10 films musicaux avec une différence

J'aime les comédies musicales Là. Je l'ai dit Et cela fait peut-être de moi l'une des âmes les plus rares du monde, car les comédies musicales sont de moins en moins populaires (et de moins en moins courantes) depuis les années 1960. Ces derniers temps, les comédies musicales se sont presque complètement limitées aux théâtres. Quelque chose, je suis sûr que vous êtes tous profondément affligés.

Ceux qui sont convertis au cinéma sont souvent souvent complètement incapables de porter le poids d'une comédie musicale sur scène ou de traduire le mélodrame en quelque chose auquel le public peut s'identifier. Cela a conduit à de nombreux échecs: The Producers (2004), Le Fantôme de l'Opéra (2005) et RENT (2005) pour ne citer que les plus connus. J'ai apprécié ces trois films, mais plus en raison d'un parti pris enraciné, que parce qu'ils étaient de bons exemples de ce qu'un musicien devrait ou pourrait être.

Par conséquent, ils ne figurent pas sur cette liste. Vous trouverez ci-dessous des exemples de comédies musicales de films qui ont redonné vie à une ancienne forme de divertissement ou qui sont tout simplement parmi les meilleurs exemples de théâtre musical jamais présentés à l’écran. Ils ont été salués par la critique et le public, certains attirant même le buzz des Oscars (et certains exécutant l'Oscar lui-même), et dureront et resteront gravés dans les mémoires dans dix, vingt et même cinquante ans. N'oubliez pas de retenir vos applaudissements jusqu'à la fin.

10

Chantons sous la pluie 1952

Sorti en 1952, au milieu de ce que l’on surnomme souvent «l’âge d’or des comédies musicales», Singin 'in the Rain est l’un des exemples les plus durables du cinéma musical. Avec Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen et un caméo court mais extraordinaire de Cyd Charisse, cette comédie musicale présente certaines des plus grandes danses de son temps. Non seulement cela, mais il se vante peut-être l'une des scènes les plus reconnaissables dans le cinéma à ce jour. Il a été nominé pour deux Oscars, dont celui de la meilleure actrice dans un second rôle pour la performance de Jean Hagen dans le rôle de la maigre Lena Lamont.

Il raconte l'histoire de la naissance de "talkies" (ou images parlantes) en Amérique. L’année est 1927, et le chanteur de jazz est devenu un succès fou en tant que premier film à présenter ses acteurs chantant et parlant. Don Lockwood (Gene Kelly) est la star de Monumental Pictures et a produit des succès avec son horrible co-star Lena Lamont depuis sa découverte en studio, alors qu'il n'était qu'un humble cascadeur. Faire un talkie-walkie ne serait pas une tâche si difficile sans le manque total de talent ou de grâce de Lena à l'écran, maintenant que l'ajout impitoyable du son a révélé sa pire qualité.

Scène mémorable: Bien que la danse sous la pluie de Gene Kelly soit fantastique, il y a beaucoup d'autres performances brillantes. Il est impossible de négliger Cyd Charisse dans le rôle d'une danseuse sans nom dans le montage de «Broadway Melody». Elle séduit le personnage de Gene Kelly avant de lui briser le cœur, et le public en est indéniablement certain, même s’il n’ya pas de phrase. Son numéro de danse séduisant et séduisant dans une robe vert émeraude est presque risqué.

9

Les messieurs préfèrent les blondes 1953

http://www.youtube.com/watch?v=8ZRs__rmYMc&feature=youtu.be

Cette comédie musicale rencontra un vif succès au box-office après sa sortie en 1953, mais cinquante-huit ans plus tard, la performance de Marilyn dans le rôle de Lorelei, une show-girl chercheuse d'or, est toujours très populaire et célèbre. Principalement grâce à la scène dans laquelle elle chante «Les meilleurs amis d'une fille», tout en portant sa robe rose emblématique. La comédie musicale possède également une autre sex-symbol, bien que moins connue, Jane Russell, décédée plus tôt cette année.

Le film regorge presque de sex-appeal, de costumes spectaculaires et de numéros musicaux. Il a été largement célébré, pas seulement pour ces raisons, mais parce que cela a renforcé le statut de star de Marilyn. Avant Gentlemen Prefer Blondes, elle était considérée comme une actrice relativement petite, qui n'était pas à égalité avec les autres symboles du sexe tels que Jane Russell et Betty Grable. Après, cependant, elle a explosé à la renommée mondiale.

