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10 grandes histoires derrière des œuvres d'art célèbres
L'art est unique parce qu'il parle à chaque individu à un niveau personnel. Quelle que soit l'œuvre d'art que vous pensiez, cela ne signifierait pas nécessairement la même chose pour la personne qui se tient derrière vous et les deux pourraient être complètement différents de la signification voulue par l'artiste. Cela étant dit, l'art a aussi beaucoup d'histoires à raconter. Ces histoires s’accumulent au fil des décennies, voire des siècles, et sont destinées à ceux qui veulent y regarder de près.
10Arnolfini Portrait
Le portrait d'Arnolfini, peint en 1434 par l'artiste néerlandais Jan van Eyck, est considéré par les historiens de l'art comme l'un des tableaux les plus importants de l'histoire mais également une source constante de controverse. Pour commencer, la peinture est réalisée à l'huile - ce qui est classique aujourd'hui, mais assez rare dans l'art d'Europe occidentale du début du XVe siècle.
Cela a permis à Van Eyck d'explorer pleinement son talent pour les détails d'une manière rarement vue dans d'autres peintures. Si vous regardez de plus près, vous pouvez voir que le miroir sur le mur arrière reflète toute la pièce, y compris deux personnages supplémentaires se tenant devant la porte. (Le chien est visiblement absent.) L'artiste même prend en compte (quelque peu) la distorsion du miroir convexe. Incroyablement, les médaillons encore plus petits à l'intérieur du cadre du miroir représentent des scènes de la Passion du Christ.
Cependant, la partie controversée de la peinture n'est pas le miroir mais le couple lui-même. À l'époque, il était inhabituel de peindre des gens contemporains se tenant juste autour de la maison. Les historiens ont donc soutenu qu'il pouvait y avoir une signification plus profonde dans le tableau. Plus précisément, certains ont fait valoir que l'œuvre d'art dépeignait les nouveaux mariés avec les mystérieuses figures de la porte faisant office de témoins. Tout le monde n’est pas d’accord avec cette affirmation, et les experts ont analysé chaque détail de la peinture, de la manière dont le couple se tient la main à la façon dont la femme porte ses cheveux pour tenter d’établir la relation entre les deux personnes.
9Manneken Pis
Si vous êtes un jour à Bruxelles, assurez-vous de saluer l'un des monuments les plus célèbres de Belgique, Manneken Pis (“Petit homme Pee”). Comme son nom l’indique, c’est un petit garçon qui pisse du nez dans une fontaine, et les registres montrent qu’il est dans le pays depuis 1388. À l’époque, c’était une statue de pierre servant de fontaine publique, mais cette statue a été détruite ou volée à point. le Manneken Pis Nous savons qu’aujourd’hui a été conçu et installé par le sculpteur flamand Jérôme Duquesnoy en 1619.
Il existe de nombreuses légendes sur les origines de la sculpture. Le plus célèbre d'entre eux raconte l'histoire d'un petit garçon qui a sauvé Bruxelles lorsqu'il était assiégé. Il a fait cela en faisant pipi sur le fusible quand l'ennemi essayait de faire sauter les murs de la ville. Une autre légende dit que la statue est en réalité du duc Godfrey III de Louvain à l'âge de deux ans. Selon l'histoire, au cours d'une bataille, ses troupes l'ont placé dans un panier et l'ont suspendu à un arbre. De là, il a fait pipi sur l'ennemi, qui a finalement perdu le combat.
De nos jours, la statue est l’une des principales attractions touristiques de la ville, et vous verrez souvent Manneken Pis arborant un petit costume. En effet, depuis le 18ème siècle, il est de tradition de l’habiller avec des vêtements de fantaisie. Il reçoit constamment de nouveaux vêtements et sa garde-robe contient actuellement plus de 900 costumes.
