10 grandes scènes de l'histoire musicale

Après le succès surprenant de ma première liste (je veux dire par là qu’elle n’a pas été immédiatement jetée sur la pile virtuelle de neige fondue), je me suis senti inspiré d’en écrire une autre. Cette liste se concentre sur certaines des scènes les plus appréciées de l'histoire du théâtre musical et couvre environ soixante-six ans. Inutile de dire qu'il est difficile de composer six décennies en 5000 mots bizarres, mais on essaye.

Contrairement à ma dernière liste, toutes les comédies musicales de ces scènes n’ont pas été réussies ou mémorables, mais elles sont elles-mêmes classiques, novatrices ou mettent en valeur de grands talents. J'ai eu suffisamment confiance en moi pour entrer beaucoup plus dans les détails cette fois-ci, même si j'ai également essayé de m'assurer de ne pas répéter tout ce qui avait déjà été visité dans la dernière liste. Je peux vous assurer que mon enthousiasme malavisé pour les comédies musicales suffit à remplir deux listes. Peut-être trois. Hmmm.

10

Chantons sous la pluie Chantons sous la pluie (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

Singin 'in the Rain est un classique éternel qui a incarné Debbie Reynolds, une jeune fille de 19 ans, tout en renforçant le génie de Gene Kelly. Il a également produit la séquence de danse la plus mémorable et la plus populaire et la plus mémorable de son co-vedette, Donald O'Connor, «Make 'Em Laugh», où il a présenté ses capacités de danseuses acrobatiques épuisantes. La scène a été recréée plusieurs fois depuis lors d'émissions comme Glee (malheureusement) et des Oscars.

Mais la scène la plus célèbre est sans aucun doute la chanson titre, en raison de l’image inoubliable qu’elle véhicule de Gene Kelly, parapluie à la main, dansant sous la pluie. Il est difficile de choisir ce qui deviendra un classique instantané, mais depuis sa création, cette scène a été recréée, honorée, référencée et falsifiée plus souvent que toute autre scène du cinéma. Il a également été remixé assez récemment dans une publicité remarquable de Volkswagen.

L’une des choses les plus captivantes de cette scène est son apparence polie et strictement chorégraphiée, alors que dans les coulisses, c’était tout sauf une scène. Beaucoup de gens sont au courant de l'histoire de Gene Kelly comme étant extrêmement malade lors du tournage de cette scène. Refusant de quitter le plateau tant qu’il n’a pas pu parcourir la scène au moins une fois, la légende veut qu’il ait été tourné en une prise, avec un blocage très limité. La création d’un film classique en une seule prise est très romantique et a depuis captivé l’imagination des acteurs et du public.

La pluie elle-même était composée d’eau et de lait afin de la rendre plus épaisse et plus visible à l’écran. Le tapotement des chaussures de Gene a également été doublé plus tard, et cela a également été fait pour une grande partie du tapotage de Debbie Reynolds dans le film. En dépit de ces détails techniques maladroits, le spectateur ne saurait jamais quel effort avait été fait pour que la scène fonctionne. La chanson, associée au talent indéniable de Gene Kelly, a créé une scène classique au cinéma et l’une des plus grandes de l’histoire de la danse.

9

Deux petites filles de Little Rock Gentlemen prefer Blondes (1953)

http://www.youtube.com/watch?v=iqBIhPOFA5w

Bien que Marilyn Monroe et Jane Russell aient été les meilleurs danseurs et chanteuses, cette chanson a été la scène d'ouverture de Gentlemen Prefer Blondes, le film qui a propulsé Marilyn Monroe vers la célébrité. Avant cette production, Marilyn était apparue dans quelques films à succès, tels que Monkey Business (1952) et Niagara (1953), mais ce n’est qu’avec Gentlemen Prefer Blondes qu’elle a suscité une grande attention. À cette époque, elle était encore considérée comme une actrice moins célèbre que Jane Russell et son nom est donc présenté sous le nom de Jane dans le générique de début.

Au moment où Gentlemen a été filmé, elle avait pris pour modèle un sex-appeal couvant, enveloppée dans une innocence presque naïve aux yeux écarquillés. Lors du tournage de Gentlemen, on avait répété à Marilyn qu'elle avait besoin d'atténuer ce magnétisme sexuel, qui pouvait parfois devenir un peu trop intense pour le rôle doux, sympathique (bien que légèrement conspirant) qu'elle jouait (on disait que Jane Russell devait donner le ton ça en haut). Cependant, elle commençait à peine à toucher le public des cinéphiles avec cette sexualité calculatrice, et cela restait un aspect populaire de son jeu d'acteur.