Scène mémorable: Marilyn chante incontestablement «Les diamants sont les meilleurs amis des filles». Elle a rarement été aussi belle et semblait avoir un tel contrôle pendant un spectacle. Bien qu'elle ne soit ni danseuse ni chanteuse, elle rayonne de grâce (et déborde pratiquement de sex-appeal) et affiche une voix étonnamment bonne. Le costume et la mise en scène sont éblouissants, mais le réalisateur veille à ce que rien ni personne ne surpasse Marilyn dans sa performance la plus emblématique, notamment par son choix de recouvrir le visage des danseuses avec un filet noir.

8

Le roi et moi 1956

Le roi et moi incarnons pratiquement la comédie musicale dramatique et grandiose que les spectateurs détestent, mais malgré cela, c’était l’un des rares du genre à non seulement traduire extrêmement bien à la télévision, mais aussi à obtenir des recettes élevées au guichet et des résultats positifs. réactions du public et des critiques. Fondé au XIXe siècle, il raconte l'histoire d'Anna Leonowens (Deborah Kerr), une institutrice anglaise employée pour enseigner et s'occuper des enfants du roi de Siam (Yul Brynner). En dépit de présenter parfois les stéréotypes raciaux fréquemment acceptés de son époque, The King et moi présentons également de nombreuses chansons qui sont toujours aussi appréciées et reconnues: «Mieux nous connaître», «Shall We Dance?» Et «I Whistle A Happy Tune». ”Pour en nommer quelques-uns.

Le roi et moi avons été nominés pour un total de neuf Oscars (y compris meilleur film, meilleur réalisateur et meilleure actrice) et avons remporté cinq des catégories dans lesquelles il a été nominé, y compris un prix du meilleur acteur pour la performance de Yul Brynner.

Scène mémorable: La scène la plus splendide sur le plan visuel et musical doit être sans aucun doute la scène dans laquelle le roi et Anna valsent (ainsi va la polka) de la chanson «Shall We Dance?». Elle déborde pratiquement de tension sexuelle. C’est l’attraction et l’amitié évidentes entre le roi et Anna qui rendent le film si captivant, car il aurait été clairement condamné que les deux hommes soient impliqués de façon romantique dans le film (ou même pendant la période où il a été tourné). publié) et rend le film puissant, ainsi que visuellement magnifique.

7

Ma belle dame 1964

Les débuts de ma belle dame étaient controversés. Julie Andrews, qui avait joué Eliza Doolittle dans la production théâtrale, a d'abord été considérée pour le rôle du film avant d'être presque immédiatement ignorée. Les raisons sont spéculatives; l'explication des producteurs était qu'ils pensaient que faire d'une actrice de théâtre une production de plusieurs millions de dollars était trop risqué. Cependant, il est probable qu'elle n'était tout simplement pas considérée comme possédant suffisamment de puissance de star pour une énorme comédie musicale hollywoodienne. Audrey Hepburn était largement considérée comme une beauté et était déjà une actrice établie après avoir joué dans d’autres classiques tels que Breakfast At Tiffany (1961) et Paris When It Sizzles (1964).

D'autres controverses ont suivi, principalement axées sur le choix de doubler 90% des rôles d'Audrey Hepburn avec la voix de Marni Nixon. Un choix qui a contrarié Audrey, et qui serait l’une des raisons pour lesquelles elle a été snobée pour une nomination aux Oscars.

Malgré ces ratés, la sortie de My Fair Lady a rapporté 72 000 000 $ au box-office et a été nominée pour douze Oscars (dont celui du meilleur second rôle et du meilleur second rôle). Il a remporté un nombre impressionnant de huit de ces nominations. Ces prix incluent Meilleur film, Meilleur réalisateur, Meilleure cinématographie et un prix du meilleur acteur pour la performance de Rex Harrison dans le rôle de Henry Higgins, un professeur de phonétique arrogant qui fait le pari de sa capacité à transformer une fille aux fleurs Cockney en une "vraie dame".

Scène mémorable: My Fair Lady satire avec brio la différence de classe, mais jamais plus parfaitement que dans la «scène de course», où la vraie nature d’Eliza est malheureusement révélée par son incapacité à tenir de petites discussions, au lieu de raconter l’histoire de sa tante « done in "sur un chapeau de paille, puis perd complètement la tête au début de la course.

