10 films qui ont changé l'industrie du cinéma pour toujours

Les dernières années ont été un bon moment pour être un fan de cinéma. Les adaptations de bandes dessinées sont passées d’un marché de niche condamné à une domination du box-office en raison du succès de films comme Avengers et Le Chevalier Noir, et la science-fiction continue à prendre des risques, comme on le voit dans Prométhée. Les prétendants à l'Oscar du meilleur film de ces dernières années ont montré qu'il ne manque pas de drames allant du réconfortant au plus déchirant. Cependant, de nombreux aspects du film moderne que nous prenons pour acquis ont des racines profondes dans les films des dernières décennies.

10Promesses! Promesses! (1963)

Même l’individu le plus réservé peut se rappeler de manière vivante les scènes les plus sexy qu’il a vues au cinéma. De Phoebe Cates à Fast Times à Ridgemont High à Christina Ricci dans Black Snake Moan, le sexe a pimenté le film pour toujours.

Bien sûr, il fallait bien commencer quelque part. La nudité fait partie du cinéma depuis ses débuts, mais pendant longtemps, les cinéastes ont dû lutter contre des politiques restrictives fondées sur la moralité, telles que le Code de Hays. Dans les années 1960, cependant, les films commençaient à défier ces restrictions sur le sexe et la nudité.

Comédie sexuelle Promesses! Promesses! a été le premier long métrage cinématographique à présenter une vedette majeure - Jayne Mansfield apparaît nue dans cette affaire. Bien que la nudité fût présente dans des films plus petits (et souvent muets) auparavant, ce film a permis de légitimer l'utilisation du sexe pour vendre un film et alimenter la renommée de la star nue. Sans ce film, il n'y aurait eu aucune comédie sexuelle torride comme Tarte Américaine ou En cloque, ni une génération qui maîtrisait l'art de frapper le bouton de pause aux moments stratégiques de leurs scènes préférées.

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9Ocean's 11 (1960)

Quand les crédits commencent à rouler, une chose devient claire: le public a été formé pour rester assis. Pour le public moderne, cela est dû en grande partie à Homme de ferpost-crédits de "stinger", qui est une scène supplémentaire qui récompense les fans pour rester dans les parages. Toutes les sorties ultérieures de Marvel et de nombreux autres films sans rapport ont suivi.

Cependant, Marvel a à peine lancé cette idée. Cela remonte au deuxième film de James Bond, De Russie avec amour, qui a promis au public après le générique que «James Bond reviendrait», une pratique qui se poursuit encore de nos jours.

Le premier film, cependant, est issu de l'original Ocean's 11, qui montre Sinatra, Davis et le reste de l’équipe déambulant dans une rue de Las Vegas. Comparé aux «stingers» modernes qui cherchent à surprendre les téléspectateurs, c'était plutôt doux, mais sans Ol 'Blue Eyes sur le boulevard, nous n'aurions peut-être jamais vu Samuel L. Jackson parler à Robert Downey Jr. de The Avengers Initiative .

8Guerres des étoiles (1977)

Guerres des étoiles a révolutionné le cinéma de nombreuses façons, en élevant la barre des effets spéciaux, en utilisant de manière créative des décors pratiques et en racontant des histoires de science-fiction. Au milieu de tout cela, l’une de ses principales contributions au cinéma est souvent négligée: le simple fait de jouer le générique à la fin du film au lieu du début.

Tout le monde reconnaît le fameux «crawl» d'ouverture du film, les lettres jaunes qui captivent les téléspectateurs jusqu'au drame de l'espace qu'ils sont sur le point de regarder avant de se faufiler dans l'immensité de l'espace. Bien que cela devienne plus tard une icône, la guilde des directeurs n'aimait pas du tout cette idée à l'époque. Ils ont ordonné à George Lucas d’afficher le générique de la distribution et de l’équipe se présenter avant le film, comme le voulait la tradition depuis des décennies. Lucas a refusé de céder et a simplement payé l'amende requise à la Guilde avant de démissionner.