Dans cette scène célèbre, nous rencontrons les personnages de Jane Russell et Marilyn Monroe en éblouissant Technicolor. Ce n’était que la deuxième fois que le public entendait Marilyn chanter (le premier était dans un film de B de 1948 intitulé Ladies of the Chorus) et l’un de ses premiers aperçus avec les mèches blond platine qui allaient devenir sa signature (avant Monkey En affaires, elle avait essayé plusieurs nuances de blondes; dans Don't Bother To Knock (1952), ses cheveux étaient plus jaunes et dorés que ceux des blancs blonds que nous connaissons).

Quand les cinéphiles ont vu cette bombe blonde exploser sur la scène dans ses paillettes rouges éclatantes, il était clair que les spectateurs regardaient une vraie star, une femme d'une beauté insondable et d'un talent tristement méconnu. Elle suit facilement son partenaire plus expérimenté et affiche sa voix chantante et rêveuse qui allait devenir l'une de ses marques les plus connues.

Tout au long de sa courte carrière, Marilyn était généralement qualifiée de sexpot belle mais idiote. En dépit de cette personnalité à l'écran, elle avait un intérêt profond pour la psychanalyse, des croyances très libérales (en particulier en ce qui concerne l'égalité des droits), et son troisième mari (et scénariste de la pièce The Crucible), Arthur Miller, était un acheteur dévoué de livres. Il y a une rumeur récurrente selon laquelle elle aurait un QI supérieur à 160, ce qui, si elle est vraie, la rendrait beaucoup plus intelligente qu'en moyenne.Certainement beaucoup plus intelligente qu'un certain président américain, elle aurait eu une romance sournoise. Mais la «rumeur de QI» n’est que l’une des nombreuses rumeurs qui ont fait surface au cours des années qui ont suivi la mort de Marilyn, certaines plus controversées que d’autres. Ses remarques souvent très habiles suggèrent qu'elle était loin d'être inintelligente, une fois en disant: «En parlant des Oscars, je gagnerais énormément si l'Académie donnait un Oscar pour des orgasmes fictifs. J'ai fait de mon mieux en tant qu'acteur en convainquant mes partenaires que j'étais en extase. "

Cependant, elle n’a jamais pu lutter efficacement contre la conversion fréquente en caractères typographiques, même si elle a réussi à dévier de son rôle dit de blonde dans quelques-uns de ses films, tels que Niagara, Bus Stop (1956) et The Misfits (1961). Malgré son succès, la vie de Marilyn était également très troublée. À la fin de sa vie, elle était très malade et avait fait deux fausses couches. Tout au long de sa vie, elle a souffert de dépression et de crises de destruction spontanée. Elle arrivait à filmer tard, hébétée, prise de médicaments et parfois pas du tout. Elle a été largement critiquée comme un cauchemar, à cause de son comportement peu professionnel et de ses problèmes d'alcool et de drogue.

L'un de ces instants était sur le tournage de The Prince and the Showgirl (1957) où la célèbre actrice Laurence Olivier attaquait fréquemment Marilyn pour son retard et pour avoir oublié ses répliques. Marilyn se sentait amenée à se sentir inadéquate et indésirable par la grande anglaise (bien que, après sa mort, il exprimerait son dégoût pour la façon dont elle avait été exploitée sans pitié par l'industrie). Mais elle raconta aussi, plus légère, comment elle l'avait apaisé quand, un jour, il lui avait «donné l'enfer» à propos de «bousiller»: «Je l'ai apaisé en lui disant que je pensais que son Hamlet (1948) en faisait partie. des plus grands films jamais réalisés. Tu sais qu'il a gagné un Oscar pour ça.

8

Girl Hunt Le Band Wagon (1953)

Cette scène, tirée du film The Band Wagon, est une petite tranche de l'apogée du film. Le film est centré sur l'acteur hollywoodien Tony Hunter (Fred Astaire), qui a le sentiment que sa star décline et que sa célébrité se tarit. Il est persuadé de jouer dans une comédie musicale légère que ses deux amis écrivains ont créée. Ils emploient à tort Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), acteur et metteur en scène avec de nombreux spectacles en simultané à Broadway, pour aider à la production.