6

Mary Poppins 1964

http://www.youtube.com/watch?v=yu23HHmOG48&feature=youtu.be

En dépit de ce que beaucoup pouvaient dire être un acte assez froid de la part des producteurs de My Fair Lady, Julie Andrews a continué à jouer dans une comédie musicale très populaire et couronnée de succès, la même année, My Fair Lady est sortie. Mary Poppins n'a vraiment pas besoin d'être présentée, car je suis presque certaine que la plupart des gens sauraient cette histoire. Sinon, il s'agit d'une famille dans l'Angleterre édouardienne, visitée par ce qui ne peut être décrit que comme une «nourrice magique».

En tant que production Disney, Mary Poppins avait presque droit à une réponse chaleureuse au box-office, mais je doute que quiconque ait pu se rendre compte à quel point le film durerait. La musique est excellente et pourquoi ne pas avoir une voix comme celle de Julie Andrews dans le rôle-titre? Il est peu probable que la comédie musicale ait le même éclat sans Julie Andrews. Sa belle voix est intemporelle et porte sans effort chaque chanson. On peut aussi pardonner le terrible accent Cockney de Dick Van Dyke et se concentrer plutôt sur la chaleur et l'humour qu'il a apportés au personnage de Bert.

Il est impossible de dire si une comédie musicale sera adoptée comme celle-ci, mais je pense que sa capacité à divertir les enfants et les adultes est l’un de ses nombreux arguments de vente. Les décors complexes contribuent à créer l’atmosphère étouffante du Londres édouardien, et les interprétations enthousiastes et engagées de tous les acteurs, même les deux enfants Jane (Karen Dotrice) et Michael (Mathew Garber), transforment ce qui aurait pu être une comédie musicale très oubliable. durable et aimé par beaucoup de gens.

Il a battu My Fair Lady pour les nominations aux Oscars, remportant treize nominations, y compris celles du meilleur film et du meilleur réalisateur, mais n'a réussi à en gagner que cinq. Cependant, il a été et reste le plus grand nombre d'Oscars jamais remportés par un film de Disney. Julie Andrews a remporté le prix de la meilleure actrice, avec une certaine ironie, étant donné qu'Audrey Hepburn n'avait même pas été nommée pour son rôle dans My Fair Lady.

Scène mémorable: Tellement de choix. La scène des courses de chevaux où Mary, Bert et les deux enfants se lancent comme par magie dans l'un des dessins de Bert est charmante et comprend deux de ses nombreux numéros musicaux très appréciés: «Jolly Holiday» et, bien sûr, «Supercalifragilisticexpialidocious» (oui, copié et collé cela). Mais je pense qu'une autre particularité est «Step In Time» quand ils s'échappent à travers les toits de Londres et rencontrent les amis éboueurs de Bert. C'est une belle séquence de danse. Je commence à comprendre que si vous n'avez pas vu ce film, cela pourrait ressembler à une fantaisie alimentée par la drogue, mais je vous assure que c'est un petit film très charmant et amusant, qui convient parfaitement aux enfants.

5

Le Rocky Horror Picture Show 1975

D'accord, j'ai menti. Tous les films de cette liste n'ont pas bien fonctionné lors de leur sortie en salle. Rocky Horror, par exemple, a très mal réussi. En fait, c'était un échec total. Cependant, il a très vite expié cela sérieusement. À la fin des années 1970, il a commencé à être présenté lors de la tristement célèbre projection de minuit et a rapidement rassemblé un immense culte dans le monde entier.Depuis lors, il est devenu le film le plus ancien de l'histoire du théâtre et est toujours présenté aujourd'hui dans les cinémas du monde entier chaque semaine.

C’est pourtant, sans aucun doute, une formule étrange pour une comédie musicale: deux «enfants ordinaires et en bonne santé» (en réalité un couple engagé) qui se retrouvent mêlés à un jeu de chat et de souris bizarre avec le scientifique excentrique, le docteur Frank-N-Furter, joué par Tim Curry. Mais nul doute que la longévité de cette comédie musicale a été cimentée par ce mépris total de la réalité ou du cinéma conventionnel. Il fait la satire de nombreux autres films, tels que B-Movies, Science Fiction, Horror et même d'autres comédies musicales, tout en créant des chansons accrocheuses et accrocheuses.

Janet (Susan Sarandon) et Brad (Barry Bostwick), les personnages principaux épurés, se moquent impitoyablement alors qu'ils sont plongés dans une situation de plus en plus inconfortable et bizarre. Tim Curry est parfait en tant que Dr. Frank-N-Furter, un homme prometteur et complètement dérangé.