8Le jardin des délices
Le jardin des délices est l’un des tableaux les plus complexes et les plus ambitieux que vous puissiez voir. Techniquement, il s’agit d’un triptyque (trois panneaux distincts) peint par le maître néerlandais, Hieronymus Bosch, entre 1490 et 1510. Le panneau de gauche représente Adam et Eve dans le jardin d’Éden. Le panneau du milieu montre un riche panorama chargé de personnages, humains et animaux, engagés dans diverses activités. Le panneau de droite montre un monde plus sombre et infernal.
À première vue, Bosch décrit clairement le ciel, la Terre et l’enfer, peut-être même comme un avertissement contre toutes les tentations de la vie. C’est généralement le consensus général des historiens de l’art, mais ses œuvres sont si riches en images abstraites et complexes que nous découvrons encore de nouvelles choses sur la peinture 600 ans plus tard. Par exemple, la musique joue un rôle important dans le triptyque et de nombreux personnages jouent d'instruments de musique de manière non conventionnelle (comme des flûtes insérées entre les fesses). Les musicologues d'Oxford ont recréé les instruments et essayé de les jouer, mais ils ont découvert qu'ils sonnent horriblement.
La musique de bout à bout de Bosch ne se limite toutefois pas à cela, car nous venons de découvrir qu'un personnage du panneau de l'enfer avait des partitions imprimées à l'arrière. Bien sûr, ce n'était qu'une question de temps avant que nous ayons transcrit et enregistré le «chant anal de 600 ans de l'enfer».
7La tapisserie de Bayeux
La tapisserie de Bayeux est l'un des artefacts les plus importants ayant survécu au Moyen Âge. Il s’agit d’un tissu de 70 mètres de long brodé de 50 scènes représentant les combats entre William le Conquérant et le roi Harold au cours de l’invasion normande. Bien que âgée de plus de 900 ans, la tapisserie est toujours dans un état remarquable, bien qu'il manque visiblement sa dernière section.
Si vous voulez être pédant, la tapisserie de Bayeux n’est pas, techniquement, une tapisserie. C'est une broderie qui, bien que similaire, utilise une technique différente. Les fils sont cousus dans un tissu de base pour former des images au lieu de tout tisser sur un métier à tisser.
La vieille histoire selon laquelle la tapisserie aurait été faite par des nonnes dans toute l'Angleterre, puis cousue est également peu probable.Les experts modernes estiment que, même si les personnages se ressemblent dans de nombreuses scènes, les techniques de broderie restent cohérentes. Cela les a amenés à conclure que la tapisserie avait probablement été réalisée par une équipe de matelots qualifiés.
Le plus grand mystère qui entoure la tapisserie reste ses origines. Le frère de William, Mgr Odo, a longtemps été considéré comme le candidat le plus probable à la commande de la tapisserie. Cependant, une théorie récente indique que ce pourrait être à Edith Godwinson, la soeur de Harold vaincu, de gagner les faveurs du nouveau roi. Un historien a nommé un moine appelé Scolland parmi les concepteurs, car le couturier s'est identifié comme témoin dans l'une des scènes de la tapisserie.
6Persée Avec La Tête De Méduse
Allez à la Piazza della Signoria à Florence et assistez à une étonnante exposition d'art de la Renaissance. C'est parce que la place a une collection considérable de statues inestimables, y compris Hercule et Cacus par Bandinelli, Le viol des femmes sabines par Giambologna et les lions de Médicis. Cependant, la statue qui attire le plus l’attention est sans aucun doute le chef-d’œuvre de Cellini, Persée avec la tête de méduse.
Le nom de l'œuvre est assez explicite. Cellini représente une Perseus triomphante tenant la tête de Méduse en l'air, son corps sans vie par les pieds. Cette histoire est populaire dans la mythologie grecque et résonne encore aujourd'hui dans le public. La statue fut commandée par Cosimo I de Medici lorsqu'il devint grand-duc et fut dévoilée au public en 1554. À l'époque, Persée partageait la place avec la statue d'Hercule susmentionnée, celle de Michel-Ange. Davidet Donatello Judith et Holopherne. Cependant, alors que les statues de Michel-Ange et de Donatello ont été déposées dans des musées et des copies mises en place, le Perseus original est resté sur la place pendant près de 500 ans, n'ayant été que brièvement couvert pour des restaurations.