Mélodramatique, et légèrement prétentieux, Cordova transforme immédiatement la comédie musicale pittoresque en un drame orageux, complété par des décors mécaniques complexes qui finissent par mal fonctionner et gâcher la première du spectacle. Il emploie également la danseuse de ballet statuesque Gabrielle Gerard (Cyd Charisse) pour jouer aux côtés de Tony. Les deux se sont d'abord affrontés, mais se sont finalement réunis pour faire de la série un succès.

Après l'effondrement de la production de Cordova, Tony le convainc de revenir aux chansons originales de ses amis. Celles-ci incluent un montage intitulé «Girl Hunt», qui est une parodie de fiction policière et les détectives «hardboiled» qui y apparaissent souvent. Dans cette scène, le personnage de Fred Astaire incarne un détective bourru à la recherche des bourreaux d’une blonde délicate, interprété par le personnage de Cyd Charisse, Gabrielle. Gabrielle joue également une brune sensuelle et «dangereuse» qui tente de séduire le détective.

Cyd Charisse et Fred Astaire étaient tous les deux des danseurs extraordinaires, comme le montre sans aucun doute cette scène. Cyd Charisse a été littéralement élevée pour devenir une danseuse et l'estimait même pour le théâtre. Ses jambes étaient assurées à hauteur de 5 millions de dollars. Elle est l'une des rares femmes à avoir dansé avec Fred Astaire et Gene Kelly. Parmi les autres femmes figurent Rita Hayworth, Debbie Reynolds et Judy Garland.

Fred Astaire était connu pour son incroyable grâce, son perfectionnisme et sa légèreté. Gene Kelly était souvent reconnu pour sa vigueur et sa force, tandis que Fred Astaire était plus précis et parfois considéré comme plus coordonné. Cependant, même Cyd Charisse elle-même est restée très diplomate à ce sujet, commentant dans son autobiographie: «C'est comme comparer des pommes et des oranges. Ils sont tous les deux délicieux. "

7

Douce charité de Frug Man Rich Man (1969)

Seize années plus tard, Sweet Charity n'a pas eu la chance d'être né dans les années 50, où les intrigues douteuses et les héroïnes douces à la faute étaient généralement pardonnées si les numéros musicaux les expiaient avec succès. Shirley MacLaine, danseuse, chanteuse et actrice vedette de Sweet Charity, a choisi l'une des chansons du film, «Si mes amis pouvaient me voir maintenant», comme marque de fabrique.

Le film porte également un autre favori éternel, "Hey, Big Spender". Le film suit les mésaventures de Charity Hope Valentine (je vous ai dit qu'elle était douce), une danseuse naïve à la location, alias prostituée. Malgré le fait qu'elle soit constamment mise à profit dans la vie et qu'elle traverse des moments difficiles, elle reste optimiste. Ses rêves semblent s'être réalisés lorsqu'elle a quitté la salle de spectacles minable dans laquelle elle travaille pour rencontrer Oscar Lindquist (John McMartin), qui semble comprendre son ex-profession, bien qu'il se débate plus tard avec cette idée.

Réalisée à la fin des années 60, cette comédie musicale pourrait oser s'attaquer à des problèmes que les comédies musicales antérieures ne pouvaient pas. On a souvent fait allusion à la prostitution dans les films des années 30, 40 et 50, tout comme la promiscuité sexuelle (Jezebel de Bette Davis (1938), et The Damned Don't Cry (1950) de Joan Crawford), mais la morale les femmes douteuses étaient généralement punies d’humiliation ou de chagrin, ou étaient tuées (le pont de 1931 de Bette Davis, Waterloo Bridge, en est un exemple).

Parfois, la sexualité était évoquée sans un mot pour éviter la colère du censeur.Cyd Charisse et Marilyn Monroe ont souvent été «victimes du censeur», ce qui signifie qu'elles ont été surveillées de près pour s'assurer qu'aucune quantité inappropriée de peau ne soit montrée ou qu'elles ont outrepassé la marque en ce qui concerne leur sex-appeal. Cyd Charisse s’est amusée devant cette attention en ces termes: «Les censeurs étaient toujours présents lorsque j’étais sur le plateau. Quand on m'a retenu dans un ascenseur, ils étaient montés sur des échelles pour voir si j'étais bien couvert.

