sa dernière apparition le 29 juin 1963. À ce moment-là, les concepteurs avaient créé Yosemite Sam, Speedy, Wile. E. Coyote et le Road Runner, et ces personnages arrivaient également à la fin de leur production, un tout nouveau Marvin the Martian faisant sa première apparition quatre mois plus tard. Le studio lutta encore trois années jusqu'à ce que la division d'animation de Warner Bros. soit fermée à la fin de 1966, forçant McKimson à quitter le navire pour rejoindre son ancien associé Friz Freleng et David H. DePatie (producteur du studio Warners). ) aux entreprises nouvellement lancées DePatie-Freleng. McKimson est revenu brièvement chez Warners lorsque le studio d’animation a été rouvert sous la bannière «Seven Arts» en 1967, jusqu’à sa fermeture définitive le 20 septembre 1969, Injun Trouble (réalisé par Robert McKimson) devenant le dernier Merrie Melodies / Looney Toons. dessin animé.McKimson a choisi de retourner à DePatie-Freleng, où il a dirigé notamment le spectacle The Pink Panther Show, avant de mourir d'une crise cardiaque en 1977.

Les Flintstone

Produit: 30 septembre 1960 - 1er avril 1966.
Inspiration: L'émission de télévision Honeymooners (1955-56)

The Honeymooners était une sitcom américaine du milieu des années 50 sur quatre personnages étranges dans un immeuble de Brooklyn. Le mari Ralph (joué par Jackie Gleason) était un chauffeur de bus dont les manœuvres folles de s'enrichir rapidement ont consterné son épouse Alice Kramden (Audrey Meadows), qui a toujours été rapide pour le dénigrer et souligner la futilité des projets de Ralph. Ed, un ouvrier des égouts de New York, et son épouse Trixie, la meilleure amie d'Alice, vivaient dans un appartement adjacent. Quand Ralph se fâche et ignore le conseil d'Alice, il disait souvent: «Un de ces jours… prisonnier de guerre !!! En plein kisser! »Qui est devenu un slogan national et le spectacle a connu un succès retentissant.

Pendant ce temps, William Hanna et Joseph Barbera essayaient toujours de payer les factures de Hanna-Barbera Productions Inc après la scission de MGM en 1957. Maintenant privés de leur 600 000 $ par an (35 000 $ par dessin animé de sept minutes), ils avaient pris leur à la télévision - d’abord avec The Ruff and Ready Show, puis avec The Huckleberry Hound Show et The Quick Draw McGraw Show, avec une gamme d’animations limitées beaucoup moins sophistiquée et un budget de 3 000 $ seulement par bande dessinée de cinq minutes. En dépit de certains problèmes de contrôle de la qualité, le studio était de plus en plus connu sous le nom de King of Saturday Morning Cartoons, mais il lui manquait toujours un succès énorme pour rivaliser avec leurs beaux jours, Tom et Jerry. Joseph Barbera a travaillé sur un certain nombre de nouveaux modèles de personnages, qui ont presque tous été rejetés. Finalement, il a eu l’idée de fonder une sitcom sur deux amoureux enchevêtrés (et leur fils, Fred Jnr.) Dans le même style que The Honeymooners. Barbera a déclaré lors d'une interview: «À cette époque, The Honeymooners était l'émission la plus populaire à la télévision. Les personnages étaient géniaux. Cela a beaucoup influencé ce que nous avons fait avec les Flintstones. »La personnalité de Fred était d'associer Ralph Kramden de The Honeymooners et Chester A. Riley de The Life of Riley (également à l'origine interprété par Jackie Gleason) en tant que figure obstinée de la famille. . Wilma Flintstone était également une imitation directe d’Alice Kramdem - avec des réprimandes condescendantes et un flair pour dépenser l’argent de Fred. Barney et Betty Rubble ont été ajoutés plus tard et ont conservé une grande partie de la chimie des «meilleurs amis» de The Honeymooners, et ont été les fleurons des Flintstones. Mel Blanc a été choisi pour faire la voix de Barney.

