10 genres de musique du 21e siècle que la plupart des gens n'ont pas entendu parler
La musique évolue à un rythme si rapide qu'il nous est souvent difficile de suivre le rythme du dernier cri. Grâce aux coûts réduits des équipements d’enregistrement et à l’utilisation généralisée des ordinateurs personnels, la production et la diffusion de musique sont désormais si accessibles que de nouveaux genres semblent émerger tous les deux ou trois mois.
10 MIDI noir
Crédit photo: Gingeas via YouTubeAvertissement: Ne regardez pas de vidéos MIDI noires si vous êtes épileptique!
Dans les années 1980, le monde de la musique a été révolutionné par l'invention du MIDI (Musical Instrument Digital Interface). Ce nouveau système simplifie la possibilité pour les instruments de musique électroniques et les ordinateurs de «se parler», ce qui permet de contrôler la notation, la hauteur, le tempo et d'innombrables autres paramètres sur simple pression d'un bouton. Aujourd'hui, vous auriez bien du mal à trouver des artistes qui n'utilisent pas le MIDI d'une manière ou d'une autre, car il est devenu omniprésent avec la musique pop et électronique.
Le concept de MIDI a atteint de nouveaux sommets avec le développement de «Black MIDI», un genre de musique basé sur un principe simple: Cram autant de notes que possible dans une seule composition. Les débuts modestes de Black MIDI remontent à 2009, année où les utilisateurs d'un site Web japonais populaire de partage de vidéos ont commencé à télécharger des clips de chansons de films d'animation et de vidéos qu'ils avaient remixées dans le programme d'apprentissage du piano Synthesia.
Ce qui a commencé comme un passe-temps de niche pour de nombreux adolescents japonais a rapidement explosé en un véritable phénomène Internet. Les «Blackers», comme ils s’appellent affectueusement, ont depuis développé une communauté en ligne soudée, publié des centaines de chansons et créé leurs propres maisons de disques destinées aux musiciens MIDI noirs.
Bien que les chansons du genre aient à l’origine dépassé quelques centaines de milliers de notes, il est maintenant courant de trouver des artistes pouvant atteindre le milliard. Selon les classements MIDI noirs, le détenteur du record actuel est Gingeas, qui a réussi à insérer plus d'un billion de notes dans sa chanson «Armageddon v2».
Artistes remarquables: Gingeas, RetroUniversalHT, TheSuperMarioBros2
9 Kawaii Metal
L'obsession japonaise de tout ce qui est adorable est un stéréotype répandu dans le monde occidental. Au cours des dernières décennies, kawaii La culture (mignonne) s'est enracinée dans de nombreux aspects de la vie japonaise, y compris la nourriture, les vêtements, les jouets et même les comportements et les manières des gens. En 2009, un entrepreneur japonais a décidé de prendre kawaii la culture à un niveau supérieur, en mélangeant l’esthétique écolière de la musique pop japonaise avec les riffs assourdissants de la guitare et les rythmes assourdissants que l’on trouve dans la musique metal.
Kawaii le métal doit ses origines au groupe Babymetal et à l'énigmatique directeur derrière lui, Kobametal. Fondée à l'origine du groupe de J-pop Sakura Gakuin, Babymetal a connu beaucoup de succès ces dernières années, et pas seulement au Japon. Leur premier album est bien enregistré en Autriche, en Belgique, aux Pays-Bas, en Allemagne et même aux États-Unis.
Peut-être que Babymetal est si populaire en raison de sa juxtaposition de métal et de J-pop, deux genres totalement opposés au spectre musical. Il est assez captivant d’entendre des voix pop étincelantes sur les instrumentaux métalliques de Slayer-esque. Le personnage étrange incarné par le groupe pourrait également être un facteur. Dans une interview sur fuse.tv, Kobametal a affirmé que les actions du groupe sont motivées par «des messages divins qui passent par le dieu du métal que nous appelons le dieu renard». Ou peut-être sont-ils étonnamment bons.