Cependant, dans Sweet Charity Charity, tout le monde dit qu’elle couche avec des hommes pour de l’argent, sans jamais avoir honte ni être tuée pour ses actes. Comment gérer ce problème a rendu même le tournage du film très controversé. Ross Hunter (producteur de la Thoroughly Modern Millie de 1967) devait à l'origine le devenir mais a été abandonné en raison de désaccords avec le réalisateur Bob Fosse sur la manière de traiter le problème délicat de la prostitution. Ross Hunter n'était pas connu pour son goût pour le réalisme, alors il se peut qu'il n'ait pas souhaité que le métier de Charity soit mentionné.

À part les tempêtes dans les tasses à thé, «Rich Man's Frug» est une scène assez chorégraphiée et décoiffante, dans laquelle Charity accompagne une célébrité dans un club exclusif et surveille le défilé. Le numéro de musique semble aussi faire la satire de la nature de la célébrité et des gens aisés, créant une scène assez bizarre et insolite, avec des guépards dans des cages et des statues de marbre élaborées. La scène s’écoule aussi pratiquement avec les années soixante, tout en restant très fidèle au style et au look de l’époque, et pour cette raison seule est très mémorable et agréable à regarder. Vous vous attendez presque à ce que Austin Powers sorte à tout moment.

6

Graisse d'été (1978)

Pour faire un autre bond en avant de neuf ans, Grease a de nouveau poussé l'enveloppe lorsqu'il s'agissait de sujets tabous. Dans ce film, l'histoire, le sexe, l'alcool et le tabac chez les adolescentes occupent une place prépondérante (le parolier s'assure toutefois de mentionner que Sandy et Danny ont «dix-huit ans» et donc au moins l'âge du consentement). Plutôt que de fuir les faits, le numéro musical «Summer Nights» dresse un portrait réaliste d'un lycée: les garçons sont presque tous fascinés par le sexe, les filles peuvent être petites et à deux faces. Il existe une rivalité évidente entre Sandy et Rizzo, qui ne partage pas l’intérêt des autres filles pour la romance estivale de Sandy avec Danny, alors que les amis de Danny sont plus intéressés par «à quel point» Danny est allé avec Sandy avant toute autre chose.

Cette comédie musicale bien-aimée a été adoptée depuis la scène et modifiée pour tenir compte du fait qu'Olivia Newton-John était australienne (elle ne pourrait peut-être pas convaincre d'un accent américain?), Faisant de Sandy une femme non-américaine, mais une australienne étudiant en échange. En fonction de la production, les interprétations de cette comédie musicale ont choisi de conserver ou non ce changement (la production de mon lycée a choisi de conserver l'héritage australien de Sandy, sans surprise).

Les censeurs ont toujours grincé des dents dans les nombreuses références sexuelles du film, s'assurant que certaines des références les plus grossières ont été coupées. Peut-être par crainte d’attirer inutilement les censeurs, les producteurs ont décidé de ne pas confier à Harry Reems le rôle de Coach Calhoun, en raison de sa condamnation renversée pour «complot de distribution d’obscénité», et de ses liens avec des films pour adultes. Stockyard Channing, qui jouait le personnage Rizzo, a affirmé dans une interview que les suçons sur son cou dans une des scènes étaient réels et que Jeff Conaway "insistait pour les appliquer lui-même". Bien que personnellement je pense que cette affirmation illustre davantage l'esprit acerbe de Stockyard que toute méthode d'acteur inhabituelle utilisée.

La scène «Summer Nights» se produit tôt dans le film et est sans doute la plus connue et la plus aimée de toutes les scènes de Grease. «Tu es celui que j'aime» et «Greased Lightning» sont également des favoris récurrents et durables, mais «Summer Nights» est la seule chanson à apparaître dans une publicité pour insectifuge, de sorte qu'elle figure clairement en tête de liste. Il fournit, en un nombre assez bref, un aperçu de l’atmosphère scolaire des années 50 que le film voulait créer. Il a présenté et distingué les personnages de Marty peu profond, de Rizzo épineux et de Frenchy doux et pétillant, ainsi que ceux des amis de «womanizing T-Bird» de Danny.

Olivia Newton-John a présenté sa voix chantante forte, sinon ses compétences d'acteur, tandis que John Travolta a poursuivi son rôle populaire dans Saturday Night Fever (1977) avec un rôle tout aussi acclamé, et a entamé une très longue et fructueuse carrière dans le cinéma.

