10 vraies significations derrière les chansons que vous pensiez avoir découvertes

Nous avons tous écouté les paroles de nos chansons préférées, essayant de les comprendre. Souvent, le sens de la chanson nous échappe, mais d'autres fois, nous obtenons ce que l'auteur-compositeur essayait de dire… ou du moins nous pensions l'avoir fait. Voici 10 chansons que nous pensions avoir comprises mais que nous avions tort.

Crédit photo: Jim Pietryga

10 'J'ai tiré sur le shérif' de Bob Marley était sur le contrôle des naissances

Esther Anderson était une Jamaïcaine qui a aidé à construire Island Records au début des années 1960. Actrice et photographe, elle a co-écrit des chansons et des paroles pour le label Island Records. Anderson était à New York en 1972 quand elle rencontra Bob Marley lors d’une fête à l’hôtel.

Ils ont commencé à sortir ensemble et Anderson, presque dès le début, a collaboré avec Marley sur ses chansons. Pour le prochain album de Marley and the Wailers, Burnin ', Marley et Anderson ont écrit «I Shot the Sheriff». Par la suite, Marley a affirmé qu'une partie de la chanson était basée sur des événements réels mais ne voulait pas en dire plus. Pendant des années, les fans ont spéculé sur les origines de la chanson et parcouru les journaux à la recherche de fusillades de shérifs et de députés. Ensuite, en 2001, Anderson a écrit une biographie de Marley dans laquelle elle a révélé ce qui avait déclenché la chanson.

Marley a grandi dans une famille catholique, mais lorsqu'il a rencontré Anderson, il était rastafarien. Ses convictions profondes interdisaient l'utilisation de la contraception et il se disputait fréquemment avec Anderson à propos de l'utilisation de la pilule. Marley souhaitait qu'Anderson ait son bébé et envisageait que le contrôle des naissances soit la mise à mort de sa «graine». Anderson a refusé, en particulier lorsqu'elle a découvert que Marley était mariée et avait déjà plusieurs enfants.

Le résultat fut un verset spécifique de «J'ai tiré sur le shérif». Selon Anderson, le shérif John Brown était en fait le médecin qui lui avait prescrit la pilule anticonceptionnelle, et la suppléante, vraisemblablement, était Anderson elle-même. Avec cette révélation, les paroles deviennent plus claires:

Le shérif John Brown m'a toujours détesté,
Pour quoi, je ne sais pas:
Chaque fois que je plante une graine,
Il a dit de le tuer avant qu'il ne grandisse.

'A Tout Le Monde' de 9 Megadeth était sur le point d'exprimer l'amour

Megadeth est considéré comme un pionnier du sous-genre «thrash metal» de la musique heavy metal et a été fortement critiqué pour ses paroles violentes et sa préoccupation pour la mort. Il est donc légèrement choquant d'entendre que l'une des chansons les plus controversées du groupe parle de l'expression de l'amour avant qu'il ne soit trop tard.

Cette chanson s'appelait «A Tout le Monde» («Au monde» ou «À tout le monde»), sortie en 1994. Les paroles de la chanson sonnent comme une note de suicide et ont été largement critiquées pour avoir promu le suicide chez les adolescents. Cela n'a pas aidé que cela soit sorti sur un album intitulé Youthanasia. MTV a interdit la vidéo pour son prétendu message en faveur du suicide et ne l'a télévisée qu'après qu'un avertissement ait été ajouté à la fin de la vidéo: «Le suicide n'est pas une réponse. Obtenir de l'aide."

La fureur était finalement retombée lorsqu'un fan de Megadeth a fait une fusillade au campus Dawson du Collège de Montréal en 2006. Une personne a été tuée et 19 autres ont été blessées avant que le tireur se suicide. Le tireur avait déjà déclaré dans son blog que «A Tout le Monde» l'avait inspiré. Le groupe n'a pas tardé à condamner le déchaînement d'autant plus que deux de ses membres venaient de Montréal.