Artistes notables: Babymetal, Ladybaby, DOLL $ BOXX
8 minuscules
Bien que l'expression «less is more» ait été inventée en 1855 par le poète Robert Browning, elle n'est pas entrée dans le lexique public avant que l'architecte Ludwig Mies van der Rohe l'ait adoptée dans les années 1960 en tant que principe du design minimaliste. Des décennies plus tard, les musiciens ont pris l'expression à cœur, se concentrant sur le fait de ne jouer que quelques notes pour créer une ambiance plutôt que sur des éléments musicaux plus traditionnels tels que le rythme et la mélodie.
Chaque jour, nous sommes tellement bombardés par le bruit des voitures, des avions, des appareils ménagers et des constructions que des formes de bruit plus subtiles passent souvent inaperçues. Nous ne prêtons pas beaucoup d'attention au bourdonnement du vent ou au pot qui bouillonne sur le poêle. Lowercase, un sous-genre d'électronica minimaliste, développe cette idée en utilisant ces "microsounds" ignorés et même le silence pour créer quelque chose de complètement différent du type de musique que nous sommes habitués à entendre.
Lowercase a été créé en 2001 lorsque Steve Roden a publié Formes de papier, un album composé uniquement de sons de papier bruissant. Déformé et amplifié à l'aide d'un ordinateur, il a été arrangé numériquement en une composition envoûtante de 54 minutes. Les artistes du genre peuvent utiliser n'importe quoi, y compris des enregistrements sur le terrain de feuilles bruissantes, des personnes respirant ou des cloches sonnant au loin.
Roden a déclaré sur le site Web de Electro Acoustic Research que «[minuscule] porte un certain sens du calme et de l'humilité; cela n'exige pas d'attention, il faut le découvrir. »Voilà une déclaration rafraîchissante, compte tenu des« guerres de sonie »qui déchirent à l'oreille qui se déroulent actuellement dans la musique populaire.
Artistes notables: Steve Roden, Richard Chartier, Alva Noto
7 Seapunk
Les années 2010 ont vu une énorme augmentation des sous-cultures en ligne, principalement en raison de la popularité croissante des médias sociaux. Les tendances peuvent exploser du jour au lendemain, faire l’objet d’une conversation pendant quelques jours et s’évanouir dans l’obscurité sans préavis. Rien n’englobe la nature éphémère de la vie moderne comme le seapunk, un micro-genre de musique électronique qui, pendant un bref instant, a été très intéressant pour une poignée de personnes.
Appelé à l’origine «blague Web avec musique» par Le New York Times, Seapunk a été créé par un groupe de musiciens en ligne partageant une nostalgie de la culture des années 1990. Le genre mélange musique électronique dynamique et sons hypnotiques de jeux vidéo sur le thème de l'océan (comme Ecco the Dolphin ou les niveaux d'eau de Donkey Kong) et d'instruments tropicaux synthétisés comme des marimbas et des tambours en acier. Seapunk n'est pas seulement confiné à la musique, il est également à l'origine d'une tendance très populaire en matière de design qui utilise des images aquatiques ainsi que toutes les nuances de turquoise imaginables.
À la fin de 2012, la communauté seapunk était aux prises avec la «cooptation» du genre par Rihanna et Azealia Banks. Rihanna a interprété sa chanson à succès «Diamonds» sur SNL devant des scènes qui rappellent beaucoup la vidéo du pionnier du genre Jerome LOL pour sa chanson «Blockz». Quelques jours plus tard, Banks a publié un clip vidéo d'inspiration seapunk pour sa chanson «Atlantis».
Artistes notables: Unicorn Kid, Blank Banshee, iamamiwhoami
6 magie rock
En 1990, J.K. Rowling était dans un train bondé de Manchester à Londres lorsque les lieux pour Harry Potter se sont soudainement matérialisés dans sa tête. Elle passa les quatre heures suivantes à gribouiller les détails qui donneraient naissance à l’une des séries littéraires les plus appréciées de l’histoire, pour en vendre plus de 400 millions d’exemplaires dans le monde entier. L'engouement pour Harry Potter a inspiré les enfants et les adultes, créant d'innombrables retombées créées par des fans, une ligue de Quidditch dans la vie réelle et même tout un genre de musique.
Le rock sorcier (parfois appelé «Wrock») est apparu aux États-Unis vers 2002 avec le groupe de Massachusetts Harry and the Potters. Depuis, le genre s'est développé à l'échelle internationale, inspirant des imitateurs du monde entier et même inspirant Wrockstock, un festival annuel de groupes de rock sorciers.
