Partager:
10 œuvres d'art avec des significations secrètes incroyables
Depuis que Dan Brown a écrit Le "Da Vinci Code, Internet a été inondé de gens essayant de résoudre les «mystères» du grand art. Des extraterrestres dans les peintures de la Renaissance aux innombrables conspirations impliquant Mona Lisa, il n’ya eu aucune pierre muette laissée sans retour.
Mais toutes les théories sur la signification d'une œuvre ne sont pas aussi nettes. Certains parviennent à être à la fois complètement convaincants et époustouflants.
10Satyre, deuil, nymphe Montre en réalité un meurtre brutal
Peint par Piero di Cosimo en 1495, Satyre, deuil, nymphe représente supposément une scène d'Ovid Métamorphoses. Dans cette histoire, Procris est accidentellement tuée dans les bois lorsque son mari chasseur, Cephalus, la prend pour une bête sauvage et lui lance une lance. C'est un choix typique de scène pour un artiste de la Renaissance, avec un seul problème. Un examen attentif prouve qu'il est impossible que le Procris de Cosimo ait été tué par accident.
Selon le professeur britannique Michael Baum, tout semble indiquer un meurtre brutal. Procris a de profondes lacérations autour des mains, comme si quelqu'un essayait de se défendre d'une attaque au couteau. Sa main gauche est également penchée en arrière dans une position connue sous le nom de «pointe du serveur», généralement retrouvée chez les victimes de meurtre dont le cordon cervical a été sectionné aux points C3 et C4. Enfin, il y a une blessure au cou correspondant à la position de C3 / C4. Plutôt que d'être une scène de romance, la peinture de Cosimo montre les conséquences d'une attaque au couteau frénétique.
Ce n'était probablement pas intentionnel. Le professeur Baum soupçonne que Cosimo a demandé à la morgue locale de lui prêter un cadavre pour le tableau et vient d'avoir une victime de meurtre.
9Diego Rivera implique J.D. Rockefeller Jr. avait la syphilis
De Diego Rivera Homme, contrôleur de l'univers est l'une des plus grandes peintures de l'art mexicain, au sens propre et figuré. Commandée à l'origine pour le Rockefeller Center mais reconstruite à Mexico après que Nelson Rockefeller ait contesté sa description de Lénine et qu'elle l'ait détruite, il s'agit de l'une des œuvres emblématiques du XXe siècle. C'est aussi un acte de vengeance monumental. La peinture murale prétend que le père de Nelson Rockefeller était atteint de la syphilis.
L'un des éléments clés est la reconstitution par la murale de récentes découvertes scientifiques. Des galaxies, des soleils explosifs et des gros plans de bactéries fourmillent dans sa croix centrale, flottant au-dessus de la tête des hommes et des femmes. Après que Nelson Rockefeller ait déchiré sa version originale, Rivera est retourné et a peint son père, J.D. Rockefeller Jr., sous l'un de ces gros plans de bactéries. La bactérie qu'il a choisie est la syphilis.
Ce n'est pas tout ce qu'il a fait. Bien que J.D. Rockefeller Jr. ait été un animateur de longue date, Rivera l’a dessiné avec un martini et une femme qui pourrait être une prostituée. Pour plus d’effet, il plaça Lénine dans une position de choix.
8Isabella Caractéristiques Un homme cachant son érection
L’un des chefs de file du mouvement préraphaélite, John Everett Millais est probablement mieux connu aujourd’hui pour ses Ophélie. Au moins, il l'était jusqu'en 2012, lorsque les chercheurs ont découvert quelque chose d'inattendu dans ses premières peintures. Isabella. Avec un tas de personnages de Boccace Decameron assis autour d'une table lors d'un festin, il comprend également ce qui ressemble immanquablement à l'ombre d'une érection.
Le personnage au premier plan à gauche de la peinture est en train d'armer une jambe et d'utiliser un casse-noix. Si vous regardez de plus près, vous pouvez voir que l'ombre portée par le casse-noisette est parfaitement alignée avec son entrejambe, ce qui lui donne un air excessivement enthousiaste à propos de l'entrée. Et loin d'être une preuve supplémentaire que nos esprits sont irrémédiablement dans le caniveau, c'était presque certainement intentionnel.
Le décaméron est l'un des livres les plus érotiques jamais écrits, et le tableau est plein de références à la sexualité. La jambe tendue du personnage se veut phallique et un tas de sel répandu sur le pénis de l'ombre symbolise probablement le sperme. C'est à peu près aussi sale que possible sans dessiner simplement du porno.
7La Primavera Est une lettre d'amour à l'horticulture
L'un des tableaux les plus célèbres de la Galerie des Offices de Florence (qui dit quelque chose), Botticelli La Primavera est aussi l'un des plus mystérieux. Présentant un groupe de femmes dans un pré paradisiaque, les experts se disputent encore sur sa signification allégorique. Mais il existe une théorie qui se démarque de toutes les autres, en termes de preuve et d'étrangeté - certains prétendent que c'est tout sur l'horticulture.