Depuis le début, Dave Mustaine (le chanteur principal de Megadeth) a insisté pour que la chanson ne parle pas de suicide. Dans une interview au moment de la sortie de l'album, il a déclaré:

Ce n'est pas une chanson de suicide. Ce que c'est, c'est toi, c'est quand les gens ont un être cher qui meurt et qu'ils finissent mal, tu sais, ils souhaitent pouvoir leur dire quelque chose. Le défunt a donc la possibilité de dire quelque chose avant son départ. Et c’était mon impression de ce que je voudrais dire aux gens, si j’avais dit 3 secondes pour le faire dans la vie avant ma mort, je dirais au monde entier, à tous mes amis, je vous aime tous, et maintenant je dois partir.

Plus tard, Mustaine a déclaré qu'il pensait au décès d'êtres chers après qu'il eut rêvé de sa mère décédée, Emily. Dans le rêve, Emily est venue à lui spécifiquement pour lui dire «au revoir» et qu'elle l'aimait, ce qu'elle n'a pas pu faire avant de mourir. Mustaine décida qu'il n'allait pas faire la même erreur.

«Maneater» de 8 Hall and Oates parlait de New York

Darryl Hall et John Oates sont l'un des duos les plus réussis de l'histoire du rock. La paire a eu 29 succès parmi les 40 premiers entre 1976 et 1990, dont six ont atteint le numéro un. Une de ces chansons était «Maneater», de leur album de 1982 H2O. Pris au pied de la lettre, les paroles semblent concerner une femme prédatrice impitoyable qui utilise sa beauté pour attirer des hommes fortunés. Les spéculations selon lesquelles la chanson concernait l'actrice et mannequin britannique Kelly LeBrock sont devenues si courantes que la plupart des gens croient encore qu'elle est l'inspiration même trois décennies plus tard.

Cependant, une chanson écrite par Hall, Oates ou les deux est rarement aussi simple. Dans une interview de 2014, John Oates a demandé à la chanson «Je ne peux pas y aller (No Can Do)», une chanson qui semblait être celle d'un amoureux qui en demandait beaucoup trop, parlait vraiment de:

Cette chanson est typique de beaucoup de paroles que nous avons écrites au fil des ans. On dirait qu'il s'agit d'une chose, mais ce n'est vraiment pas le cas. […] Si nous avions une philosophie quelconque pour nos paroles au fil des ans, nous devions essayer de prendre un sujet universel et de le rendre plus personnel pour que les gens puissent le comprendre comme s'il s'agissait d'une chose personnelle.Le sujet sous-jacent n’est en fait pas. Cette chanson parle de l'industrie de la musique. En réalité, cette chanson évite aux grands labels, aux gestionnaires et aux agents de se laisser faire, et de ne pas se faire dire quoi faire, et de rester fidèle à vous-même de manière créative.

Une autre chanson à succès, «Rich Girl» - est apparue comme une femme vaniteuse, obsédée par sa propre richesse. Oates a déclaré que bien que la chanson parle d'une personne riche, le sujet est un homme et non une femme:

Il a été écrit à propos d'un gars qui était l'héritier d'une fortune de fast-food. De toute évidence, étant donné que Daryl est vraiment intelligent, il s'est rendu compte que «Rich Girl» sonnait mieux que «Rich Guy». C'est la vérité. Il avait trop d'argent et trop de drogues, et il était en quelque sorte épuisé. Il est venu lui rendre visite une fois et après son départ, Daryl a juste eu l'idée.

Quant à «Maneater», il ne s'agissait pas non plus d'une femme:

«Maneater» parle de New York dans les années 80. C'est de la cupidité, de l'avarice et des richesses gâtées. Mais nous l'avons dans le cadre d'une fille parce que c'est plus facile à comprendre. C'est quelque chose que les gens peuvent comprendre.

7 'Tu es tellement vain' de Carly Simon parlait probablement de Daniel Armstrong

Peu de chansons ont suscité autant de spéculation et de frustration que le succès de Carly Simon en 1972, «You're So Vain». Une des raisons était que Simon avait été lié - de façon professionnelle, romantique ou les deux - avec certains des plus grands noms de l'industrie du divertissement. -Kris Kristofferson, Cat Stevens, Mick Jagger, Warren Beatty et James Taylor, son mari à l'époque. Il est donc un peu surprenant que le sujet réel de sa chanson soit probablement un homme inconnu de la plupart des personnes extérieures à l'industrie de la musique.