Le temps a fait rire Lucas. Le succès retentissant de Guerres des étoiles signifiait que les cinéastes du monde entier emprunteraient à jamais ses formules, y compris l'élimination des crédits au début du film. En fin de compte, Luke Skywalker ne s'est pas contenté de faire sauter l'étoile de la mort: il a fait sauter les chances que vous ayez à passer cinq minutes avant le début du film.

7Gorge Profonde (1972)

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Gorge Profonde Ce n'était certes pas le premier film pornographique, mais il définissait ce que le consommateur moderne considérerait comme tel. Avant ce film, la plupart des pornos consistaient en une dizaine de minutes seulement de séquences, qui étaient répétées en boucle pour donner l’impression d’un film plus long. De plus, ces films étaient principalement visionnés dans des magasins vendant des livres pour adultes ou des clubs pour adultes.

Avec son terrain de camping et son temps de course de près d'une heure, Gorge Profonde fait de la pornographie plus grand public. Sortir pour voir le film était considéré comme une activité à la mode, et la vue de couples à l'allure normale se rendant dans des théâtres à la normale pour voir un film pornographique a rendu la pornographie plus acceptable. Si le porno ne semblait pas déjà populaire aux yeux des jeunes, les autorités fédérales tentaient de confisquer des bobines de film et de fermer des salles de cinéma montrant ainsi qu’il attirait des jeunes rebelles, consolidant ainsi la place de la pornographie au moment où la révolution sexuelle se déroulait.

6Blanche Neige Et Les Sept Nains (1937)

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Contrairement aux rumeurs persistantes, Disney's Blanche Neige et les Sept Nains n'était pas le premier long métrage d'animation, majeur ou autre. Cependant, il s’agissait du premier long métrage d’animation produit en anglais et en technicolor, ce qui représentait un niveau de risque élevé pour Walt Disney. À l'époque, beaucoup de gens, y compris sa femme, pensaient que le public n'avait ni le temps ni la patience de regarder un film d'animation.

Sans se décourager, Disney a emprunté la majeure partie des 1,5 million de dollars nécessaires pour financer sa vision.Comme on le sait maintenant, le pari a porté ses fruits: le film a rapporté 8 millions de dollars au plus fort de la Grande Dépression et a annoncé une révolution dans l’animation. Non seulement il a jeté les bases des entreprises d’animation ultérieures (telles que Hannah-Barbera, Pixar et Don Bluth Productions), mais il a également lancé l’animation CGI, l’empire qui allait éventuellement dominer les parcs de loisirs et les franchises de grande envergure comme Guerres des étoiles et Marvel.

5Jeune Sherlock Holmes (1985)

Jeune Sherlock Holmes n’était pas le premier film à présenter une animation par ordinateur, mais le premier à présenter un personnage CGI hyper-réaliste qui devait être numérisé et peinturé sur le film. Rétrospectivement, la scène peut sembler relativement simple: Sherlock Holmes se bat contre une figure en verre qui s’anime à partir d’une illustration en vitrail. Cependant, sans cette scène, nous n'aurions peut-être jamais eu les habitants des futurs succès Histoire de jouet et Congelé.

Cette simple scène a montré que CGI n’était pas seulement utile pour le spectacle SFX de films tels que Star Trek-il pourrait être utilisé pour créer des personnages entièrement. Sans ce film, nous n'aurions jamais des icônes de la réussite en images de synthèse telles que Gollum de le Seigneur des Anneaux séries. Plus intéressant encore, le personnage de chevalier vitrail était animé par John Lasseter, qui allait fonder Pixar et créer des personnages mémorables tels que Woody et Buzz Lightyear avant l’acquisition de la société par Disney.

4La naissance d'une nation (1915)

D.W. Le film historique de Griffith occupe une place douteuse dans l'histoire. Sur le plan le plus élémentaire, c'est le premier film de long métrage. Le succès du film de trois heures a montré que les films pouvaient être plus que de simples clips mais plutôt raconter une histoire expansive. Malheureusement, l’histoire choisie par Griffith est horriblement raciste.