Le spectacle passerait par un grand nombre de modifications de conception avant que le concept final soit atteint. Initialement, les personnages ont été modelés en Hillbillies, Ancient Romans, Pilgrims, puis en Indiens d'Amérique avant de s'installer dans la famille Stone Age. Cela s’explique en partie par le fait qu’ils estimaient que les gadgets et gizmos modernes pouvaient facilement être transférés dans le format de la civilisation ancienne (par exemple, les becs d’oiseaux pour les pinces à linge, les aspirateurs comme les aspirateurs) et qu’ils pouvaient donc installer un grand par ici. Le nom de l'émission s'appelait à l'origine "The Flagstones", mais il a été remplacé par "The Gladstones" pour des raisons de droit d'auteur, puis enfin par les Flintstones. En fin de pré-production, il a également été décidé de laisser tomber Fred Jnr. de la distribution pour se concentrer davantage sur les personnages principaux, même si plusieurs bandes dessinées mettant en vedette Fred Jnr. avait déjà été produit.

Joe Barbera a raconté son histoire à un spectacle pilote pour les Flintstones et s'est dirigé vers New York pendant huit semaines épuisantes à vivre dans des valises et à reprendre la même routine audio / visuelle chaque jour. Alors qu'il jouait les scènes et jouait toutes les voix des personnages, il était souvent demandé à Barbera de présenter le spectacle comme une forme de divertissement léger et peu onéreux pour les commanditaires potentiels - même si aucun d'entre eux ne voulait acheter le spectacle. Après avoir lancé pendant sept semaines et six jours, avec parfois jusqu'à cinq lancers par jour, Barbera était au bord de l'épuisement et était prêt à abandonner et à rentrer en Californie pour abandonner toute cette idée. Sa dernière présentation a eu lieu à 9 heures du matin, dans sa chambre d'hôtel, lorsque Leonard Goldenson et Oliver Treyz de la chaîne de télévision ABC ont acheté l'émission en 15 minutes à peine. Joe Barbera a déclaré plus tard qu'il se réveillerait en sueur froide même plusieurs années plus tard, sachant que c'était le jour qui avait sauvé Hanna-Barbera.

Le premier épisode de The Flintstones a été diffusé le vendredi 30 septembre 1960 à 20 heures. Le lendemain, Variety l'appelait «Un désastre entre stylos et encres» et les critiques l'ont rapidement condamné. Néanmoins, les Flintstones ont innové à tous les égards, ce qui a finalement obligé les critiques à se calmer. Six ans plus tard, le «désastre» se poursuivait. Les cigarettes des deux premières saisons ont été co-sponsorisées par Winston et les personnages sont apparus dans plusieurs publicités télévisées en noir et blanc pour Winston, pratiquement les seuls personnages de dessins animés à avoir jamais fumé et encouragé à fumer à l'écran. The Flintstones est le premier spectacle d'animation américain à représenter deux personnes du sexe opposé dormant ensemble dans un lit, le premier spectacle d'animation à durer plus longtemps que deux saisons et le premier à montrer une grossesse lorsque Wilma est tombée enceinte dans l'épisode «The Surprise ”(25 janvier 1963) et une naissance (Peddles Flintstone) dans“ Dress Rehearsal ”(22 février 1963). Les producteurs ont ensuite relancé le Fred Jnr. Bamm-Bamm, l'enfant adopté par Barney et Betty, avec «Little Bamm-Bamm» (diffusé le 3 octobre 1963) - qui était également l'épisode 100.

Des courses farfelues

Produit: 14 septembre 1968 - 4 janvier 1969.
Inspiration: La grande course (1965).