Wrock n’adhère pas à un style de musique particulier mais s’appuie plutôt sur des thèmes de l’univers de Harry Potter. Les groupes écrivent en grande partie des chansons du point de vue de certains personnages et enfileront souvent des costumes pour ajouter une immersion plus profonde à leurs performances. Bien que les références littéraires fantastiques dans la musique ne soient pas un nouveau concept (Led Zeppelin a fait référence dans le royaume de la Terre du Milieu de J.R. Tolkien dans de nombreuses chansons), aucune autre franchise que Harry Potter n'a inspiré tout un genre de musique.
Artistes notables: Harry et les potiers, Draco et les Malefoy, Les Fourchelangues
5 maison de sorcière
Les musiciens ont longtemps été associés à l'occultisme. Dans les temps anciens, les chamanes faisaient des incantations pour invoquer des esprits. Dans les années 1990, des groupes de black metal norvégiens ont brûlé des églises et assassiné leurs propres membres. À la fin des années 2000, le côté obscur de la musique a connu un renouveau avec l’émergence d’un petit genre appelé maison de sorcière.
Mélangeant l'atmosphère floue des groupes gothiques des années 1980 tels que Cocteau Twins et The Cure avec de la musique de danse hip-hop et électronique plus traditionnelle, la maison de sorcière a été créée par Salem, dans le Massachusetts, dans leur album de 2010. Roi nuit.
Comme le genre Seapunk, le genre met en œuvre une esthétique visuelle largement inspirée de la culture pop des années 1990, notamment. Le projet Blair Witch, Pics jumeaux, et Charmé. Les autres éléments communs du genre sont les références à la sorcellerie, aux pochettes d'albums inspirées par l'horreur et à l'utilisation de triangles, de croix et d'autres symboles dans les noms d'artiste et les titres de chansons.
Witch House a été largement perçu comme une réaction à Chillwave, un micro-genre concurrant qui met en valeur la lueur chaude et les vibrations estivales de la musique pop de la fin des années 70 et du début des années 80. Bien que les sorties aient considérablement ralenti depuis son apogée, un certain nombre d'artistes du genre ont connu un succès mondial.
Artistes notables: Salem, Crystal Castles, oOoOO, Ritualz
4 Nintendocore
Pour beaucoup d’entre nous qui sommes nés dans les années 1980 et 1990, nous pouvons remercier Koji Kondo d’avoir composé la bande sonore de notre enfance. Kondo a écrit quelques-uns des morceaux les plus inoubliables de l'histoire des jeux vidéo pour les franchises Super Mario et Legend of Zelda, pour n'en nommer que quelques-uns. Ses contributions ont révolutionné non seulement les jeux vidéo, mais l’industrie musicale dans son ensemble. Cela aurait été un exploit pour Kondo d’avoir prédit l’ampleur de son influence, qui a touché presque tous les coins et recoins du monde.
Nintendocore fusionne deux alliés improbables: les sons 8 bits de la musique de jeu vidéo pionniers de Kondo avec l'agressivité du punk et du métal purs et durs. Bien que le genre ne soit apparu qu'au début des années 2000, les bases ont été jetées dans les années 1990. Autoclave a été le premier groupe à couvrir une chanson de jeu vidéo; la dernière chanson de leur album éponyme est le thème de Paperboy. Pendant ce temps, les rockeurs excentriques, M. Bungle, ont utilisé les sons de Super Mario Bros. dans leur premier album éponyme.
Le premier album de Nintendocore est sorti en 2001 par Horse the Band. La conjonction entre les lourds riffs de guitare de l'album et les claviers utilisés pour reproduire les sons Nintendo 8 bits a attiré l'attention du public, et le groupe a connu un succès modeste au cours de ses deux décennies d'existence. Le terme «Nintendocore» a été inventé par le leader du groupe pour décrire l'album, bien qu'il l'ait utilisé à l'origine comme une blague. Cependant, le terme a fait son chemin et le reste appartient à l'histoire.
Artistes notables: Horse The Band, The Advantage, Minibosses
3 métal pirate
Grâce au succès de films comme Peter Pan, Crochet, et pirates des Caraïbes, nous sommes tous bien au courant de l’esthétique des pirates: barbes, tatouages et beaucoup de rhum. Naturellement, cette image semblerait se traduire assez bien dans le monde de la musique. On sait depuis longtemps que les musiciens se coiffent, se tatouent le corps et boivent beaucoup d’alcool. Ainsi, le terme «métal pirate» peut ne pas sembler si long, après tout.