Cellini a trouvé un moyen étrange de signer son travail (en plus de mettre son nom sur la ceinture de Persée). Si vous regardez la tête de Persée de l'arrière, vous pouvez voir que son casque et ses cheveux forment un visage et une barbe. Bien que la ressemblance ne soit pas parfaite, beaucoup s'accordent pour dire que Cellini s'est sculpté à l'arrière de la tête de son héros.
5Lenin Buste
Un buste de Lénine n'est pas si étonnant. Il y en a eu beaucoup qui ont été érigés dans le monde entier au cours du siècle dernier. C’est le placement qui rend ce buste spécial: c’est en Antarctique. Plus précisément, il s’agit du pôle d’inaccessibilité, l’endroit le plus éloigné du pôle Sud.
À l'époque de la guerre froide, les Américains ont construit une station de recherche au pôle Sud. Désireux de les montrer, les Soviétiques en ont également construit un en 1958. Pour le rendre encore plus spécial, ils l'ont construit à l'endroit le plus difficile à atteindre. Cela a été fait purement comme un jeu de surenchère. Les Soviétiques n'y sont restés que quelques semaines, puis ont sauté un buste de Lénine dans la cheminée avant de les sortir.
Au cours de la décennie suivante, plusieurs nouvelles expéditions se sont rendues à la station de recherche, la dernière en 1967. Par la suite, la station et le buste ont été oubliés pendant 40 ans. En 2007, une équipe canado-britannique d’explorateurs de l’Antarctique a voulu établir le record de première personne à atteindre le pôle d’inaccessibilité à pied. Après une randonnée de 49 jours, ils ont atteint leur destination, où ils ont été accueillis par la seule chose qui leur restait debout: le buste de Lénine. Tout le reste était maintenant recouvert de neige.
4Adoration des mages
L'Adoration des mages est le nom généralement donné à la célèbre scène biblique où les trois mages suivent une étoile et apportent des cadeaux à l'enfant Jésus. La scène a beaucoup figuré dans l'art, et beaucoup de grands artistes ont peint leur propre version, y compris Botticelli, Rembrandt, Leonardo et Rubens. Celui qui nous intéresse est Giotto, un artiste italien du 13ème siècle dont la propre version de L'adoration des mages est considéré comme l'un de ses plus grands chefs-d'œuvre. Il convient de noter en particulier l’étoile de Bethléem, dont certains ont conclu que Giotto était inspiré de la comète de Halley.
Le timing est plutôt bien. Giotto a terminé la peinture en 1305 et l'a commencée quelque part en 1303. La comète de Halley est passée par la Terre en 1301; il est donc tout à fait possible que Giotto l'ait vue et s'inspire de celle-ci. Néanmoins, cela ne ferait toujours pas la première représentation de la comète, car la Tapisserie de Bayeux mentionnée ci-dessus montre également le passage de 1066 de la comète quelques mois seulement avant la conquête normande. Il semblerait que les membres de l'Agence spatiale européenne soient tellement convaincus des références scientifiques de la peinture qu'ils ont nommé leur mission à la comète de Halley «Giotto» en l'honneur de l'artiste.
3Déclaration d'indépendance
Déclaration d'indépendance de John Trumbull est l’un des tableaux les plus emblématiques de l’histoire des États-Unis. Commandée en 1817, la peinture est exposée dans le Capitole des États-Unis depuis près de 200 ans et est même représentée sur le billet de 2 dollars.
En raison du nom et de l'importance de la peinture, de nombreuses personnes supposent à tort que l'œuvre représente la signature de la déclaration d'indépendance. En réalité, cela montre que le comité de rédaction composé de cinq membres et dirigé par Thomas Jefferson (et comprenant Ben Franklin, John Adams, Roger Sherman et Robert Livingston) présente le premier projet de déclaration au président du Congrès continental, John Hancock.