The Great Race était un film comique mettant en vedette Jack Lemmon, un Tony Curtis sec, et un Natalie Wood courageux, et réalisé par Blake Edwards, qui avait déjà marqué des buts avec Breakfast at Tiffany (1961) et tout récemment The Pink Panther. (1963) et A Shot in the Dark (1964). L'histoire raconte une course de New York à Paris - le long chemin - et comprend les singeries folles du professeur Fate (Jack Lemmon) et de son acolyte Maximilian 'Max' Meen (Peter Falk) dans leur décapotable noir 'The Hannibal Twin- 8, 'alors qu'ils tentent de doubler The Great Leslie (Tony Curtis) dans le' Leslie Special 'en utilisant tous les moyens nécessaires. Il ne faudra pas longtemps pour que les autres pilotes se retrouvent sabotés hors de la course et laissent les héros affolés s'affronter face à face (même épaule contre épaule), jusqu'à ce qu'un Russe fou décide de gâcher tout leur plaisir.

Après The Flintstones, Hanna et Barbera sont retournés à la planche à dessin pour trouver une nouvelle inspiration. Ils ont trouvé leur muse avec les adaptations réussies de The Impossibles (1966), The Herculoids (1967) et les héros de Marvel Comics, The Fantastic Four (1967), avant de remonter dans les archives pour retrouver leurs notes sur The Great Race. De nombreux concepts avaient déjà été élaborés pour un projet éventuel de «Wacky Races» et, en 1968, ces plans étaient presque terminés. Les personnages principaux sont restés inchangés par rapport au film - le méchant Dick Dastardly et son compagnon Muttley étaient des copies conformes de Fate et Meen, Dastardly portant le même long manteau bleu avec capuchon et lunettes de protection, une moustache pour le guidon et une conduite presque identique. La voiture noire à «nez de fusée» s’appelle désormais «The Mean Machine 00» (Le Double Zéro) - avec des gadgets similaires. Muttley portait également le même chapeau et les mêmes lunettes que Peter Falk dans l’original. Dastardly a conservé de nombreux slogans de Lemmon comme Professeur Fate, tels que «Drat, drat et double drat !,», «Curses, foiled again!» Et son cri de désespoir habituel: «Muttley, fais quelque chose!». Peter Perfect prit la Le rôle de Curtis dans "The Turbo Terrific". Penelope Pitstop a remplacé Natalie Wood dans le «Compact Pussycat» - une voiture rose très rappelant la White 'Leslie Special' - ainsi que The Slag Brothers dans 'The Bouldermobile,' Rufus Ruffcut et Sawtooth dans 'The Buzzwagon', et le sergent Blast et Private Doucement dans 'The Army Surplus Special' pour remplacer des personnages similaires du film. Daws Butler et Don Messick ont été invités à jouer les voix masculines, avec Paul Winchell dans Dastardly et Janet Waldo dans Penelope Pitstop.

L'émission a été diffusée en septembre 1968 sur le réseau CBS sur une petite fanfare et a duré 17 saisons. Penelope Pitstop et Ant Hill Mob ont été réunis en 1969 dans leur propre série de dessins intitulée The Perils of Penelope Pitstop. La même année, Dastardly et Muttley ont leur propre série intitulée Dastardly et Muttley dans leur film "Flying Machines" (parfois surnommé à tort "Flying Machines"). Stop The Pigeon 'après que le titre de travail de la série ait été changé une fois le thème musical terminé). Les deux spectacles ont duré deux saisons. Puis en 1976, The Mumbly Cartoon Show est apparu, inspiré de Muttley de Wacky Races (et toujours exprimé par Don Messick), mais cette fois considéré comme un détective et vêtu d’un long manteau. L'année suivante, Dread Baron est apparu dans le dessin animé de Laff-A-Lympics, toujours exprimé par Paul Winchell et à nouveau presque identique à celui de Dick Dastardly, à l'exception de quelques modifications esthétiques. Dread Baron et Mumbly continueront à apparaître au cours des années suivantes jusqu'à ce que Dastardly et Muttley reviennent brièvement dans la chasse au trésor de Yogi de la série de 1985, mais sont étrangement remplacés par Dread Baron et Mumbly pour la saison suivante. Les Slag Brothers de Wacky Races ont également été mis à jour en 1977 et transformés en capitaine Caveman pour les séries Captain Caveman et Teen Angels.