Scène mémorable: la scène «Sweet Travestite». Quoi d'autre? Tim Curry apparaît très peu sur l'écran, horrifiant les deux nouveaux venus, Brad et Janet. Il y a quelque chose à dire sur un homme qui a l'air bien en nylon. Et qui peut bien porter une mélodie tout en portant des talons aussi hauts. Je mentionnerai également honorablement «The Time Warp», qui reste l’un des préférés des écoliers, et «Hot Patootie», qui interprète Meat Loaf comme un ex-livreur contrarié.

4

Graisse 1978

Sans aucun doute la comédie musicale la plus rentable des années 1970, Grease est une autre comédie musicale de film très appréciée des décennies durant. Cela pourrait être dû, en partie, à son pouvoir vedette. Avec Olivia Newton-John et John Travolta aux commandes de Danny Zuko et Sandy Olsen, le film a été béni de longévité, de nombreuses autres stars de la musique pouvant glisser dans l’obscurité.

Mais en plus de cela, il a également présenté la comédie musicale sur laquelle il était basé à l'écran avec enthousiasme et audace, sans craindre de dépeindre certains des sujets les plus controversés tels que la consommation d'alcool et le tabagisme chez les adolescentes et la grossesse non planifiée présumée du personnage Rizzo. Il y avait aussi une vingtaine de musiques très appréciées sur lesquelles s'appuyer, des chansons comme «Summer Nights», «Greased Lightning» et «Tu es celle que je veux». En fait, «Summer Nights» et «You're The The One That I Want ”ont été les deux hits numéro 1 au Royaume-Uni, et la chanson-titre“ Grease ”de Frankie Valli a été un hit numéro 1 aux États-Unis et a été spécialement écrite pour le film.

Scène mémorable: Encore une fois, il y en a beaucoup dans ce film. C’est sans aucun doute l’un des plus reconnus par le public pour son cadre emblématique des années 50 et ses nombreuses chansons classiques. La scène du bal est toutefois remarquable, non seulement parce qu'elle fait revivre la musique et l'atmosphère des années 1950, mais aussi à cause du mélange de drame et d'humour. Le chaos de Sandy usurpé par Cha-Cha est rapidement amorti lorsque quelques-uns des plus turbulents jeunes décident de donner un nouveau sens à la chanson «Blue Moon».

3

Le Roi Lion 1994

http://www.youtube.com/watch?v=vX07j9SDFcc&feature=youtu.be

Cette comédie musicale est un peu différente, non seulement parce que c'est évidemment une animation, mais parce que c'est le seul film de la liste qui était à l'origine un film et qui a ensuite été adapté pour la scène. La production théâtrale est magnifique et met en valeur non seulement le génie du jeu et du chant, mais également des costumes complexes qui donnent vie aux plaines africaines. La comédie musicale a remporté des prix sur la scène et à l'écran, y compris deux Oscars.

Souvent cité comme l'une des meilleures créations de Disney à ce jour, il se concentre sur le jeune lion, Simba, qui est plongé dans le conflit après que son oncle démoniaque, Scar, a assuré la mort de son père. Il est basé sur la pièce de Shakespeare Hamlet. Le film compte un large éventail de talents: Mathew Broderick, Nathan Lane, Rowan Atkinson et Whoopi Goldberg, pour n'en nommer que quelques-uns, et les réalisateurs se sont clairement engagés à être aussi réalistes et fidèles que possible dans leur description de l'Afrique.

L'histoire est également remarquable pour sa tragédie et son réalisme. La mort n’est jamais bien loin dans les plaines africaines, Simba erre, et certains personnages vraiment pervers et destructeurs souhaitent que le jeune prince soit blessé. Ses racines shakespeariennes ont permis de créer un scénario vraiment émouvant et dramatique, alors que la musique est tout simplement magnifique. Il ne semble pas que cela ait été ajouté après coup, comme c'est le cas dans de nombreux autres films d'animation, mais plutôt profondément ancré dans le scénario.

Scène mémorable: Je pense qu'il est nécessaire de mentionner à la fois un moment musical et non musical. Je pense en particulier que la chanson «Be Prepared» est une scène brillamment efficace et visuellement riche, qui sert également à rendre les intentions de Scar très claires pour le public. Peu de temps après la mésaventure de Simba avec les hyènes, son père, Mufasa, décrit les stars à Simba comme des «rois du passé» et enseigne à Simba son avenir en tant que roi.