5

Printemps pour Hitler les producteurs (1968/2005)

Je suis un de ces gens sans âme qui préfèrent le remake de The Producers de 2005, terrible, que le classique original. Je me sens impur de l'avoir admis, mais le voilà. C'est Nathan Lane, il est fabuleux et je suis faible. Mais, à part les aveux, ce numéro musical est peut-être l’un des numéros les plus hilarants et les plus joliment satiriques jamais créés. Il dégouline de l'esprit turbulent de Mel Brooks.

Mel Brooks a estimé que la meilleure vengeance que nous puissions prendre contre Adolf Hitler, pour avoir infligé une telle haine et une telle misère au monde, était de se moquer de lui sans pitié, et c'est ce qu'il fait. Dans le remake de 1983 «Être ou ne pas être», il apparaît lui-même comme le fuehrer, demandant: «Que veulent-ils de moi!? Je suis de bonne humeur! Je suis bon coeur! Je suis beau! »Quand il découvre comment les journaux étrangers l'appellent et qu'il chante qu'il ne veut pas la guerre, il veut la paix! Un petit morceau de tous les pays d'Europe.

The Producers est l’une de ses comédies les plus populaires et les plus appréciées. Il associe Gene Wilder à Zero Mostel et crée l’un des numéros les plus drôles et les plus choquants de l’histoire de la musique. Brooks a ensuite adapté le film pour la scène, en le transformant en une comédie musicale. Nathan Lane est apparu dans le rôle de Max Bialystock dans la production théâtrale, remportant ainsi son deuxième prix Tony. Son expérience sur scène est peut-être la raison pour laquelle il a mieux résisté que Mathew Broderick dans le remake, et il est aussi drôle que le minable Max Bialystock.

Le remake de 2005 est en réalité plus un remake fidèle de la comédie musicale de la scène que le film original, qui ne contenait aucun des numéros de musique précédemment écrit pour la scène («We Can Do It», «Keep It Gay», «You Ne dis jamais bonne chance lors de la soirée d'ouverture, "" Trahis, "etc.), et différents personnages pour le remake. Par exemple, dans le remake de 2005, Hitler est décrit comme étant très efféminé, alors que dans l’original, il est davantage décrit comme une tête de poule droguée.

Le film et la comédie musicale sont tous deux centrés sur Max Bialystock (d'ailleurs, «Bialystock» est aussi la ville polonaise anciennement habitée par Brooks et qui a été dévastée par les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale), qui fait équipe avec le comptable mousy Leo Bloom pour créer le meilleur flop dans l’histoire, dans l’espoir que l’argent recueilli pour la production sera bien plus que nécessaire. Ils choisissent «Springtime For Hitler», une pièce qui choquera sûrement les gens du monde entier, et ils emploient un réalisateur kitsch, un auteur dramatique et un acteur incompétent pour le nazisme et des acteurs incompétents pour s'assurer que la comédie musicale aura la plus courte diffusion de Broadway dans l'histoire.

Faire de l’Allemagne nazie une comédie musicale sur scène est la chose la plus offensante que l’on puisse tenter, mais, avec sa folie extravagante et extravagante, «Springtime for Hitler» n’a rien de brillant que son insensé intentionnellement. Les versions de 1968 et 2005 de la scène «Le printemps pour Hitler» renferment toutes deux l’humour satirique de Brook, mais l’original a l’avantage d’être bien l’original. Et de faire en sorte que Brooks surnomme l'une des répliques des danseurs ("Ne sois pas stupide, fais le malin. Viens rejoindre le parti nazi!"), Mais dans la version de 2005, nous voyons des femmes soldats vêtues de façon maigre prendre les goupilles de manière invisible des grenades avec leurs dents, tandis que la blonde John Barrowman (Torchwood) revêt un uniforme allemand. C'est un dur.

4

La Vie Boheme RENT (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=czJHTEeEJmU

Bien que ce ne soit pas nécessairement un film particulièrement mémorable, RENT a produit une scène vraiment excellente, accompagnée de la chanson «La Vie Boheme». Inspiré de la production théâtrale du même nom, RENT est centré sur la vie de bohémiens pauvres vivant à New York. Parmi eux se trouvent un cinéaste, un musicien, un danseur exotique toxicomane, un transsexuel et un professeur de philosophie (tous deux atteints du SIDA) et un artiste de performance bisexuel.

Cela ressemble à une prémisse bondée et légèrement déroutante pour une comédie musicale, mais RENT n’est pas une comédie légère ni une romance. Il aborde de nombreuses questions controversées, notamment la panique du sida de la fin des années 1980 et des années 1990. Il est également basé sur l'opéra La Boheme de Puccini, qui a une histoire similaire d'artistes et de musiciens en difficulté.