Il est à noter que Peter Falk, qui est apparu comme l'inspiration originale de Muttley / Mumbly, allait utiliser ces mêmes personnages pour inspirer sa propre création: Frank Columbo dans la série à succès «Columbo» (1968-2003). À Columbo, Falk portait un trench-coat similaire à Mumbly, marchait avec le même penchant, conduisait de vieilles voitures en panne, et avait généralement le même style et les mêmes schémas vocaux satiriques que Mumbly, murmurant souvent des mots sous son souffle et se parlant à lui-même. . En outre, Mumbly et Columbo étaient tous deux des détectives de police et avaient tous deux des éclats de rire - dans le cas de Columbo, ils avaient fumé des cigares.

Scooby Doo

Produit: 13 septembre 1969 - Présent.
Inspiration: la série télévisée Archies (1968-69)

En 1967, des organisations dirigées par des parents, telles que Action for Children's Television (ACT), ont commencé à manifester contre ce qu’ils considéraient comme une tendance croissante à la violence dans les caricatures du samedi matin. Ils ont notamment cité les principaux auteurs d'infractions comme celles de Jonny Quest, Space Ghost et The Herculoids, de Hanna-Barbera, et ont fait pression sur les studios pour les remplacer. En conséquence, Hanna-Barbera a commencé en 1969, la plupart de ses émissions ayant été annulées, des membres de certains de ces groupes de pression ayant été installés pour surveiller toutes les productions ultérieures. Fred Silvermann, responsable de la programmation pour enfants sur CBS, a compris la nécessité de revitaliser les dessins animés du samedi matin et a commandé The Archie Show, basé sur le comique humoristique pour adolescents "De Archie" de Bob Montana, et était avant tout un sitcom sur un groupe de pop tente d'obtenir une reconnaissance de la même manière que l'émission télévisée The Monkeys - qui n'avait cessé de produire que l'année précédente. Le spectacle a été un succès et a engendré de nombreux tubes tels que «Sugar, Sugar», qui a été le hit le plus titré du Billboard en 1969.Les Archies ont eu lieu du 14 septembre 1968 au 30 août 1969 et mènent directement à: Sabrina, la sorcière adolescente (1971-1974) et aux Groovie Goolies (1971-1972). La série a été créée par Filmation, une société qui avait déjà connu un certain succès avec les dessins animés de Superman en 1966 et qui connaitrait un succès croissant dans les années 1980.

Après The Archie Show, Fred Silverman a contacté William Hanna et Joseph Barbera avec l’idée de créer un «spectacle mystère» mettant en scène cinq enfants fous d’un groupe de rock adolescent et leurs efforts pour résoudre les mystères et déjouer les crimes. Le travail de conception du spectacle a été confié aux scénaristes Joe Ruby et Ken Spears et à l'artiste Iwao Takamoto, dont les conceptions initiales ont été rejetées par Silverman, qui a estimé que l'intrigue devenait «trop effrayante» et craignait une réaction des divers groupes d'action du temps. Pour rendre le concept moins effrayant, Joe Barbera a eu l’idée d’inclure un chien en tant que personnage principal et de faire l’aluminium pour le spectacle - de la même manière que Muttley avait été utilisé dans les Wacky Races. Dans le second concept, le titre de travail a été changé pour «Mysteries Five» (mystères cinq) et comportait: Geoff, Mike, Kelly, Linda, le frère de Linda, «WW», et leur chien, un grand danois nommé «Too Much» - qui étaient tous membres d'un groupe de rock appelé Mysteries Five. Le projet a néanmoins été rejeté par Silverman, qui a exercé une influence encore plus grande sur le troisième projet. Maintenant appelé Who's S-S-Scared, et sans une grande partie du groupe rock, Geoff et Mike ont été fusionnés pour former un personnage appelé Ronnie, qui a été renommé plus tard en Fred Jones à la demande de Silverman, qui a dépeint le petit ami obscur de la série. Kelly a été renommée Daphne Blake, la séduisante petite amie de Fred. Linda s'appelait maintenant Velma Dinkley, la cervelle de la tenue qui rassemblait les indices. "W.W" a été rebaptisé Norville "Shaggy" Rogers et n'était plus le frère de Velma, mais était désormais un personnage plus hippie qui correspondait aux sentiments de libre pensée de la fin des années 1960.