Une autre raison pour laquelle le mystère retient encore l’attention après quatre décennies, c’est que Simon elle-même a laissé tomber des indices et a invité les fans à rassembler les indices. Elle a même organisé une vente aux enchères caritative en 2003, où elle a murmuré le secret au plus offrant, Dick Ebersol, président de NBC Sports, qui a déboursé 50 000 dollars.

Quand elle a publié une version mise à jour de «You're So Vain» sur son plus grand album à succès Jamais été parti en 2010, elle a dit qu'elle avait murmuré le prénom de l'homme lors d'une rupture instrumentale dans la chanson. Malheureusement, cet indice était difficile à entendre et il a rapidement été signalé que son nom était «David». Ce n'était pas le cas. Selon Simon:

J'ai dit “Ovid” à la fois sur le CD et à l'avant et à l'arrière, et le résultat ressemblait à “David” pour certains, je suppose. Mais je le pensais comme une allusion à la métamorphose, et que ce groupe de chansons a été redirigé vers un cafard différent. Kafka? Café? Des nuages? Je sais que c'est ennuyeux, mais ça pourrait être bon!

Simon a également changé son histoire au fil des ans. En 1974, elle a affirmé que le sujet de la chanson était une compilation de plusieurs hommes. Mais en 2002, elle a dit que le sujet était un homme et qu'il était apparu dans certaines de ses autres chansons. Six ans plus tard, elle expliquait: «Quand j’ai eu la phrase« Tu es si vaniteux, tu penses probablement que cette chanson parle de toi », c’était vraiment une personne. Le reste des descriptions provenait essentiellement de ma relation avec cette personne. "

Pendant des années, les médias ont maintenu que le sujet de la chanson était Warren Beatty, un homme que Simon a brièvement fréquenté au début des années 1970. Beatty lui-même était convaincu que la chanson parlait de lui et avait même appelé Simon pour la remercier de l'hommage rendu. Cependant, elle soutient que si Beatty correspond aux descriptions de la chanson, il n'en est pas le sujet.

Une parole peut être la clé du mystère: «Ensuite, vous avez piloté votre avion Lear jusqu'en Nouvelle-Écosse pour voir l'éclipse totale du soleil.» Selon la NASA, deux éclipses totales pouvaient être vues de la Nouvelle-Écosse au début Années 1970 L'un était à l'été 1972, longtemps après l'écriture de la chanson, mais l'autre en mars 1970. Il était intéressant de noter que Simon mettait fin à sa relation de deux ans avec un homme nommé Daniel Armstrong à la fin de 1969 et au début de 1970. Leur cercle d'amis avait prévu de s'envoler pour la Nouvelle-Écosse afin d'assister à l'éclipse de mars 1970 au plus noir.

Armstrong était le propriétaire de l'un des premiers magasins de guitares électriques à New York et comptait parmi sa clientèle le groupe Cream et Eric Clapton. «J'étais le premier et le seul spécialiste de la guitare électrique au monde et je connaissais tous les grands guitaristes du monde. Je possédais simplement New York à l'époque», a-t-il déclaré une fois, sans vergogne. Il a également affirmé qu'il connaissait plus de riffs de blues que Clapton. Cela ressemble au sujet de la chanson de Simon?

Selon des amis, Armstrong n’a pas soutenu la carrière musicale naissante de Simon et l’avait déjà critiquée. En outre, bien que Simon ait rompu la relation, elle l'aurait regretté et porterait une torche pendant des années. Simon admet volontiers qu'au moins deux de ses chansons - «Je suis tout ce qu'il faut pour te rendre heureux» et «Dan, mon fling» - ont été inspirées par Armstrong.

Dans deux entretiens séparés en 2004, Simon a laissé tomber son indice le plus révélateur: l'homme dans sa chanson portait les lettres «a», «e» et «r». Les trois lettres peuvent être trouvées dans le nom «Daniel Armstrong». Il est également intéressant de noter que 2004 est l'année du décès de M. Armstrong.