Le film est plus ou moins une série de chiffres durs et percutants, concernant de nombreuses questions, telles que la sexualité et la dépendance à l'héroïne. La production théâtrale a eu beaucoup plus de succès que le film, remportant le prix Tony de la meilleure musique, alors que le film souffrait de cette "stupeur" qui éloigne si souvent le public des comédies musicales. Son matériel (parfois extrêmement lourd) insuffisant ne suffit pas à compenser le peu de dialogue qui existe, et certains chiffres semblent maladroits et irréalistes sur scène. Certaines des scènes des bohémiens échevelés qui entonnent des chansons sont très maladroites.

Mais, mis à part, «La Vie Boheme» est l’un des numéros les plus légers et les plus amusants, apportant un soulagement bien nécessaire du drame sobre. Plutôt que de se concentrer sur les difficultés des bohémiens, «La Vie Boheme» embrasse leurs différences et prend fermement position contre la convention, le conservatisme et les préjugés. Le nombre est capricieux et plein d’esprit, en particulier l’ancien colocataire des Bohemians, Benny Coffin III (Taye Diggs), qui, à leur avis, les a trahi et abandonné. Benny adopte une approche plus réaliste de leur situation, soulignant qu'ils meurent de faim et vivent dans un quartier dangereux et sale, mais semble troublé par les démonstrations de sexualité et de défi.

La chanson fait également référence au Magicien d'Oz dans la phrase: «Pourquoi Dorothy et Toto sont-ils allés au-dessus de l'arc-en-ciel pour se débarrasser de leur tante Em. La Vie Boheme! ”

3

El Tango De Roxeanne Moulin Rouge! (2001)

En 2001, après une sortie limitée aux États-Unis, Moulin Rouge s'est lancé dans une domination lente, mais sûre, des box-offices à travers le monde. Baz Luhrmann, avec sa marque de fabrique irrégulière et criarde, a créé un film d'une puissance et d'un attrait extraordinaires, et a poussé plus loin la notion de «comédies musicales de jukebox». Il fait référence à une vaste sélection d'artistes et de musiques, notamment dans la chanson «Elephant Love Melody», où la majorité de la chanson est créée à partir de paroles individuelles de célèbres chansons d'amour d'artistes comme Les Beatles, Whitney Houston, David Bowie et Elton John. et U2.

“El Tango De Roxanne” (basé sur la chanson “Roxanne” de The Police) se déroule vers la fin du film.Christian et Satine sont des amoureux, mais le duc poursuit agressivement Satine et ne cache pas ce qui se passera s'il découvre que Satine lui est infidèle. Au début du numéro, Satine a été contrainte de passer la nuit avec le duc et Christian est intensément jaloux. Assis dans un silence morne avec les autres habitants du Moulin Rouge, il s’en prend à une des autres prostituées, poussant son amoureux, l’inconscient argentin (Jacek Koman), à prendre des représailles contre Christian, l’accusant de l’avoir porté lui-même pour lui. tomber amoureux d'une femme qui se vend: «Quand l'amour est pour le plus offrant, il ne peut y avoir de confiance. Sans confiance, il n'y a pas d'amour. "

Ce nombre est presque un retour au cinéma du "Golden Age", dans la mesure où il se concentre principalement sur la danse traditionnelle en partenariat. C’était courant dans les comédies musicales plus anciennes: «Pick Yourself Up» de Swing Time (1936), «You Were Meant for Me» de Singin 'In the Rain, «Girl Hunt» de The Band Wagon (1953), parmi d’autres . Mais il a semblé perdre de sa popularité avec le temps et devenir de plus en plus rare, peut-être parce qu’il était de plus en plus difficile de convaincre les auditoires plus jeunes et plus cyniques d’une situation réaliste dans laquelle un couple éclaterait sporadiquement ensemble. En revanche, la danse chaotique et improvisée, comme celle de «La Vie Boheme», est beaucoup plus facile à intégrer.

Mais au Moulin Rouge, l’image des rangées de couples dansant dans «El Tango De Roxanne» a fonctionné de façon spectaculaire, malgré la tâche difficile qui consistait à coudre cela conjointement avec l’intrigue secondaire de Satine et le duc. C'est un exemple de cinéma musical sans faille. Il n'y a pas de couture entre le dialogue parlé et la musique, ça se fond parfaitement.