En 1969, le concept du spectacle passait à la révision n ° 4 et, à présent que les conceptions étaient presque terminées, il était temps de mettre en œuvre les personnalités et les attributs des personnages. Cela a été inspiré par une précédente émission de CBS intitulée The Many Loves of Dobie Gillis (1959-1963), où Fred était basé sur Dobie, Velma sur Zelda, Daphne sur Thalia et Shaggy sur Maynard, ainsi que divers éléments d'Enid. Blyton's Famous Five. Shaggy et Too Much ont été développés en tant que types lâches, avec la même capacité à "manger n'importe quoi, à tout moment", partagés par Muttley lors de Wacky Races. Don Messick a été invité à exprimer Too Much, avec le légendaire DJ et animateur Casey Kasem comme voix de Shaggy et avec Nicole Jaffe comme voix de Velma Dinkley. Tard dans la production finale, et après avoir entendu «Strangers In The Night» (1966) de Frank Sinatra à la radio du studio, Fred Silverman est tombé amoureux du morceau de «doo-be-doo-be-doo» à la fin de la chanson et a changé le nom du chien en «Scooby-Doo» et le titre du spectacle en Scooby-Doo, «Où es-tu! Le produit final a été diffusé pour la première fois le 13 septembre 1969 et a duré deux saisons sur CBS avant de changer de chaîne pour neuf saisons sur ABC, avec des émissions dérivées diffusées dans les années 1980 et une tentative de renaissance dans les années 2000.

Homme

Produit: 5 septembre 1983 - 15 décembre 1984.
Inspiration: Conan and Barbarian (Personnage) (1932-Présent)

Conan the Barbarian était une série fantastique populaire écrite pour la première fois par Robert E. Howard en 1932 et publiée dans le magazine Weird Tales. Conan était célèbre pour sa taille importante et ses muscles remarquables, rappelant le super-héros 'Superman' apparu pour la première fois dans les bandes dessinées de DC cette même année. Mattel (qui avait récemment rejeté l'offre de George Lucas de produire des figurines d'action pour la série Star Wars) souhaitait une nouvelle ligne de personnages pour les sauver de la ruine financière. La tâche a été confiée à Roger Sweet, concepteur principal du département de conception préliminaire de Mattel, qui a collé le torse de l'un des personnages de Bigel de Mattel dans une pose «d'action» et ajouté beaucoup d'argile pour le protéger. Il fit ensuite fabriquer des moulages en plâtre et créa trois prototypes prêts à être approuvés au début des années 1980. Dans les entretiens, Sweet déclara plus tard: «C’était un personnage puissant qui pouvait être emporté n’importe où et placé dans n’importe quel contexte car il avait un nom générique: He-Man! Les prototypes représentant He-Man comme un soldat, un astronaute et un barbare, et parmi les trois concepts, la version barbare a été choisie. Le prototype de la première étape était très différent du résultat final: He-Man aux cheveux noirs, une peau profondément bronzée et un casque. Vers la même époque, en 1980, CPI (qui détenait la licence de Conan the Barbarian) a entamé des pourparlers afin de permettre à Mattel de produire des personnages sous licence officielle de Conan The Barbarian. Les discussions se poursuivraient pendant plusieurs mois, laissant Conan dans les limbes alors que He-Man continuait à se développer.