Nous ne saurons peut-être jamais avec certitude qui a inspiré la célèbre chanson de Simon. En 1989, elle a déclaré: «Je trouve toujours aussi drôle que les gens soient intégrés à ce que je pensais. C'est le plus grand voyage en ego que quiconque puisse avoir. Et pour cette raison bien sûr, je ne peux jamais le donner. "

6 «L'éclipse totale du cœur» de Bonnie Tyler était une chanson d'amour de vampire

La chanson de Bonnie Tyler en 1983 intitulée «L'éclipse totale du cœur» est numéro un dans les charts aux États-Unis et au Royaume-Uni. La voix rauque et les paroles envoûtantes de Tyler, renforcées par le clip musical sombre et gothique de la chanson, ont donné au monde l'impression qu'il s'agissait d'une chanson à propos de deux amants: la chanteuse et «Bright Eyes». Leur relation est à la fois incertaine et atroce. Cependant, l'auteur de la chanson voulait que la douleur soit moins dans le cœur et plus dans le cou.

L’écrivain de la chanson était Jim Steinman, célèbre pour trois chansons de Meatloaf de 1977 Bat hors de l'enfer album - «Deux sur trois n'est pas mauvais», «Paradise by the Dashboard Light» et «Je ferai n'importe quoi pour l'amour (mais je ne ferai pas cela)». Au début des années 1980, Steinman travaillait sur une comédie musicale basée sur le célèbre film vampire Nosferatu. Une des chansons qu'il a écrites pour la production était “Vampires in Love”.

Quand Meatloaf a commencé à composer des chansons pour Minuit chez les perdus et retrouvés En 1983, Steinman proposa deux chansons, «Making Love Out of Nothing at All» et «Vampires in Love», renommée «Total Eclipse of the Heart». Mais Epic Records souhaitait que Meatloaf écrive ses propres chansons. ”Est ​​allé à Air Supply et“ Total Eclipse ”à Bonnie Tyler.

Puis, en 2002, la production de Steinman Danse des vampires ouvert sur Broadway, et le public s’étonne que l’acte II ouvert avec-vous l'a deviné - «Éclipse totale du cœur», cette fois-ci avec son titre original de «Vampires in Love».

Steinman avait initialement prévu d'écrire toutes les nouvelles chansons de la production:

Je n'avais qu'un mois et demi pour écrire tout ce spectacle et j'avais besoin d'un grand duo d'amour. […] Mais avec «Total Eclipse of the Heart», j'essayais de créer une chanson d'amour et je me souvenais que j'avais en fait écrit cela pour être une chanson d'amour de vampire. […] Si quelqu'un écoute les paroles, ce sont vraiment des lignes de vampire. Il s'agit des ténèbres, du pouvoir des ténèbres et de la place de l'amour dans les ténèbres.

5 Red Hot Chili Peppers "Give It Away" était une question de générosité

Avec des paroles comme: «Ce que j'ai à te dire, c'est ce que j'ai en toi», nous pouvons être pardonnés de notre conviction que «Give It Away» est une affaire de sexe. «Donne-le-moi» est, après tout, un euphémisme pour avoir perdu votre virginité. Quand les Red Hot Chili Peppers ont été invités à participer à la finale de la quatrième saison de la sitcom sur les dessins animés Les Simpsons en 1993, ils ont été invités à rendre leur crossover monstre plus populaire, «Give it Away», en modifiant la phrase ci-dessus en «Ce que j’aime, c’est que j’aime vous embrasser et vous embrasser».

En regardant attentivement certaines des autres paroles, il est clair qu’il se passe autre chose. Le deuxième vers s'ouvre avec:

Petit peuple avide en mer de détresse
Gardez votre plus pour recevoir votre moins
Peu impressionné par les excès matériels.