2

Moulin Rouge 2001

http://www.youtube.com/watch?v=msFLf9x7s6M&feature=youtu.be

Moulin Rouge est une autre exception sur cette liste. Ce n'était pas et ce n'est toujours pas une comédie musicale sur scène, mais c'est certainement une musique à noter. Mettant en vedette Nicole Kidman et Ewen McGregor, cette comédie musicale brise le moule de la comédie musicale traditionnelle. Elle utilise plutôt de la musique moderne pour créer ce que l’on appelle une "comédie musicale jukebox". Bien que ces comédies musicales soient souvent critiquées pour s’être trop appuyées sur de la musique déjà établie, ou tout simplement. Mélangeant de la musique dans le mix, Moulin Rouge a habilement utilisé la musique moderne pour améliorer le scénario et créer le cadre coloré et vivant du bordel parisien, le Moulin Rouge.

L'histoire est centrée sur Christian, l'archétype de «l'écrivain sans le sou» qui croit en la vérité, la beauté, la liberté et surtout l'amour. Il tombe fort pour Satine, une belle courtisane travaillant au Moulin Rouge, mais il n'est pas son seul admirateur. L'un des aspects les plus rafraîchissants de cette comédie musicale est que tous les chants sont interprétés par les acteurs eux-mêmes. La voix de Nicole et Ewan est étonnamment bonne et porte très bien les chansons.Dans le style caractéristique de Baz Luhrmann, les numéros musicaux sont vastes et dramatiques, et le paysage est si vif et splendide qu'il est presque claustrophobe. Il ya tellement de choses à regarder que cela devient presque écrasant, mais cela incarne parfaitement l’atmosphère de ce que la vie nocturne parisienne a dû être en 1900.

Il a été nominé pour huit Oscars, dont ceux du meilleur film, de la meilleure actrice et de la meilleure cinématographie. Il a également remporté de nombreux autres prix, dont trois Golden Globes et un BAFTA pour la performance de Jim Broadbent.

Scène mémorable: La finale est remarquable pour sa musique entraînante, ses graphismes époustouflants et son crescendo dramatique et tragique. L'introduction de Christian au monde souterrain de Paris est également une scène brillante, à la fois pour la couleur et la magnificence de celle-ci, ainsi que pour la réaction appropriée de «lapin dans les phares» d'Ewen McGregor à sa première vision de Satine. Nicole Kidman rend hommage à Marilyn Monroe, en chantant «Diamonds Are a Best Girl's Friend», mais en adoptant une approche plus moderne et plus légère du classique.

1

Chicago 2002

Seule comédie musicale à remporter le prix du meilleur film depuis 1968, Chicago a renouvelé l'intérêt du public pour les comédies musicales et a suivi l'exemple de Moulin Rouge qui avait pour objectif de rendre les comédies musicales plus séduisantes, plus sexy et donc plus attrayantes pour les cinéphiles modernes. À la barre se trouvaient Renee Zellweger, Catherine Zeta-Jones et Richard Gere, qui non seulement chantaient toutes seules, mais suivaient également un entraînement afin de pouvoir faire toutes leurs danses. J'irais même jusqu'à dire que c'était mieux que la production scénique. Il a un aspect granuleux et une grande échelle qui semble un peu pittoresque et écrasé sur la scène.

L'histoire elle-même parle de deux meurtrières, Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones) et Roxie Hart (Renee Zellweger) qui sont envoyées à la prison du comté de Cook pour meurtre. Velma est une danseuse de boîte de nuit qui est arrêtée pour avoir tiré sur son mari et sa sœur après les avoir trouvés au lit ensemble. Roxie est une star du cinéma qui veut tuer son petit ami après avoir manqué à sa promesse de la rendre célèbre. Sous l'œil vigilant de Matron «Mama» Morton (Reine Latifah), ils envisagent tous les deux de sortir de la loi, avec l'aide de l'avocat Billy Flynn (Richard Gere).

Cette comédie musicale a presque certainement été couronnée de succès en raison de son utilisation judicieuse des nombres musicaux. De nombreuses personnes n'apprécient pas l'utilisation de «dialogues chantés» en dehors d'un théâtre et, à l'instar des autres comédies musicales figurant sur cette liste, Chicago a utilisé la musique pour colorer l'environnement et proposer des divertissements plutôt que pour faire avancer le scénario, qui peut souvent être terne et lent. . Ses chiffres sont fantastiques, provocants et extrêmement entraînants.