En 1981, Tom Kalinske, directeur et designer chez Mattel, a affiné l'idée de sorte que He-Man arborait désormais une tête sans casque avec des cheveux blonds (plus amical que le noir) et une peau beaucoup plus claire. Mattel a ensuite engagé des auteurs de bandes dessinées et des artistes tels que Donald F. Glut et Earl Norem pour créer les personnages supplémentaires et le récit dont ils avaient besoin pour étoffer la série et pour produire des affiches, des incrustations de paquets, des boîtes à lettres et des mini-bandes dessinées. pour la distribution avec les figurines. En juillet 1981, CPI accorda à Mattel le droit de reproduire des figurines en plastique de Conan The Barbarian, mais six mois plus tard seulement, en janvier 1982, Mattel demanda la résiliation du contrat de licence.He-Man est apparu en février 1982 avec un grand succès, permettant à la série «Masters of the Universe» de devenir une marque universellement reconnue. En mai 1982, Conan the Barbarian (avec Arnold Schwarzenegger) a été libéré dans les cinémas. À ce moment, CPI a tenté de poursuivre Mattel en justice pour son "étrange ressemblance" avec Conan. ressemblant fortement au personnage de Conan) étant relâché par erreur. CPI a finalement perdu la cause et Mattel a conservé les droits de He-man.

C'est à ce moment-là que Filmation Studios a été chargé de produire les séries télévisées He-Man et Les Maîtres de l'univers, et a reçu les bases d'un scénario à partir duquel travailler. À ce jour, He-Man était connu comme «un barbare appartenant à une tribu éternienne», qui devait protéger le château de Grayskull du méchant seigneur Skeletor qui brandissait une moitié d'une épée de pouvoir magique, He-Man possédant l'autre moitié. Quand ces épées seraient placées ensemble, elles formeraient une "super" arme et celui qui contrôlait les deux armes serait le maître de l'Univers. Les concepteurs de Filmation ont ajouté plusieurs concepts supplémentaires à l'histoire. Il était maintenant "Prince Adam" (fils du roi Randor et de la reine Marlena) et son animal de compagnie était un tigre vert lâche appelé Cringer qui se transformerait en un coursier blindé appelé Battle Cat par l'utilisation de la magie. Teela a été ajoutée et était la fille de la sorcière de Castle Grayskull et Man-At-Arms (Duncan) a été incluse pour un meilleur équilibre des bons et des mauvais personnages. Mattel et Filmation ont pris séparément le produit final et ont présenté l’idée au réseau ABC, qui l’a refusé et n’a accepté de le commercialiser que si les producteurs acceptaient de donner la série gratuitement en échange de revenus publicitaires pendant la syndication (connue sous le nom de troc syndication), autorisant la diffusion de la première émission le 5 septembre 1983. En 1984, He-Man était diffusé sur 120 chaînes de télévision américaines et dans plus de 30 pays. L'origine de la franchise reste encore secrète, même si, compte tenu du fait que le personnage de Conan a été créé 50 ans plus tôt, est une réplique visuelle de He-Man, et que Mattel travaillait depuis le début à la sécuriser, il est difficile d'imaginer comment Conan n'aurait pas pu être l'idée initiale de la graine pour He-Man. Filmation a ensuite créé She-Ra: Princesse du pouvoir (1985-1987), The Original Ghostbusters (1986-1988) et Bravestarr (1987-1988), avant la fermeture du studio en 1988.