Dans son autobiographie Tissu cicatriciel, le parolier Anthony Kiedis a expliqué que la genèse de la chanson est issue d'un peu de sagesse que son ex-petite amie, Nina Hagen, lui a communiquée:

Nina était une âme sage et elle a réalisé à quel point j'étais jeune et inexpérimentée à ce moment-là. Elle m'a donc toujours transmis des pierres précieuses, et non pas d'une manière sainte, mais simplement en saisissant les occasions qui se présentaient. […] Un jour, je parcourais son placard, en regardant tous ses vêtements fous, quand je suis tombé sur une précieuse veste exotique. «C'est vraiment cool», dis-je. "Prends le. Vous pouvez l'avoir », a-t-elle dit. «Whoa, je ne peux pas supporter ça. C'est la plus belle veste que tu aies là-bas », ai-je dit. "C'est pourquoi je vous l'ai donné", at-elle expliqué. «Il est toujours important de donner des choses. cela crée une bonne énergie. Si vous avez un placard plein de vêtements et que vous essayez de les garder tous, votre vie deviendra toute petite. Mais si vous avez un placard complet et que quelqu'un voit quelque chose qu’il aime, si vous le lui donnez, le monde est meilleur. ”

Le conseil de Hagen resta chez Kiedis pendant des années après: c'était une telle épiphanie que quelqu'un voudrait me donner son truc préféré. Cela est resté avec moi pour toujours. Chaque fois que je pensais "je dois continuer", je me souvenais que "Non, tu dois donner à la place." Pour l'album de 1991 des Peppers Blood Sugar Sex MagikKiedis a écrit une chanson pour transmettre cette sagesse.

Tous ceux qui connaissent les paroles de la chanson savent que Kiedis a glissé dans un hommage à Bob Marley en tant que «poète et prophète». Mais Kiedis a révélé qu'il avait également inséré un hommage à une autre star décédée beaucoup trop jeune, River Phoenix. River était un ami du guitariste RHCP John Frusciante et du bassiste Flea (alias Michael Peter Balzary). La nuit où River mourut en octobre 1993, il devait se produire sur scène avec Flea au Viper Room, une discothèque hollywoodienne. Il s'est effondré d'une overdose de drogue juste devant la boîte de nuit. Il avait 23 ans.

«River était très présent lors de l'écriture et de l'enregistrement de notre album», a déclaré Kiedis. Le verset: «Il y a une rivière, née pour être un donateur, te garde au chaud, ne te laissera pas frissonner. Son cœur ne va jamais se faner, venez tous, le temps d'accoucher », lui a rendu hommage.

4 "Jumpin 'Jack Flash" des Rolling Stones était sur le point de revenir à leurs racines plus simples de R & B

Lorsque les Rolling Stones se sont rencontrés à l'été 1962, leur son rock and roll était beaucoup plus sombre, plus sexy et plus enraciné dans le blues que leur plus grand concurrent, les Beatles.Mais au milieu de la décennie, les Beatles ont échangé leur son pop rock contre le son folk rock d'artistes comme Bob Dylan, et les Stones ont emboîté le pas en 1967 avec Entre les boutons. Puis, quand les Beatles se sont tournés vers le psychédélisme avec Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band cette même année, les pierres ont répondu avec Leur majesté satanique demande, leur troisième album en un an.

La même année (toujours en 1967), Mick Jagger, Keith Richards et Brian Jones ont tous été arrêtés pour violation de la drogue et ont fait face à de lourdes peines de prison. En outre, Jones était en train de se détériorer mentalement et physiquement à cause de sa toxicomanie. Quand le groupe s'est réuni en 1968 pour enregistrer Banquet du mendiant, ils ont décidé de retourner à leurs racines de blues. Mick Jagger dira plus tard que «Jumpin 'Jack Flash» était à propos de la précédente année stressante: «Il s'agissait de passer des moments difficiles et de sortir. Juste une métaphore pour sortir de toutes les choses acides. "

Les fans pensent depuis longtemps que la chanson parle de drogue - de «l’essence de rire» à l’injection d’héroïne dans les conduits lacrymaux. Cependant, le mot "gas" dans la chanson ne fait pas référence à la défonce mais au sentiment ressenti par les membres du groupe lorsqu'ils jouent son riff accrocheur de blues, qui est, comme le souligne Richards, le même riff de leur hit rock-blues de 1965 «(Je ne peux pas obtenir aucune) satisfaction» mais en sens inverse. Richards dira plus tard:

Lorsque vous obtenez un riff comme «Flash», vous obtenez un grand sentiment d'exaltation, une joie méchante. J'entends tout le groupe décoller derrière moi à chaque fois que je joue «Flash». Il existe une sorte supplémentaire de turbo overdrive. Vous sautez sur le riff et ça vous joue. La lévitation est probablement l'analogie la plus proche de ce que je ressens. "

Le «Jack» dans la chanson est Jack Dyer, le jardinier de Keith Richards, qui a surpris Jagger et Richards un matin en se promenant dans le jardin devant leur fenêtre. Richards l'appelait «Jumpin 'Jack» et Jagger ajoutait «Flash» pour leur donner une phrase allitérative sur laquelle accrocher la chanson. Dyer était un simple paysan qui semblait symboliser une époque plus simple pour Richards et Jagger, une époque dans laquelle ils voulaient revenir. La chanson est la chanson la plus régulièrement jouée par les Stones lors de leurs concerts, et ils diffusent souvent de l’eau et des pétales de fleurs sur le public lorsqu’ils la jouent, probablement un hommage à Dyer.

«L'heure de la fermeture» de 3 Semisonic concernait l'accouchement

Pendant plus d'une décennie, tout le monde, y compris la plupart des membres du sémison, a pensé que le «Closing Time», qui avait remporté un Grammy, était le dernier appel d'un bar. En fait, après la sortie de la chanson en 1998, elle est devenue un pilier des bars du monde entier en signalant à ses clients qu’ils étaient sur le point d’être emmenés dans la rue. Dans une interview de 2010, Dan Wilson, l'auteur de la chanson, a déclaré:

Je pensais vraiment que c'était le plus grand destin de «Closing Time», qu'il serait utilisé par tous les barmans, et c'était en fait. C'est toujours. Je rencontre tout le temps des gens qui me disent: «Oh, j'ai travaillé dans ce bar pendant quatre ans et j'ai entendu votre chanson tous les soirs."

Quand Wilson s'est assis pour écrire la chanson, elle devait à l'origine être utilisée comme chanson de clôture pour leurs concerts:

J'essayais au départ d'écrire une chanson pour mettre fin aux concerts sémisoniques. Nous avions toujours terminé avec une chanson intitulée «If I Run» et je l'aimais vraiment beaucoup. John et Jake, les deux autres membres du groupe, étaient toujours impatients de terminer la série avec la même chanson. Alors je me suis mis à écrire un nouveau rapproché pour le tournage et je me suis dit: "Oh, heure de fermeture." Parce que tous les bars que je fréquentais à Minneapolis, ils criaient: "heure de fermeture". Il y avait un bar où un gars criait toujours très fort: «Tu n'es pas obligé de rentrer à la maison, mais tu ne peux pas rester ici», et je suppose que c'est toujours resté dans ma tête.

Cependant, la chanson a évolué au fur et à mesure que Wilson l'écrivait: «À mi-chemin de l'écriture de la chanson, j'ai réalisé qu'il était également question de naître. Ma femme et moi attendions notre premier enfant très vite après avoir écrit cette chanson. J'ai eu la naissance sur le cerveau, j'ai été frappé par quel drôle de jeu de mots c'était de sortir du ventre de sa mère. »La femme de Wilson était enceinte d'une fille, Coco. Dans une autre interview, Wilson a ajouté: "Il s'agit de naître et de venir au monde, de voir les lumières brillantes, de couper le cordon, de s'ouvrir à quelque chose de plus profond et plus universel."

Mais Wilson ne voulait pas dire aux autres membres du groupe en quoi consistait réellement la chanson. Il savait que les auteurs-compositeurs écrivaient fréquemment des chansons pour célébrer la naissance d’un enfant, comme David Byrne de Talking Heads («Stay Up Late», à la Petites créatures album), Stevie Wonder («N’est-elle pas belle», de Des chansons dans la clé de la vie), R. Kelly («Havin 'a Baby», de Doubler), Jay-Z («Glory» en tant que single) et Lauryn Hill («To Zion», de La éducation de Lauryn Hill). Wilson a élaboré:

[Les gars du groupe] savent instinctivement que dès que junior arrivera sur les lieux, la prochaine chose à venir sera une chanson sur junior. [… ] Je le savais. Je savais que mes compagnons de groupe… ressentaient cette crainte. Donc, j'ai fait ce que toute bonne furtivité ferait, et j'ai caché ma chanson junior, et je l'ai fait en pleine vue, ce qui est l'endroit où une bonne furtivité sait que c'est le meilleur endroit pour cacher quelque chose. Et je l'ai si bien caché à la vue de tous que des millions et des millions de personnes ont entendu la chanson et l'ont achetée sans l'avoir comprise. Ils pensent qu’il faut renoncer à un bar, mais au ventre.