La peinture montre 42 des 56 personnes qui finiraient par signer la déclaration. Trumbull voulait inclure les 56 personnes, mais il n'a pas trouvé de ressemblance faisant autorité pour les 14 autres.Les autres caractéristiques architecturales de l’Independence Hall où l’événement a eu lieu sont inexactes, car elles sont basées sur un croquis que Thomas Jefferson a fait de mémoire.
À première vue, il semblerait que Thomas Jefferson marche sur le pied de John Adams et certains ont émis l'hypothèse que cela était censé représenter la tension politique entre les deux. Cependant, un examen plus approfondi révèle que leurs pieds sont côte à côte. Juste pour être sûr, l'image sur le billet de 2 $ a été modifiée pour créer plus d'espace entre leurs pieds.
2Rokeby Venus
Diego Velasquez était l’un des artistes majeurs de l’âge d’or espagnol, et le Rokeby Venus est considéré comme l'une de ses meilleures œuvres, ainsi que sa plus controversée. Le sujet est licencieux - une Vénus nue est assise dos à l'observateur, tout en vous regardant à travers un miroir.
En ce qui concerne l'érotisme, l'art avait jusqu'alors représenté des objets beaucoup plus explicites. Cependant, Velasquez termina la peinture en 1651, à une époque où l'Inquisition espagnole avait beaucoup à dire sur ce qui était permis ou non, et que la nudité dans l'art était sur la liste des "vilains". Il était courant que des artistes soient condamnés à une amende ou excommuniés et que leurs œuvres soient saisies. Ce n’est que parce que Velasquez était sous le patronage du roi d’Espagne, Philippe IV, qu’il pouvait s’en tirer, et c’est toujours sa seule femme nue.
Il a été installé à Rokeby Park, en Angleterre, pendant presque un siècle. Depuis 1906, le tableau est situé à la National Gallery de Londres. Cela fit de nouveau la une des journaux en 1914, lorsque le tableau fut victime d'une attaque vicieuse. L’auteur était la suffragette Mary Richardson, qui voulait détruire quelque chose de précieux pour protester contre l’arrestation d’Emmeline Pankhurst. Elle a attaqué le tableau avec une hache, provoquant sept longues entailles, mais la toile a finalement été entièrement restaurée.
1David
Michelangelo David est probablement la statue la plus célèbre du monde. Cependant, peu de gens arrivent à regarder David en face. C'est pour deux raisons. D'une part, la statue mesure plus de 5 mètres (17 pieds) de hauteur et d'autre part, elle est placée en face d'une colonne de la Galleria dell'Accademia de Florence et ce, depuis 1873.
Comme tout le monde le voit, David a l'air imposant et confiant. Mais de près, son regard trahit la nervosité, l’agressivité et même la peur. Michel-Ange ne lui aurait pas donné cette expression au hasard. C'est pourquoi les gens concluent maintenant que David est représenté sur le point de se préparer à combattre Goliath. Cela est corroboré par l'affirmation d'autres personnes selon laquelle David détient une arme dans sa main droite, probablement un fustibal.
Deux médecins florentins ont examiné David et sont restés stupéfaits devant le niveau de détail inséré dans la statue. La tension dans sa jambe droite, le resserrement des muscles entre ses sourcils et le flamboiement des narines sont présents et sont tous compatibles avec le fait que David se prépare à lancer une pierre sur un ennemi.
Cette conclusion met également de côté un aspect souvent remarqué et rarement discuté de la dotation peu impressionnante de la statue: David. De David pisello C'est une blague courante avec les Italiens, mais la plupart des gens qui voient la statue se demandent pourquoi Michel-Ange lui a accordé de si modestes dimensions, étant donné qu'il a rendu David si imposant à tous égards. Mais anatomiquement, l’appendice ratatiné est parfaitement compatible avec une personne sur le point de se battre à mort.