Les Simpsons

Produit: 17 décembre 1989 - présent.
Inspirations: Homer Simpson (Personnage) dans le livre “Le jour du sauterelle” (1939)
et Ken Osmond (acteur) dans le rôle d'Eddie Haskell dans la série télévisée «Leave to Beaver» (1957-1963)

La vie en enfer a commencé en 1977 en tant que bande dessinée auto-publiée, écrite et produite par Matt Groening. Elle racontait la vie à Los Angeles et les choses que Groening a rencontrées à l'école, au travail, dans une succession de travaux déloyaux et dans sa vie privée. relations amoureuses. La série a attiré l'attention de James L. Brooks, qui a demandé à Groening de créer des «bumpers» (raccourcis-ponts) servant de sketches pour le Tracey Ullman Show. Pendant qu'il attendait l'entrevue à la réception du bureau de Brooks, Groening a esquissé un certain nombre de concepts de base qui allaient devenir la base de The Simpsons. Il entra dans le bureau, présenta ses dessins d'une dizaine de minutes et reçut la commission.

Il a nommé les personnages d'après des membres de sa propre famille, son père Homer, sa mère Marge et sa soeur Lisa, et s'est substitué à Bart. Les maniérismes d'Homère étaient beaucoup moins inspirés par son père (qui, de l'avis de tous, était un homme très intelligent), mais plutôt basé sur (d'après Matt Groening lui-même) le roman de Nathanael West de 1939, «Le jour de la sauterelle», qui Homer Simpson, un personnage «éternel» désespérément maladroit et désaffecté. Le second prénom d'Homers, «J», est simplement la lettre J et constitue un hommage au «J» de Bullwinkle J. Moose et Rocket J. Squirrel de The Rocky and Bullwinkle Show et de son créateur Jay Ward. Bart Simpson a été nommé en tant qu'anagramme de «morveux», et le frère aîné de Groening, Mark, a été à l'origine de l'inspiration précoce de l'attitude de Bart. Le personnage était supposé suivre le stéréotype typique de l'enfant se conduisant mal avec quelques traits de Tom Sawyer et de Huckleberry Finn. Dans les interviews, Matt a également déclaré qu'une des idées initiales de Bart était venue alors qu'il envisageait: "Que se passerait-il si Eddie Haskell Laisser à Beaver] son propre spectacle?

Toute la famille Simpson a été conçue pour pouvoir être dessinée très rapidement, permettant ainsi au budget souvent serré d’aller plus loin et d’être reconnaissable en silhouette à ce que les fonctionnalités soient facilement reconnaissables. Lorsqu’il a conçu les cheveux d’Homers, il a tout d’abord dessiné ses initiales, «M» pour les cheveux et «G» pour Homers - s’attendant à ce que l’équipe de production nettoie les cheveux pour l’illustration finale. Ils ne l’ont pas fait et ont simplement tracé les contours de Groening, de sorte que les initiales de Matt Groening restent encore sur le dernier personnage à ce jour. Les cheveux de Marge sont inspirés de l'emblématique coiffure Elsa Lanchester, telle que la portait la mariée de Frankenstein (1935), et d'un style similaire porté par Margaret Groening dans les années 1960. Les cheveux de Lisa étaient initialement une grappe de lignes de cheveux dessinées à la main, mais ils ont été modifiés pour adopter le motif plus simple «cheveux hexagonaux» avant l'épisode pilote. Les derniers traits de caractère résultent des voix et des idées de l’équipe de voix-off, notamment Nancy Cartwright en tant que voix de Bart et Dan Castellaneta en tant que voix d’Homère.

Le 19 avril 1987, le premier court métrage des Simpson apparaissait dans l’émission Tracey Ullman, suivi de trois autres saisons, avec la première série complète d’épisodes d’une demi-heure, le 17 décembre 1989.Jusqu'à présent, l'émission est toujours en ondes après 508 épisodes et est considérée comme la série d'animation la plus ancienne (et, de manière discutable, la plus populaire) de tous les temps. En 1992, Tracey Ullman intenta une action en justice contre Fox, affirmant que son émission était à l'origine du succès retentissant de la série. La demande pour une partie des bénéfices des spectacles a été rejetée et rejetée par les tribunaux.

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