2 La "macarena" de Los Del Rio parlait d'une femme qui dormait

https://www.youtube.com/watch?v=XiBYM6g8Tck
Toute personne née avant 1991 est presque au courant du chant et de la danse «Macarena». Pendant quelques années au milieu des années 90, presque toutes les réceptions de mariage, les bar-mitsvah, les manifestations sportives, les danses des lycées et des lycées et les pique-niques d'église étaient dégagés en quatre minutes et en un espace considérable afin que tous ceux à portée de voix puissent se rassembler leurs fesses, battent des bras, et lentement-tourner dans un cercle. La danse consistait principalement en des mouvements de bras et nécessitait peu de coordination du bas du corps, ce qui permettait aux tout-petits, aux centenaires et à tous les autres de participer. Il pouvait même être joué assis, ce qui permettait de «danser» même si une personne était en état d'ébriété, se glissait dans un siège de stade ou sur la piste de danse d'un navire de croisière.

Et avec tout le monde concentré sur leurs mouvements de danse cool, peu d’entre eux ont prêté une grande attention aux mots. Cela n'a pas aidé que la plupart des mots étaient en espagnol. Cela n'a pas aidé non plus qu'il y ait près d'une douzaine de versions de la chanson au moment de sa plus grande popularité, certaines avec des paroles atténuées, d'autres moins.

L'origine de la chanson a commencé avec une paire d'Espagnols d'âge moyen, Antonio Romeo Monge et Rafael Ruiz, qui ont formé le groupe Los Del Rios. Monge et Ruiz étaient ensemble depuis 1962 et chantaient leur son flamenco-pop. En 1992, Los Del Rios ont effectué une tournée en Amérique du Sud et, lors d'une fête au Venezuela, ils ont rencontré une danseuse de flamenco époustouflante, Diana Patricia Cubillan Herrera. Elle et ses mouvements de danse ont inspiré le duo pour écrire la chanson.

La chanson originale parlait d'une femme dont le petit ami, Vitorino, avait rejoint l'armée. En représailles, elle a couché avec deux de ses amis. La femme rêve de nouveaux vêtements, vit à New York et cherche un nouveau petit ami. Le choeur encourage la femme à «donner de la joie à son corps, Macarena. parce que votre corps devait recevoir de la joie et de bonnes choses. »Que ce soit les vêtements ou la gratification sexuelle qui lui a procuré la« joie »est laissé à l'interprétation. La femme et la chanson ont d'abord reçu le nom de «Magdalena», expression familière d'une femme sexy et affirmée, mais lorsqu'une autre chanson portant le même titre a été trouvée, Los Del Rios a changé le nom en «Macarena».

Le duo a publié la chanson en 1993 en tant que rumba. C'est devenu un hit en Espagne et en 1994, il était joué dans toute l'Amérique du Sud. L'année suivante, les Bayside Boys le remixent et lui donnent des paroles plus épicées. Dans cette version, Macarena déclare: «[Les garçons] veulent tous de moi, ils ne peuvent pas m'avoir. Alors ils viennent tous et dansent à côté de moi. »Mais dans le prochain refrain, elle exhorte les garçons:« Et si tu vas bien, je te raccompagnerai à la maison. »Macarena maintenant méprise simplement son petit ami et demande à son auditoire« Maintenant Allez, qu'est-ce que je devais faire? Il était hors de la ville et ses deux amis allaient si bien. »C'est la version que connaissent la plupart des pays anglophones.