Les chiffres notables sont: «Funny Honey», où Roxy raconte comment elle peut toujours compter sur son mari lent d'esprit pour s'en prendre à elle, «All That Jazz», une introduction aux aventures risquées de Velma Kelly pendant sa nuit. club, «Cell Block Tango», un montage de toutes les dames du rang assassin et de leurs divers crimes violents, et «Hot Honey Rag», finale de Velma et Roxy. Mais presque tous les chiffres sont accrocheurs et visuellement intéressants. aucune chanson en particulier ne donne l'impression d'être un «chiffre ennuyeux». Peut-être parce que le sentimentalisme est très faible dans ce film et qu'il est encore moins nécessaire d'utiliser la musique uniquement pour faire avancer l'histoire.

Comme je l'ai déjà dit, ce film a réalisé le meilleur film en 2002. Quelque chose qui a énervé beaucoup de gens depuis, c'est un bon exemple de l'accueil réservé à la plupart des comédies musicales. Ils sont souvent jetés dans le même panier que les comédies lorsqu’il s’agit des Oscars et ne sont certainement pas populaires auprès de l’Académie depuis la fin des années 1960.

Scène mémorable: j'ai du mal à en choisir une, mais je pense que le Cello Block Block est excellent. Il y a la bonne quantité de sex-appeal et de facteur de choc, et la danse est brillante. Les acteurs sont extrêmement talentueux.

+

Sweeney Todd 2007

http://www.youtube.com/watch?v=MjCUJh9iULk&feature=youtu.be

Si j'étais obligé de choisir une de leurs comédies musicales préférées, je choisirais probablement Sweeney Todd. J'insiste sur le fait "probablement". C'est un autre exemple du genre "musical pour les gens qui détestent les comédies musicales" auquel Chicago et Moulin Rouge appartiennent. Mais au lieu de sexe, il utilise le sang pour courtiser ses audiences. Beaucoup de sang. Certes, cela est probablement davantage dû à Tim Burton, qui n’a jamais hésité à faire preuve de la plus grande violence possible.

Quoi qu’il en soit, Sweeney Todd a très bien traduit ses origines sur la scène, dans laquelle Angela Lansbury (la théière de «La Belle et la Bête») est destinée à ceux qui ne suivent pas avidement les rediffusions sans fin de «Meurtre, elle a écrit». ”) A joué Mme Lovett. Le film a son propre casting absolument superbe, mettant en vedette de très bons jeunes talents anglais et des talents bien établis: Johnny Depp et Helena Bonham Carter à la barre, avec Alan Rickman, Timothy Spall et Sacha Baron Cohen (oui, le gars qui a joué Borat) en tant que co-stars tout aussi excellents.

L’histoire se déroule dans le Londres victorien et Tim Burton a conçu avec amour le monde le plus sinistre, le plus dur et le plus sinistre qu’il puisse imaginer. Sweeney Todd est revenu d'Australie après avoir purgé quinze ans de prison pour un crime anonyme dont il n'a pas été l'auteur. Il a été condamné à tort par le juge Turpin (Alan Rickman), un déviant sexuel extrêmement riche et puissant, qui avait les yeux rivés sur la femme de Sweeney. Sweeney rentre à Londres, désireux de retrouver sa femme, mais il retrouve sa maison vide, sa femme morte et sa fille entre les mains de l'homme qui a détruit sa vie.Sweeney s'emporte et commence à préparer le massacre du juge, ainsi que de tous ceux qui ont la malchance de se mettre en travers de son chemin.

Il fait extrêmement noir. Contrairement à beaucoup d'autres comédies musicales, il ne craint pas le sang, la violence et des thèmes extrêmement sombres. Mais malgré sa dureté, il y a beaucoup de splendeurs visuelles dans ce film. Il peut sembler étrange de prétendre que, parce que le paysage semble assez terne et délavé, mais la vengeance sanglante de Sweeney sur chaque homme qui a le malheur de venir se raser à son rasage est presque artistique dans sa violence et son sang.

Scène mémorable: le montage de Sweeney égorger ses clients tout en chantant sa peine de perdre sa femme et sa fille est obsédant, mais tout aussi drôle, mais «A Little Priest» est un brillant exemple de la capacité de Johnny Depp à se perdre presque complètement son personnage. Dans cette scène, lui et Mme Lovett élaborent un plan pour se débarrasser des corps susceptibles de s'accumuler s'ils ne trouvent pas le moyen de les éliminer. Heureusement, Mme Lovett a un plan délicieux.