Entre le tango des hommes et des femmes du Moulin Rouge, on voit des scènes du duc et de Satine dînant ensemble. Le duc croit que Satine est épris de lui et lui prodigue des cadeaux, mais son humeur se gâte bientôt lorsqu'il réalise que ce n'est pas lui que Satine est amoureux.

Incidemment, la danseuse principale de cette scène («Roxanne») est interprétée par Caroline O'Connor, célèbre actrice australienne, surtout connue pour son rôle de Velma Kelly dans la production théâtrale de Chicago.

2

Le bloc cellulaire Tango Chicago (2002)

Récemment, j'ai lu qu'un critique qui avait commenté Chicago avait pensé que «Cell Block Tango» avait joué dans le film de la même manière que sur scène, et je peux vous dire que personne qui a vu à la fois le film et la production théâtrale pourrait faire une telle réclamation. La production théâtrale est fortement axée sur le minimalisme et les numéros sont mis en scène, à l’image des numéros d’un spectacle de vaudeville, le genre de spectacle dans lequel Roxie Hart, le personnage de Renee Zellweger, a désespérément envie de jouer.

Les Ziegfeld Follies sont souvent décrites comme une «classe supérieure» des spectacles de variétés de vaudeville allant de la fin des années 1880 aux années 1930. Les spectacles de Vaudeville sont composés d'un large éventail d'actes, allant des «spectacles de monstres» au chant et à la danse. Il y avait généralement les belles archétypes, filles de choeur vêtus de costumes également. Pour rester dans cette atmosphère de vaudeville, la production théâtrale de Chicago présente à la fois des numéros de danse classiques, tels que «All That Jazz» et «I Can't Do It Alone», ainsi que d'autres performances, telles que «Hungarian Disappearing Act».

Le film a également gardé la saveur de vaudeville de certains numéros, mais était évidemment capable de créer des scènes beaucoup plus complexes et complexes que la production de la scène. Tout comme "El Tango De Roxanne", où sont montrées des scènes en coupe de Satine et du Duc, "Cell Block Tango" utilise des scènes en coupe de Roxy en prison pour créer deux intrigues, l'une se déroulant dans l'esprit de Roxy et l'autre, le second. réalité. Il existe d'autres exemples de cela. La scène où l'une des femmes emprisonnées est pendue est particulièrement remarquable. La scène pendante est entrecoupée d’interventions d’un «acte magique» appelé «Acte de disparition célèbre de la Hongrie». La scène est moins efficace sur scène, car le public cible est divisé en deux: regarder l'acte en train de disparaître et la pendaison.

La critique a raison en ce sens que la prise du film sur le «Cell Block Tango» aurait pu être traduite sur scène, car aucun effet CGI n'a été utilisé dans la scène. Mais pour réaliser un tel exploit, il faudrait que ce soit une production au format Phantom of the Opera.

Malgré les avantages supplémentaires des scènes en coupe (et un budget énorme), le film adopte le film «Cell Block Tango». Il s’agit essentiellement d’un acte de vaudeville extrêmement épuré et à grande échelle. Le concept implique que chaque meurtrière de la prison du comté de Cook raconte le meurtre qu'elle a commis, en utilisant un foulard rouge pour imiter «où le sang aurait été».

La production théâtrale sur laquelle le film est basé est elle-même basée sur un film (en fait, deux films), qui sont à leur tour basés sur les deux procès très publics de deux meurtrières dans les années 1920 à Chicago. L'histoire a déjà été projetée à l'écran deux fois, une fois dans un film muet du même nom de 1927 et une autre dans Roxie Hart (1942), dans laquelle Ginger Rogers (le partenaire de choix de Fred Astaire) apparaît sous le nom de Roxie.

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Quelque part au-dessus de l'arc-en-ciel Le magicien d'Oz (1939)

J'ai décidé d'ajouter ceci comme une sorte d'extra, car cela présente des différences évidentes par rapport aux autres scènes. Le plus évident est qu'il ne contient pas de danse. Mais un oubli serait certainement fait si cette scène classique était omise (yay pour des phrases moins agent). Le magicien d'Oz a lancé Judy Garland, âgée de 17 ans, sur le devant de la scène.Avant ce film, elle était apparue dans plusieurs petits films anodins et ce n’est qu’après avoir joué «You Made Me Love You» à la fête d’anniversaire de Clark Gable que sa société MGM a semblé réaliser son potentiel.