On peut attribuer les origines du métal pirate à la publication en 1987 de Running Wild Sous Jolly Roger. Lorsque les Allemands ont mal accueilli les images sataniques et le lyrisme politique du groupe, ils ont adopté le personnage pirate qui influencerait des dizaines de groupes quelques décennies plus tard.
Le métal pirate se définit par l’incorporation d’habits de pirates, de folklore et d’argot dans leur musique. Les groupes peuvent également utiliser des instruments folkloriques plus traditionnels, tels que les concertinas et les chants de mer occasionnels. Le genre apporte un ton plus jovial au heavy metal, qui se caractérise généralement par la gravité, la mort et la destruction.
Artistes notables: Alestorm, Running Wild, Lagerstein, Swashbuckle
2 Vaporwave
Chez les jeunes, le désenchantement à l’égard de la société en général semble avoir atteint un niveau record. Le taux de participation électorale diminue régulièrement et un nombre déraisonnable de personnes souffrent de chômage chronique, en particulier en Europe. Le mot allemand “weltschmerz” (douleur dans le monde) décrit l'angoisse et la dissonance culturelle ressenties par les gens lorsque le monde ne répond pas à leurs attentes, un sentiment repris par les artistes du micro-genre vaporwave des années 2010.
Vaporwave se caractérise par un échantillonnage important de smooth jazz et de musique lounge à partir des années 1970, ainsi que par des échantillons vocaux et des synthés électroniques flous. Le genre a été formé presque par pure coïncidence par Daniel Lopatin et James Ferraro, des musiciens expérimentaux qui ont sorti des albums à peu près au même moment et qui sonnaient étrangement similaires. Trempé dans la nostalgie et l'esthétique rétro dépassée, le genre vise non seulement à ramener les auditeurs vers une époque plus simple, mais également à fournir une critique contemporaine de la culture de consommation et du capitalisme.
Comme le seapunk et le witch house, vaporwave intègre sa propre esthétique visuelle pour s’adapter à la musique. Les images de premier plan incluent la conception Web des années 1990 (pensez Angelfire et Neocities), des visuels tridimensionnels obsolètes, l’utilisation de caractères japonais dans les noms d’artistes et les titres de chansons, l’art glitch et, sans aucune raison apparente, les sculptures romaines et grecques antiques.
Artistes notables: Macintosh Plus, Saint Pepsi, James Ferraro, Chuck Person
1 mur de bruit dur
On se souviendra peut-être mieux de son manifeste, le peintre et compositeur du XXe siècle, Luigi Russolo, L'art des bruits, qui soutenait que la révolution industrielle avait cédé le pas à une profusion de sons nouveaux et insondables pour l’humanité. Il se sentait contraint par la musique contemporaine, qui donnait trop d'importance à la mélodie. Au lieu de cela, Russolo a proposé une nouvelle forme de musique caractérisée par le bruit. Il a passé des décennies à improviser des instruments de musique expérimentaux qu'il a appelés intonarumori.
Depuis l'époque de Russolo, la musique noise a inspiré un large éventail de genres, même si la plupart restent en marge de la scène musicale. Peu de musiciens ont été en mesure de toucher un large public grâce au bruit, car les oreilles humaines valorisent les sons nets, clairs et harmoniques.
Une des itérations de bruit les plus récentes est le mur de bruit dur (HNW). En termes simples, HNW est un énorme majeur pour tout ce que nous savons sur ce qui rend la musique agréable. Le genre est totalement dépourvu d’éléments que nous associons normalement à la musique, comme la mélodie ou le rythme structuré. C'est peut-être le type de musique le plus extrême qui existe actuellement, dérangeant parfois l'auditeur en créant un «mur» implacable de bruits dépourvus de dynamique et de progression. HNW est implacable, cacophonique et dissonant. Parfois, cela peut causer de la douleur ou une augmentation de la réponse surrénalienne. La discrétion de l'auditeur est conseillée.
Artistes notables: Vomir, The Rita, Werewolf Jerusalem