En 1996, Los Del Rios a publié un clip vidéo utilisant le remix de Bayside Boys et 10 femmes interprétant la danse «Macarena». Un nouvel engouement pour la danse a été lancé. Personne n’est certain de l’origine de la danse, mais elle est devenue une sensation culturelle. Partout dans le monde, des gens ont fait trembler leur voix alors que deux hommes âgés ont exhorté Macarena, encore et encore, à «lui donner la joie du corps». Vous ne reverrez jamais cette chanson de la même manière, n'est-ce pas?

«L'escalier vers le ciel» de Led Zeppelin parlait vraiment de matérialisme superficiel

https://www.youtube.com/watch?v=w9TGj2jrJk8
Considéré comme l’une des plus grandes chansons rock de l’histoire, «Stairway to Heaven» de 1971 a généré plus que sa part de conjectures quant à sa signification. L'écrivain lyrique Robert Plant a décrit les origines des paroles:

Je tenais un crayon et du papier, et pour une raison quelconque j'étais de très mauvaise humeur. Puis tout à coup, ma main écrivait les mots: «Il y a une femme qui est sûre que tout ce qui brille est en or / Et elle achète un escalier qui mène au ciel.» Je me suis juste assis là et j'ai regardé les mots, puis j'ai presque sauté mon siège.

Beaucoup ont reconnu que la ligne «tout ce qui brille est d'or» est l'inverse de la ligne de Bilbo Baggins dans Tolkien Communauté de l'Anneau: "Tout ce qui est de l'or ne brille pas." Bilbo observait que la valeur d'une personne ou d'une chose n'est pas toujours évidente à la surface. La dame de la chanson, cependant, est «sûre» que le contraire est vrai.

Plant déclara vouloir une chanson épique pour le quatrième album de Led Zeppelin et s’appuyer sur cette première ligne en utilisant des images celtiques et Tolkien pour révéler progressivement le caractère peu profond du point de vue de la femme: «Cela commence par le concept d’essayer d’avoir quelque chose qui détruirait en couches à mesure que la chanson progressait.

Plant a écrit la plupart des paroles en une seule séance et admet qu'une grande partie de son inspiration venait de la lecture Arts magiques de la Grande-Bretagne celtique, écrit par l'occultiste Lewis Spence. Parallèlement au fait que Jimmy Page, un autre membre du groupe, avait acheté Boleskine House en Écosse, qui appartenait auparavant au sataniste Aleister Crowley, les spéculations se sont tournées vers une signification satanique pour la chanson.

On savait que Crowley avait demandé à ses disciples de parler à l'envers, et les auditeurs jouaient la chanson à l'envers. Nous avons déjà discuté du prétendu backmasking et du message satanique de la chanson. Plant se moque de ça:

En ce qui concerne renverser des cassettes et mettre des messages à la fin, ce n'est pas mon idée de faire de la musique. C'est vraiment triste.La première fois que j'ai entendu dire que c'était tôt le matin, quand je vivais à la maison, j'ai entendu cela dans un journal télévisé. J'ai été complètement vidé toute la journée. Je me suis promené et je ne pouvais vraiment pas croire, je ne pouvais pas prendre au sérieux les personnes qui pourraient créer de tels croquis. Il y a beaucoup de gens qui gagnent de l'argent là-bas, et si c'est la façon dont ils ont besoin de le faire, faites-le sans mes paroles. Je les chéris beaucoup trop.

Finalement, le groupe, et Plant en particulier, s'est lassé de la chanson. En 1988, il a déclaré: «Si je devais chanter« Stairway to Heaven »dans chaque spectacle, je me déchaînerais. J'ai écrit les paroles et j'ai trouvé que la chanson avait une importance et une conséquence en 1971. Mais 17 ans plus tard, je ne sais pas. C'est juste pas pour moi.

Avec le temps, Plant s'est même lassé de la sélection de ses paroles. "En fonction du jour, je interprète toujours la chanson différemment - et je l'ai écrite", a-t-il dit une fois. Il a qualifié ses paroles de «pompeuses» et a déclaré en 2012: «Je me débattre avec certaines paroles de périodes particulières. J'essayais peut-être encore de comprendre de quoi je parlais. […] Tous les autres sont.