Le magicien d'Oz a transformé Judy en un nom familier, et elle est ensuite apparue dans plusieurs comédies musicales à succès: Meet Me à St. Louis (1944), à côté de Fred Astaire dans Easter Parade (1948) et à côté de Gene Kelly dans The Pirate (1948) . À trois ans, sa fille, Liza Minnelli, apparaît également à ses côtés dans The Good Old Summertime (1949).

Tout comme Marilyn, la vie de Judy a été extrêmement perturbée et marquée par cinq mariages et de nombreuses affaires (parmi ses amants présumés, notamment Frank Sinatra, Yul Brynner et Orson Welles), ainsi que plusieurs tentatives de suicide. Elle a souvent accusé MGM de la laisser se sentir mal à l’aise et de la maltraiter. Comme beaucoup de personnages cinématographiques de son époque, elle souffrait d'un problème d'alcool et d'une dépendance aux drogues sur ordonnance, ce qui lui aurait valu une overdose et le décès en 1969, à l'âge de 47 ans.

Judy est toujours l'une des actrices les plus largement reconnues et célébrées de tous les temps. Ce statut est conforté par la popularité durable du magicien d'Oz et par la chanson «Over The Rainbow», qui en a fait une star et lui a valu une admiration généreuse de la part de la voix chantée. La chanson a été classée n ° 1 sur la liste des «Greatest Songs» de l'American Film Institute au cours des 100 dernières années. La tristesse nostalgique de la chanson est étroitement associée à Judy et à sa vie finalement tragique.

Judy était souvent très ouverte au sujet des ennuis de sa vie et ses paroles faisaient souvent allusion à un profond malheur. Judy (1999), citée dans la biographie, aurait déclaré: «Je voulais croire et j'ai essayé de croire en l'arc-en-ciel que je n'essayais pas de surmonter. Et alors? Beaucoup de gens ne peuvent pas…

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Babbitt et les bromures de Ziegfeld (1945)

Ziegfeld Follies compte moins de films qu’une série d’actes musicaux individuels: Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, Cyd Charisse, Lucille Ball, Lena Horne et l’une des filles originales de Ziegfeld Follies, Fanny Brice.

Les Ziegfeld Follies sont des spectacles théâtraux somptueux qui se sont déroulés de 1907 à 1937. On y voyait surtout des femmes qui chantaient, dansaient ou montraient tout simplement leur apparence et leurs personnages. Les Ziegfeld Follies étaient connues pour leur extravagance. Le créateur, Florenz Ziegfeld Jr., a eu l’idée de reprendre le principe du vaudeville populaire, composé d’actes musicaux sans lien, puis de les entourer de costumes et de décors grandioses. Il avait aussi des scènes où de belles femmes posaient simplement de différentes manières et appelait ces «images vivantes».

L’histoire des Ziegfeld Follies est extrêmement intéressante et controversée, mais beaucoup trop longue pour être discutée ici. Il fournit néanmoins une toile extrêmement riche pour un film. Malheureusement, la prémisse de Ziegfeld Follies est assez faible et consiste en une représentation de Florenz Ziegfeld au paradis qui évoque mentalement les scènes qui suivent. En dépit de cette histoire fragile, «Le Babbitt et le bromure» est vraiment remarquable. Côte à côte, deux danseurs légendaires: Fred Astaire et Gene Kelly. Ce serait la seule fois où les deux danseraient ensemble dans leur carrière, à l'exception de C'est Divertissement Partie II (1976), 31 ans plus tard.

La loi elle-même consiste en un «Babbitt» et un «bromure» se réunissant dans la rue et se lançant dans une discussion inutile et superficielle. Un «Babbitt» est un mot assez obscur pour un homme de classe moyenne complaisant et étroit d'esprit, et un «bromure» est un mot pour une figure de style non originale ou peu sincère, ce qui suggère que le personnage de Fred Astaire est aussi à la fois caractéristiques (en supposant que le caractère d’Astaire était le bromure, je ne pense pas que cela ait jamais été abordé). La grâce et la précision de Fred Astaire, la force physique et les remarquables talents de chorégraphie de Gene Kelly en font une scène classique et inoubliable.

C'est aussi mémorable car c'est la rencontre de deux génies, d'autant plus que les deux hommes se jouent et non des personnages. Ils se taquinent au début de la scène, Gene faisant référence au partenaire de danse fréquent de Fred, Ginger Rogers, et Fred faisant de même, à la partenaire de danse de Gene, Rita Hayworth, dans le film Cover Girl de 1944.