Le raisonnement vient de l'attention stupéfiante portée aux détails que Botticelli a mise dans les plantes de son pré imaginaire. Selon les estimations officielles, il y aurait au moins 500 plantes identifiables individuellement, comprenant près de 200 espèces différentes. Certains ont suggéré de représenter toutes les plantes qui poussaient autour de Florence au XVe siècle et qui ont fleuri entre mars et mai, tandis que d'autres ont affirmé inclure des plantes fantastiques que Botticelli aurait fabriquées spécialement pour la peinture.
Avec toute cette attention portée aux fleurs, certains aficionados enregistrent à peine les figures humaines qui se tiennent au-dessus. On a même dit que le tableau représente «moins la haute culture que l'horticulture».
6La leçon de musique Est Kinky comme diable
Peint par Johannes Vermeer dans les années 1660, La leçon de musique est considéré comme l'un des plus grands portraits de la vie hollandaise du XVIIe siècle. Mettant en scène une jeune fille apprenant à jouer un type de clavecin appelé virginale par son beau tuteur, il s'agit d'une représentation photoréaliste d'une journée typique des classes supérieures dans le monde de Vermeer. Au moins, c'est l'explication standard.Un autre point de vue est que tout cela a à voir avec le sexe et la convoitise cachée.
Selon cette théorie, le tableau est rempli de petits indices sur la tension sexuelle brute entre la fille et son tuteur. Sans surprise, la virginité a été associée à la virginité, tandis que le miroir au-dessus de celle-ci révèle que la jeune fille regarde l'homme en train de jouer, distraite par sa «présence masculine». Derrière eux, le pichet de vin suggère un effet aphrodisiaque. se déroule alors que l’instrument au sol est également un énorme symbole phallique. L'angle sous lequel nous visionnons le tableau pourrait même suggérer que le spectateur soit un voyeur.
Ce n'est pas juste cette peinture. Certains critiques d'art soutiennent que la présence de la musique chez Vermeer symbolise toujours la sexualité, rendant son œuvre profondément perverse.
5Terrasse du café la nuit Est sur le dernier souper
Peint en 1888, Terrasse du café la nuit est l'une des œuvres les plus importantes de Van Gogh. C'est aussi l'un de ses plus aimés, avec un classique de Van Gogh sur une scène ordinaire. Mais une autre école de pensée affirme qu'il y a quelque chose de beaucoup plus profond en jeu. Selon une théorie récente, Terrasse du café la nuit est vraiment à propos de la dernière cène.
Dès son plus jeune âge, Van Gogh était extrêmement religieux. Son père était un ministre protestant et des critiques d'art influents ont soutenu que ses peintures étaient imprégnées d'une imagerie chrétienne. Dans le cas de Terrasse du café la nuit, cette imagerie vient sous la forme de Jésus assis pour manger avec ses disciples. Si vous regardez attentivement les convives, vous pouvez voir qu’ils sont au nombre de 12, assis autour d’une silhouette centrale aux cheveux longs. Fait révélateur, il y a même un certain nombre de croix cachées dans la photo, dont une directement au-dessus de la figure du Christ.
Il existe des preuves contemporaines pour appuyer cette affirmation. Quand Van Gogh a écrit à son frère à propos de la peinture, il a affirmé que le monde avait un «besoin impérieux» de religion. Il était également profondément épris de Rembrandt et souhaitait faire revivre son style de symbolisme chrétien subtil. Terrasse du café la nuit pourrait bien être la preuve qu'il a finalement réussi.
4Une allégorie avec Vénus et Cupidon Est à propos de la syphilis
Un tableau montrant Venus et Cupidon en train de se faire filmer alors qu'un homme chauve l'observait et qu'un homme hurlant à l'arrière-plan allait toujours être troublant. Même selon les standards de son sujet, cependant, Allégory avec Vénus et Cupidon d’Agnolo Bronzino est sombre. Bien que décrit comme une image érotique «d’une beauté singulière», il existe de nombreuses preuves selon lesquelles il s’agit vraiment d’un avertissement concernant la syphilis.
Le point central de cette théorie est la figure qui crie dans le coin inférieur gauche de la peinture. Bien que classiquement censé symboliser la jalousie ou le désespoir, un examen attentif montre qu'ils sont en fait très malades. Leurs doigts sont enflés exactement comme on pourrait s'y attendre chez un patient atteint de syphilis. Un ongle est absent et leurs cheveux présentent des signes d'alopécie syphilitique. Leurs gencives sans dents suggèrent même une intoxication au mercure, le mercure étant la chose la plus proche que Renaissance Italie ait eue pour un traitement des MST.
Il fait plus sombre. L'enfant qui couvre de fleurs Vénus et Cupidon semble avoir percé son pied sur une épine de rose sans s'en rendre compte. Un tel manque de sensation résulterait directement de la myélopathie syphilitique. En d'autres termes, le tableau semble montrer les amants entourés de souffrances induites par la syphilis; une vision de ce qui les attend s'ils sont emportés par la passion.