Le titre original du film, L'homme de clan, est beaucoup plus honnête à propos de ce que le film décrit. Alors que l'intrigue se concentre sur deux familles après la guerre de Sécession, les personnages noirs tour à tour paresseux, dangereux et lubriques joués par des acteurs blancs dans blackface volent la vedette. Ces figures ignobles menacent d'envahir le Sud jusqu'à ce que l'héroïque Ku Klux Klan sauve la situation. Heureusement, Hollywood a cherché à imiter les réalisations artistiques du film (l'idée de multiples intrigues, le rythme, la structure et le travail de caméra révolutionnaire) et non son contenu choquant.

3Cowboy de minuit (1969)

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Aujourd’hui, la plupart d’entre nous ne seraient pas choqués par le sexe, les drogues et la nudité décrits dans Cowboy de minuit, nous permettant de nous concentrer sur son message sur le lien tissé entre les exclus dans un monde oppressif et indifférent. En 1969, cependant, la Motion Picture Association of America a chanté un air différent en attribuant à ce film non pornographique la note «X».

Une cote X est normalement une peine de mort pour un film. cependant, Cowboy de minuit réussi à transcender cette barrière, restant le seul film classé X à recevoir l'Oscar du meilleur film. Au total, il a été nominé dans sept catégories aux Oscars de cette année et en a remporté trois. L'année suivante, la cote du film a été ramenée à un R.

L'héritage artistique du film n'est pas un mince exploit. Cela a créé un débat permanent sur le fossé entre la pornographie et l'art, forçant le public des décennies à venir à ne pas négliger la valeur artistique d'un film en raison de son contenu pour adultes. Cela a également contribué à adoucir les politiques de classement suivies par la MPAA, qui a reconnu à contrecœur qu'un film avec un tel attrait et une pléthore de nominations aux Oscars ne pouvait être considéré comme obscène.

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2Avidité (1924)

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Les adeptes des livres se plaignent souvent d’adopter quelque chose qui reste toujours dans la salle de montage en ce qui concerne l’adaptation cinématographique de leurs romans préférés. De telles troncatures sont malheureusement nécessaires, car peu de cinéphiles sont disposés à assister à des épopées de quatre heures. Cependant, les pouvoirs hollywoodiens à qui il faut apprendre cette leçon à la dure, et ce, en grande partie à cause du film de 1924 d'Eric Von Stroheim Avidité.

Von Stroheim a décidé qu'aucun détail de la page ne pouvait être omis de l'écran dans cette adaptation du roman américain McTeague. Le réalisateur excentrique a passé plus de deux ans à travailler sur le film gonflé qui a pris tant de temps à céder parce qu’il évitait les studios hollywoodiens au profit de lieux réels allant de la Sierra Nevada à la Death Valley.

Le résultat était un film de près de huit heures. Après que l'atelier eut reculé devant sa longueur, il réussit à le couper en deux, mais cela ne suffisait même pas. Le studio ordonnera plus tard de le réduire à environ deux heures et quinze minutes par quelqu'un qui n'a jamais lu le livre sur lequel il est basé. Les bobines supplémentaires de film - 32 négatifs montés - ont été fondues pour leur nitrate d'argent. Une leçon coûteuse a été apprise et Hollywood ne l'a jamais oubliée. Aujourd'hui, les adaptations de livres ne cherchent généralement pas à recréer intégralement les livres sur lesquels elles sont basées.

1Le grand vol de train (1903)

Ce film de 1903 est muet et ne dure que 12 minutes, mais il a complètement changé le film. Premièrement, il racontait une histoire, en particulier de bandits qui volaient un train avant d'être abattus pendant leur fuite. Cela contrastait nettement avec les films précédents, qui consistaient uniquement en scènes uniques destinées à titiller et à amuser les spectateurs. Pour la première fois, le public a été témoin d'une violence réaliste, notamment du jeu de tir attendu, mais aussi de l'utilisation du charbon comme matraque et d'effets spéciaux rudimentaires sous la forme d'un mannequin qui remplaçait un homme jeté du train.

Ce film a également breveté de nombreuses techniques de tournage et de montage, allant de l’utilisation de plusieurs emplacements au panoramique de la caméra et à l’utilisation de la coupe transversale pour afficher les événements se produisant simultanément. La popularité du film dans les cinémas de nickel a directement contribué à l’explosion de cinémas à travers l’Amérique, ouvrant la voie à l’ensemble de l’industrie cinématographique qui a suivi.