3El Autobus Est à propos d'un crash horrible
Peint par l'artiste mexicaine légendaire Frida Kahlo en 1929, El Autobus est célèbre pour montrer un échantillon de la société mexicaine vivant côte à côte. Une femme au foyer, des cols bleus, une mère amérindienne et un riche homme d’affaires gringo attendent tous un bus, accompagnés d’une fille qui est probablement censée être Frida elle-même. Si c'est le cas, la peinture a un sous-texte beaucoup plus sombre. Tous ses sujets sont sur le point de subir un terrible accident.
En 1925, Kahlo était dans un bus qui s'est écrasé dans un tramway. Le naufrage était si grave que Kahlo a été empalé sur une main courante en métal, la laissant dans l’agonie toute sa vie. Ses œuvres ultérieures font souvent référence à l'accident, ce qui implique que c'est un miracle qu'elle ait survécu à l'accident. Et El Autobus ne fait pas exception. Il a été suggéré que l'ouvrier est censé être l'homme qui a sauvé la vie de Kahlo en tirant la rampe de son corps brisé, ce qui signifie que le tableau est placé juste avant de monter à bord du bus. Loin de rentrer chez eux, les personnages se dirigent directement vers une rencontre violente avec le destin.
2Les peintures de l'école néerlandaise à l'intérieur des peintures
L'âge d'or hollandais de la peinture est le deuxième après la Renaissance italienne. Comme d’autres époques, il avait ses propres petites bizarreries de style, comme les artistes qui incluent d’autres peintures à l’arrière-plan de leurs tableaux. Ces «peintures dans les peintures» n'étaient pas simplement Vermeer et ses copains qui se faisaient valoir. Ils contenaient un code symbolique spécial vous indiquant exactement comment lire chaque image.
Prendre Les pantoufles par Samuel van Hoogstraten. À première vue, le tableau montre une salle vide avec deux pantoufles, avec une copie de Père admonalisant sa fille par Caspar Netscher accroché à l'arrière-plan. Cela semble presque ennuyeux. Mais les téléspectateurs néerlandais contemporains auraient su que la peinture de Netscher se déroule dans une maison de passe. Combiné avec les deux pantoufles étant une paire dépareillée appartenant à la fois à un homme et à une femme, la déduction claire aurait été que la salle était vide parce que les occupants étaient occupés à avoir des relations sexuelles.
À d'autres moments, le code était plus subtile. Homme écrivant une lettre et Femme lisant une lettre (Photo ci-dessus) de Gabriel Metsu montre un homme écrivant une lettre à son amant et la lisant. Sur la deuxième image, on peut voir à l'arrière-plan une peinture d'un navire dans une mer agitée, symbolisant la nature turbulente de leur relation à longue distance. Dans La lettre d'amour par Vermeer, un tableau représentant un navire sous des nuages menaçants montre que de mauvaises nouvelles pourraient s’approcher.
Allez à la recherche et vous trouverez des centaines d'exemples de ces «peintures à l'intérieur de peintures» néerlandaises, chacune modifiant subtilement le sens de l'image plus grande.
1L.S. Le travail de Lowry est plein de souffrance cachée
Peintre du milieu du XXe siècle, connu pour représenter le nord-ouest de l'Angleterre, L.S. Lowry était célèbre pour avoir peint de vastes scènes urbaines avec une foule d '«hommes à la baguette». Malgré sa popularité, le monde de l'art a longtemps considéré ses peintures comme étant anodines. Ils n'auraient pas pu être plus faux. Comme un sadique Où est WaldoLes peintures de Lowry sont remplies d’éclats cachés de souffrance humaine.
Dans sa peinture de 1926 Un accident (photo ci-dessus), une foule de gens se rassemble au bord d'un lac, regardant quelque chose de caché au milieu d'eux. Bien que la peinture ne soit pas flagrante à ce sujet, la scène a été inspirée par un suicide local et le groupe est censé regarder un cadavre gorgé d'eau. Son travail de 1935 Le Van Fever montre un groupe de piétons, bouche bée devant une camionnette prenant un patient. À l'époque, la diphtérie et la scarlatine étaient répandues à Manchester et souvent mortelles. Le message non-dit est que la victime invisible dans la peinture de Lowry mourra presque certainement.
Parmi les autres peintures de Lowry, citons des gens qui se battent au poing, se font expulser ou regardent simplement par la fenêtre, dans un isolement écrasant. Dans chaque cas, la tragédie n'est jamais qu'un incident de fond, presque caché dans le tableau. Tous les autres hommes d'allumettes continuent de vivre leur vie quotidienne, inconscients ou indifférents de la souffrance qui les habite. Le message est que nous sommes complètement seuls et que notre douleur ne veut rien dire. C'est probablement le message caché le plus terrifiant de tous.
Morris est un écrivain indépendant et un enseignant nouvellement qualifié, qui espère toujours naïvement faire une différence dans la vie de ses étudiants. Vous pouvez envoyer vos commentaires utiles et moins que utiles à son courrier électronique, ou visiter certains des autres sites Web qui l'engagent inexplicablement.